Museo J. Paul Getty

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El Museo J. Paul Getty de Malibú, California, está situado en la cima de una colina en las montañas de Santa Mónica, junto a la autopista de San Diego. Consideraba que el arte era una influencia esclarecedora; Su perspectiva llevó a la creación del museo. El Museo Getty, construido por primera vez en 1971, presenta la colección de arte occidental de Getty desde la Edad Media hasta el presente, con un telón de fondo de arquitectura espectacular, jardines tranquilos y vistas impresionantes de los alrededores de Los Ángeles: el Océano Pacífico, montañas de San Gabriel y la vasta cuadrícula de calles de la ciudad, su objetivo es hacer que la colección sea atractiva y significativa para los visitantes mediante la presentación e interpretación de los fondos. Las colecciones incluyen pinturas, dibujos, manuscritos, esculturas y artes decorativas europeas y fotografías europeas y americanas. El museo comenzó sus colecciones de pintura en la década de 1930 bajo la astuta dirección del propio Getty. La amplia colección muestra pinturas del Renacimiento del norte de Italia, pintura barroca de Italia y Flandes, obras holandesas del siglo XVII y francesas de los siglos XVIII y XIX. El Departamento de Fotografía mantiene nueve colecciones y varias otras fotografías adquiridas en 1984. Dibujos de Paul Gauguin, Vincent Van Gogh y, más recientemente, un raro dibujo de Miguel Ángel, añaden cierto asombro al museo. Las colecciones de esculturas europeas de Paul Getty incluyen piezas brillantes del Renacimiento italiano, la época neoclásica francesa y británica. El J. ha pulido la fama del museo. El Getty Museum Trust creó otro hito cultural cuando abrieron el J. As como un centro educativo y museo. , la Villa Getty está dedicada al estudio de las artes y culturas de la antigua Grecia y Roma. La conservación es una responsabilidad fundamental del Museo J. Paul Getty y un elemento esencial de la misión del Museo.


* Loza con un esmalte opaco de óxido de estaño, generalmente muy decorada.


Centro Getty

los Centro Getty, en Los Ángeles, California, es un campus del Museo Getty y otros programas del Getty Trust. El Centro de $ 1.3 mil millones se abrió al público el 16 de diciembre de 1997 [2] y es bien conocido por su arquitectura, jardines y vistas a Los Ángeles. El Centro se encuentra en la cima de una colina conectada a un estacionamiento para visitantes en la parte inferior de la colina por un transportador de personas de tres autos, tirado por un tren aéreo. [3]

Ubicado en el vecindario Brentwood de Los Ángeles, el Centro es una de las dos ubicaciones del Museo J. Paul Getty y atrae a 1.8 millones de visitantes al año. (La otra ubicación es la Villa Getty en el vecindario de Pacific Palisades de Los Ángeles, California). La sucursal del Museo en el Centro presenta pinturas, dibujos, manuscritos iluminados, esculturas y artes decorativas europeas anteriores al siglo XX y fotografías de la década de 1830. hasta la actualidad de todo el mundo. [4] [5] Además, la colección del Museo en el Centro incluye esculturas al aire libre exhibidas en terrazas y jardines y el gran Jardín Central diseñado por Robert Irwin. Entre las obras de arte expuestas se encuentra la pintura de Vincent Van Gogh. Lirios.

Diseñado por el arquitecto Richard Meier, el campus también alberga el Getty Research Institute (GRI), el Getty Conservation Institute, la Getty Foundation y el J. Paul Getty Trust. El diseño del Centro incluyó disposiciones especiales para abordar las preocupaciones sobre terremotos e incendios.


La vida personal de J. Paul Getty

Este éxito atrajo la atención, y esta atención & # 8211 particularmente del tipo femenino & # 8211 y Getty se casaron un total de tres veces solo durante la década de 1920. Su padre, de quien había surgido su éxito comercial, estaba muy angustiado por la naturaleza mujeriego de su hijo, y le dejó solo una fracción de su fortuna de $ 10 millones tras su muerte. No es que importara & # 8211 Getty era multimillonario por derecho propio para entonces, eclipsando incluso a su padre.

Sin embargo, justo antes de su muerte en 1930, el padre de Getty, George, fue citado diciendo que la imprudencia, la inconstancia y la obsesión de su hijo por el dinero conducirían en última instancia a la destrucción de la empresa que habían construido juntos. Sin embargo, la inversión astuta y la habilidad empresarial vieron florecer al Getty más joven. Soportó admirablemente la tormenta financiera de la Gran Depresión y adquirió compañías petroleras de Tidewater Oil a Pacific Western Oil Corporation, haciendo crecer y hacer crecer su negocio hasta que se extendió no solo a Estados Unidos, sino a todo el mundo.


Imperio petrolero

Después de graduarse, Getty regresó a los Estados Unidos y comenzó a trabajar como wildcatter, comprando y vendiendo arrendamientos de petróleo en Oklahoma. Para 1916, Getty había ganado su primer millón de dólares con un pozo exitoso y se asoció con su padre para incorporar la Getty Oil Company. Con su nueva fortuna, se retiró brevemente a una vida de ocio en Los Ángeles, antes de regresar al negocio del petróleo en 1919. & # XA0

A lo largo de la década de 1920, Getty y su padre continuaron acumulando riqueza a través de la perforación y el corretaje de arrendamientos. & # XA0Cuando George falleció en 1930, Getty recibió una herencia de $ 500,000 y se convirtió en presidente de su padre y una compañía petrolera, aunque su madre retuvo la participación mayoritaria.

En su nuevo puesto, Getty se propuso reestructurar y expandir la empresa para convertirla en un negocio autosuficiente, uno que hiciera de todo, desde perforar hasta refinar, transportar y vender petróleo. Comenzó a comprar y tomar el control de otras empresas, incluidas & # xA0Pacific Western Oil, Skelly Oil y Tidewater Oil. & # XA0Después de la Segunda Guerra Mundial, Getty también se arriesgó al invertir millones en la & quot; Zona Neutral & quot entre Kuwait y Arabia Saudita. Su apuesta rindió frutos en 1953, cuando se encontró petróleo y comenzó a fluir a un ritmo de 16 millones de barriles al año.

En 1957, Fortuna revista nombró a Getty el hombre más rico del mundo. Diez años más tarde, consolidó sus intereses comerciales en & # xA0the Getty Oil Company y, a mediados de la década de 1970, se estimó que había construido una fortuna personal de $ 2 a $ 4 mil millones.


La Villa J. Paul Getty construyó pero nunca vio

Irónicamente, J. Paul Getty nunca vio la Getty Villa. Murió dos años después de que su museo se abriera al público en enero de 1974 en un nuevo edificio inspirado en una antigua casa de lujo romana. No fue hasta después de la muerte de Getty en junio de 1976 que regresó de su finca en Inglaterra a su "rancho" en la costa del Pacífico: está enterrado allí en el borde de la propiedad en una parcela privada con vista al océano, junto a su hijo mayor y los hijos menores, George y Timothy, ambos fallecieron antes que él.

Tras una renovación y reinstalación de las galerías, la Getty Villa abre un nuevo capítulo en su historia. Aunque Getty nunca puso los ojos en su creación, la historia de cómo construyó la Villa y reunió su colección impregna las galerías incluso hoy. Un conjunto de habitaciones renovadas, las galerías 105 a 108, comparten esta historia. Con obras de arte antiguas que Getty compró junto con documentos de archivo, las nuevas exhibiciones colocan los objetos en sus contextos culturales y arrojan luz sobre la relación personal de Getty con su museo y lugar de descanso final.

De una casa de campo a una antigua villa

Getty compró el rancho de 64 acres, una vez parte del Rancho Boca de Santa Mónica, una concesión de tierras mexicana de 6.656 acres de principios del siglo XIX, justo después del final de la Segunda Guerra Mundial, con la intención de que fuera un retiro de fin de semana donde su quinta esposa Theodora ("Teddy") podía montar a caballo y podía exhibir su creciente colección de arte.

The Ranch House antes de la renovación, entre 1920 y 1945. The Getty Research Institute, Institutional Archives

Conocía bien la zona, porque ya era dueño de una pequeña casa en la playa en la cercana Santa Mónica, a pocos pasos del extenso complejo que su amigo y coleccionista rival William Randolph Hearst había construido para la actriz Marion Davies. (La finca de Davies ahora es Annenberg Community Beach House, mientras que la casa de playa de Getty ha sido reemplazada por un gran complejo de condominios moderno, 270 Palisades Beach Road).

Después de comprar la propiedad, Getty remodeló la “Ranch House” de baja altura, agregando un segundo piso y varias características de estilo español. Aunque Getty dejó los Estados Unidos de forma permanente en 1951, dejando atrás a Teddy y a su hijo Timmy, continuó llenando el Ranch House con obras de arte, y en 1954 lo abrió al público como el Museo J. Paul Getty.

Gran galería de antigüedades en Getty Ranch House entre 1957 y 1974. En el otro extremo de la galería se encuentra el Lansdowne Hercules. The Getty Research Institute, Archivos institucionales

Con el tiempo, agregó al edificio para acomodar su creciente colección, y para fines de la década de 1960 necesitaba expandirse aún más. Los arquitectos de Getty elaboraron varias propuestas en una variedad de estilos — español, europeo y moderno — todas las cuales él rechazó. Finalmente, decidió construir una réplica de la antigua Villa dei Papiri en Herculaeneum, que fue enterrada en la erupción del Monte Vesubio en el 79 d. C.

Encuentro de historia antigua y moderna

Varias galerías recientemente reinstaladas en el primer piso de la Villa Getty presentan objetos que hablan de sus historias antiguas y modernas. La galería 105, conocida como el Salón de los mármoles de colores, está dominada por una estatua de mármol de Venus. Getty admitió de buena gana que "disfrutaba de la compañía de las mujeres", y cuando la Villa abrió por primera vez en 1974, toda una galería estaba dedicada a las imágenes de la diosa del amor.

Por lo tanto, al planificar la nueva exhibición, decidimos que la primera de las dos vitrinas integradas en esta galería se enfocaría en representaciones de Venus en varios medios: terracota, mármol y bronce. El objeto más pequeño de la caja, una cabeza de bronce finamente trabajada de la diosa, una vez unida a una figura más grande, es notable por la preservación de un pendiente de oro con una sola perla. Las perlas eran muy apreciadas en la antigüedad, como lo son hoy, y alcanzaban precios enormes.

El objeto más grande en el caso, un grupo de terracota de un Mujer recostada en un sofá con Cupidos, es aún más intrigante. Es la primera "antigüedad" que compró Getty. En 1939, cuando estaba en Roma cortejando a Teddy, que estaba estudiando para ser cantante de ópera, hizo varias ofertas ausentes por artículos que se vendían de una colección aristocrática en Londres. Estaba particularmente interesado en los tapices, pero en la misma página del catálogo de la subasta que algunos de los objetos que más deseaba estaba el listado de esta terracota. Se asoció con otros similares encontrados en el sitio griego de Tanagra a fines del siglo XIX. Estas obras de arte fueron populares entre los coleccionistas por la vivacidad de sus composiciones y las ideas que parecían proporcionar a la vida cotidiana en el mundo antiguo.

Estatuilla de una mujer reclinada en un sofá con cupidos, 1875-1890, probablemente fabricado en Grecia. Terracota, pigmento y oro, 7 5/16 × 10 5/8 × 4 5/16 pulg. Museo J. Paul Getty, 78.AK.38. Imagen digital cortesía del programa de contenido abierto de Getty

Detalle de la copia personal de J. Paul Getty's del catálogo de artículos de la subasta de Sotheby's de Cam House, Londres. El Instituto de Investigaciones Getty

Como con todas sus compras, Getty fue astuto, buscando obtener el mejor precio posible. Pero su catálogo de subastas anotado, redescubierto en las colecciones de la biblioteca del Getty Research Institute por la ex asistente curatorial del Getty Museum Laure Marest-Caffey (ahora la curadora de arte griego y romano de Cornelius y Emily Vermeule en el Museo de Bellas Artes de Boston) revela que El propio Getty tenía dudas sobre su autenticidad. En el margen debajo de la entrada escribió, "¿moderno?" La terracota pertenecía a una venerable colección inglesa, por lo que Getty estaba dispuesto a arriesgarse. Su baja oferta de £ 10 prevaleció, pero su primera antigüedad resultó no ser una antigüedad en absoluto.

Historia en exhibición

Esta historia y otras sobre J. Paul Getty y el crecimiento de sus colecciones se cuentan en una exhibición innovadora en la Galería 107. Aprovechando la instalación en curso J. Paul Getty: Vida y legado en el Getty Center, este programa interactivo, instalado junto con algunas de las esculturas antiguas favoritas de Getty, permite a los visitantes explorar cientos de fotografías de archivo, mapas, gráficos y otros recursos relacionados con la familia, los negocios, los viajes de Getty, el desarrollo de sus colecciones, la decisión de construir la Villa, y un legado duradero.

El Hércules de Lansdowne, alrededor del año 125 d.C., Roman. Mármol, 76 3/16 × 30 1/2 × 28 3/4 pulg. Museo J. Paul Getty, 70.AA.109. Representado en el Templo de Hércules (Galería 108).

Mientras tanto, la Galería 108, conocida como el Templo de Hércules, tiene un aspecto muy similar al que tenía antes de la reinstalación, pero ahora presenta una iluminación mejorada y un aislador sísmico más pequeño debajo de la famosa estatua del Hércules de Lansdowne. Este cambio permite que más del espléndido piso de mármol policromado muestre que es una réplica de uno de los primeros hallazgos de los excavadores de pozos que descubrieron la Villa dei Papiri en 1750. La antigua villa es en sí misma el foco de un cubículo recién instalado junto al Atrio. , Gallery 101C, y será objeto de una exposición de préstamo internacional en el verano de 2019.

Si bien Getty nunca visitó su Villa, su legado continúa perdurando. Desde sus elecciones arquitectónicas hasta los objetos que coleccionó, su historia del siglo XX se mezcla con la de la antigüedad, produciendo historias que nos cautivan incluso hoy.


Un recorrido virtual por el Museo Getty

& # 8220El Gran Canal de Venecia desde Palazzo Flangini hasta Campo San Marcuola & # 8221 por Canaletto

& # 8220El Gran Canal de Venecia desde Palazzo Flangini hasta Campo San Marcuola & # 8221 de Canaletto fue pintado en 1738.

Esta composición se llama veduta (en italiano & # 8220view & # 8221), lo que significa una pintura muy detallada, generalmente a gran escala, de un paisaje urbano o alguna otra vista.

Esta pintura vendida representa los tramos superiores del Gran Canal de Venecia, Italia, cerca de la entrada del Canal de Cannaregio. Las pinturas de Venduta eran populares entre los turistas adinerados de Venecia a mediados del siglo XVIII.

& # 8220Modern Rome & # 8211 Campo Vaccino & # 8221 por J.M.W. Tornero

& # 8220Modern Rome - Campo Vaccino & # 8221 de J.M.W. Turner es una visión del paisaje del Foro Romano sin excavar, todavía llamado Campo Vaccino que significa & # 8220Cow Pasture & # 8221 brillando en la luz brumosa.

Diez años después de su último viaje a Roma, Turner imaginó Roma desde su memoria. Las iglesias y los monumentos antiguos en y alrededor del Foro Romano se están disolviendo en colores brillantes.

La luz de la luna se eleva por la izquierda. El sol se pone detrás de la Colina Capitolina a la derecha.

& # 8220Iris & # 8221 de Vincent van Gogh

& # 8220Irises & # 8221 es una de varias pinturas de & # 8216Irises & # 8217 de Vincent van Gogh y una de una serie de pinturas que pintó en el asilo de Saint-Rémy, Francia, en el último año antes de su muerte.

En 1889, después de varios episodios de automutilación y hospitalización, Van Gogh decidió ingresar a un asilo. Allí, en el último año antes de su muerte, creó más de 120 pinturas.

Poco después de ingresar al asilo, Van Gogh comenzó Irises, trabajando desde la naturaleza en el jardín del asilo. Llamó a la pintura & # 8220 el pararrayos de mi enfermedad & # 8221 porque sentía que podía evitar volverse loco si continuaba pintando.

& # 8220Después del baño, mujer secándose la espalda & # 8221 por Edgar Degas

& # 8220Después del baño, mujer secándose la espalda & # 8221 de Edgar Degas es una impresión de una bañista arrodillada en una silla cubierta con toallas mientras arquea la espalda sobre el respaldo de la silla como si fuera a recoger algo con la mano derecha. .

Este grabado forma parte de una serie de fotografías, grabados, dibujos, bocetos preliminares en pasteles y óleos de Degas de este período que representan a mujeres durante el proceso de baño.

Degas solía utilizar bocetos y fotografías como paso preliminar para estudiar la luz y la composición de sus pinturas. Este trabajo es parte de una serie que representa a mujeres, como en este ejemplo, en posiciones incómodas y antinaturales.

Degas dijo que tenía la intención de crear un sentimiento en el espectador & # 8220 como si se mirara por el ojo de una cerradura. & # 8221

& # 8220 Pilas de trigo, efecto nieve, mañana & # 8221 por Claude Monet

& # 8220Wheatstacks, Snow Effect, Morning & # 8221 de Claude Monet es parte de una serie de pilas de trigo cosechado. La serie consta de veinticinco lienzos, que Monet comenzó a finales del verano de 1890, y aunque Monet también produjo pinturas anteriores utilizando este mismo tema de pila.

La serie impresionista es famosa por cómo Monet repitió el mismo tema para mostrar la luz y la atmósfera diferentes en diferentes momentos del día, a través de las estaciones y en muchos tipos de clima.

La serie Haystacks de Monet es una de las primeras en basarse en la repetición de un tema para ilustrar una sutil diferencia en la percepción del color en las variaciones de las horas del día, las estaciones y el clima.

& # 8220Retrato de un alabardero & # 8221 por Pontormo

& # 8220Retrato de un alabardero & # 8221 de Pontormo representa a un joven parado frente a la muralla de una fortaleza, sosteniendo una alabarda.

Una alabarda es un arma de asta de dos manos que tuvo un uso prominente durante los siglos XIV y XV, y las tropas que usaban el arma se llamaban alabarderos.

La identidad de la persona no es absoluta, sin embargo, los registros florentinos señalaron que durante el asedio de Florencia en 1528, el artista Pontormo pintó un retrato de un joven noble llamado Francesco Guardi como soldado.

& # 8220Spring & # 8221 por Édouard Manet

Primavera de Édouard Manet representa a la actriz parisina Jeanne DeMarsy con un vestido de flores con sombrilla y gorro sobre un fondo de exuberante follaje y cielo azul, como la encarnación de la primavera.

Se la retrata serena y mirando al frente, una imagen de desapego aunque parece plenamente consciente de nuestra mirada.

Esta pintura fue la primera de un cuarteto planificado de obras alegóricas que utilizaban elegantes mujeres parisinas para representar las cuatro estaciones. La idea era producir una serie de temporadas personificadas por los ideales contemporáneos de la mujer, la moda y la belleza.

La serie nunca se terminó, y Manet murió un año después de completar solo la segunda de la serie, Otoño.

Kouros griego (Museo Getty)

Este Kouros griego en el Museo Getty es una estatua de mármol de tamaño extra grande de un joven desnudo sin barba en una postura avanzada.

El término moderno kouros (plural kouroi) se da a las esculturas griegas antiguas independientes que aparecen por primera vez en el período Arcaico en la Antigua Grecia y representan a jóvenes varones desnudos. En griego antiguo, kouros significa & # 8220joven, muchacho, especialmente de rango noble. & # 8221

Estas estatuas se encuentran en todo el mundo de habla griega. La mayor parte de este tipo se ha encontrado en los santuarios de Apolo.

& # 8220Spring & # 8221 por Lawrence Alma-Tadema

& # 8220Spring & # 8221 de Lawrence Alma-Tadema representa el festival de Cerealia en una clásica calle romana con terrazas de mármol. En la antigua religión romana, la Cerealia era la fiesta principal celebrada por la diosa del grano Ceres.

Se llevó a cabo durante siete días desde mediados hasta finales de abril, y esta pintura muestra la procesión de mujeres y niños descendiendo escaleras de mármol cargando y vistiendo flores de colores brillantes.

Los vítores de los espectadores llenan todos los miradores de los edificios romanos clásicos.

La curiosidad de Tadema sobre el mundo antiguo de Grecia y Roma era insaciable, y su conocimiento se incorpora a esta pintura a través de detalles arquitectónicos, vestimenta, escultura y adornos que se basan en originales romanos.

& # 8220Retrato de un hombre & # 8221 por Paolo Veronese

& # 8220Retrato de un hombre & # 8221 de Paolo Veronese retrata a un hombre apoyado en la base de una estructura con columnas. En un nicho entre las columnas hay una escultura de mármol de una figura envuelta, de la cual solo se ve la parte inferior.

La identidad de este hombre es un misterio, sin embargo, las pistas en la pintura pueden referirse a la profesión del sujeto, tal vez la de escultor o arquitecto.

& # 8220Euclid & # 8217 de Jusepe de Ribera

Euclid de Jusepe de Ribera, representa al & # 8220padre de la geometría & # 8221 emergiendo de las sombras detrás de una mesa. Presentado como un erudito solemne mostrando su gastado libro con varias figuras geométricas y caracteres pseudo-griegos.

De Ribera centró todas sus habilidades en los detalles faciales del hombre, desde la barba descuidada hasta los pliegues de su frente y los pliegues de los párpados sobre sus ojos oscuros.

Representado como un hombre con ropa hecha jirones y dedos sucios y ennegrecidos para enfatizar la devoción de Euclides por las búsquedas intelectuales, más que materiales.

& # 8220Venus y Adonis & # 8221 por Tiziano

& # 8220Venus y Adonis & # 8221 de Tiziano representa a Venus tratando de impedir que su amante Adonis se vaya a cazar. Sus perros tiran de sus correas, haciéndose eco de su impaciencia, como se detalla en las Metamorfosis de Ovidio.

Cupido duerme en el fondo, un símbolo de la resistencia de Adonis y el abrazo de Venus. La historia relata cómo una mañana, cuando Venus parte en su carro celeste, los perros de Adonis y # 8217 despiertan a un jabalí, que se vuelve hacia él.

Venus oye los gemidos de Adonis, salta de su carro y lo encuentra muriendo. A partir de la sangre de su amante, crea una flor frágil cuyos pétalos están esparcidos por el viento, llamada anémona & # 8217 windflower & # 8217 en griego.

& # 8220Retrato de la marquesa de Miramon & # 8221 por James Tissot

& # 8220Retrato de la marquesa de Miramon & # 8221 de James Tissot representa a la marquesa con una bata con volantes de color rosa. Alrededor de su cuello lleva un pañuelo de encaje negro y una cruz plateada.

Detrás de ella hay una pantalla japonesa de moda que representa grúas sobre un fondo dorado, y en la repisa de la chimenea hay varias cerámicas japonesas.

El taburete Luis XVI y el busto de terracota sugieren su estatus aristocrático. Esta pintura fue exhibida en la Exposición Universal de París. Thérèse Feuillant (1836-1912) heredó una fortuna de su padre y en 1860 se casó con Réné de Cassagne de Beaufort, marqués de Miramon.

& # 8220La Rue Mosnier vestida con banderas & # 8221 por Édouard Manet

& # 8220La Rue Mosnier vestida con banderas & # 8221 de Édouard Manet representa una calle parisina, decorada con banderas francesas para la primera fiesta nacional, que tuvo lugar el 30 de junio de 1878. Se llamó & # 8220Fête de la Paix, & # 8221 o en inglés, & # 8220Celebration of Peace. & # 8221

La Rue Mosnier, que ahora se llama Rue de Berne, se podía ver desde el estudio de Manet & # 8217 en 4 Rue de Saint-Pétersbourg. Este lienzo muestra la vista desde la ventana del segundo piso, con banderas tricolores que cuelgan de los edificios a lo largo de la carretera.

Manet capturó la tarde festiva en la mitad superior de la composición con una armonía patriótica de los rojos, blancos y azules de la bandera francesa que ondeaba a lo largo de la calle.

En la mitad inferior de la composición hay un hombre con una sola pierna con muletas, posiblemente un veterano herido en la guerra franco-prusiana. Además, en la parte inferior hay un hombre que lleva una escalera, y a la izquierda hay una cerca que retiene los escombros de las obras de construcción.

La calle urbana fue un tema de interés para los pintores impresionistas y modernistas. Manet reflejó la transformación y el crecimiento de la era industrial y cómo impactó a la sociedad.


Los antiguos orígenes de la corona de flores

La corona de flores es hoy en día un accesorio de moda sinónimo de las juerguistas de Coachella y las novias boho, pero no es nuevo: llevar hojas y flores como tocado tiene una rica historia que se remonta al mundo clásico antiguo.

Desde la antigüedad, la forma circular o de herradura de la corona ha sido un símbolo de gloria, poder y eternidad. En la antigua Grecia y Roma, muchas coronas estaban hechas de lana y follaje, como hojas de mirto y hiedra, y estaban adornadas con diferentes flores, que tenían diversas asociaciones a lo largo del tiempo.

Los dioses y diosas antiguos a menudo se representaban en el arte y la literatura con plantas específicas dedicadas a ellos. En Ovid's Metamorfosis la hermosa ninfa Daphne logra escapar de su perseguidor, el dios Apolo, convirtiéndose en un árbol de laurel. Apolo corta una rama del árbol y exclama: "Aunque no puedas ser mi esposa, al menos serás mi árbol. Siempre te llevaré en mi cabello, en mi carcaj, oh Laurel". (557–559). Él cumple su palabra y, como resultado, a menudo se le representa con una corona de laurel como símbolo de su amor por Daphne. Apolo es el dios de los poetas y escritores, y el término poeta laureado que usamos hoy proviene de este mito.

Las hojas de álamo blanco se asociaron con Hércules, quien, según la tradición, importó el árbol a Olimpia desde el noroeste de Grecia.

Hércules con una corona de flores. Estatua de Hércules, 100-199 d.C., Romano. Mármol con policromía, 46 pulgadas de alto. Museo J. Paul Getty, 73.AA.43.1. Imagen digital cortesía del programa de contenido abierto de Getty

Los antiguos griegos introdujeron por primera vez la corona como una recompensa honoraria para los vencedores en concursos atléticos, militares, poéticos y musicales. Por ejemplo, los Juegos Pitios se llevaban a cabo en Delfos cada cuatro años en honor a Apolo, y los ganadores tradicionalmente recibían una corona de laurel. El laurel es originario de la región mediterránea y se erigió como un símbolo importante de victoria, logros y estatus.

También se otorgaron coronas de olivo a los ganadores de competencias atléticas, como el joven desnudo que se muestra a continuación. Los olivos silvestres crecían en Olimpia, donde se celebraban los Juegos Olímpicos, y se entregaban coronas de olivo como premios a los vencedores de estos juegos. Pudo haber sido un corredor, luchador o levantador de pesas, que se está coronando o quitando la corona para dedicarla a los dioses en señal de piedad.

Un joven coronándose con una corona de olivos. Estatua de una juventud victoriosa, 300-100 a. C., griego, bronce con pezones de cobre con incrustaciones, 59 5/8 pulg. De alto. Museo J. Paul Getty, 77.AB.30. Imagen digital cortesía del programa de contenido abierto de Getty

El simbolismo de la corona de laurel sobrevive hasta nuestros días. Ocupó un lugar destacado en el diseño de medallas para los Juegos Olímpicos de Río 2016, por ejemplo.

Los antiguos romanos continuaron la tradición de la corona como recompensa por el triunfo. Vestían a sus líderes y personal militar con coronas de laurel, roble o mirto. La corona de hierba o corona obsidionalis fue el más alto honor militar, otorgado por un ejército sitiado al general que los liberó. Estaba hecho de hierba, malas hierbas y flores silvestres reunidas en el lugar donde el ejército había sido atacado.

Un perfil de un hombre que llevaba una corona de laurel, que indicaba que probablemente tenía un alto rango militar. Camafeo, de 1700 a 1800, europeo. Museo J. Paul Getty, 83.AL.257.15, Legado de Eli Djeddah. Imagen digital cortesía del programa de contenido abierto de Getty

Las coronas de flores también se usaban para festividades y celebraciones, al igual que en la actualidad, eran habituales en eventos como sacrificios a los dioses y fiestas. En las representaciones de hombres griegos en simposios (fiestas aristocráticas de bebida), a menudo vemos figuras con coronas de flores. Creían que atarse un filete alrededor de la cabeza podría aliviar su embriaguez, aunque los asistentes a los festivales de hoy podrían no estar de acuerdo. Estos estaban hechos originalmente de lana pero luego decorados con flores y pétalos de rosas, violetas, mirto y perejil.

Copa de vino con un joven y un hombre, 450–440 a. C., atribuido al pintor Euaion. Terracota, 15 9/16 pulg. Diám. Museo J. Paul Getty, 86.AE.682. Imagen digital cortesía del programa de contenido abierto de Getty

En Roma, el festival Floralia se celebró en honor a Flora, diosa de las flores, la vegetación y la primavera, por lo que no es de extrañar que un tocado hecho de pétalos de flores y enredaderas entretejidas fuera el accesorio imprescindible. En esta representación de una estatua de Flora, se la representa sosteniendo su corona de flores.

Estatuilla de la Flora de FarneseDe 1871, William Chaffers. Woodburytype, 4 3/4 x 3 11/16 pulg. The J. Paul Getty Museum, 84.XB.935.23.3.83. Imagen digital cortesía del programa de contenido abierto de Getty

En Europa, esta fiesta religiosa se celebró más tarde como el Primero de Mayo secular. En la pintura de Alma-Tadema Primavera, el artista representa esta celebración y la tradición de enviar a los niños a recoger flores el primer día de mayo. Una procesión de mujeres y niños llevan coloridas coronas de flores y llevan cestas de flores. Alma-Tadema estaba obsesionado con el mundo antiguo, e incluso situó esta celebración victoriana en una antigua Roma imaginaria.

Una procesión de mujeres y niños con coronas de flores de colores brillantes. Primavera, 1894, Lawrence Alma-Tadema. Óleo sobre lienzo, 70 1/4 x 31 5/8 pulg. The J. Paul Getty Museum, 72.PA.3. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Although the flower crown was popular in the ancient world, as Christianity spread it fell out of favor due to its association with pagan festivals. But it made a comeback in Renaissance art, as artists and scholars looked again to the classical past for inspiration.

In modern times we often see flower crowns used as a reminder of the ancient Mediterranean world. As just one example, German photographer Baron Wilhelm von Gloeden used the flower crowns in portraits he created of in Sicily, as a symbol of his subjects’ ancient heritage.

A boy wearing a lily wreath. Boy with Lillies, about 1890–1914, Baron Wilhelm von Gloeden. Toned gelatin silver print, 8 3/8 × 6 1/4 in. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.631.12. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Even the bridal crown, it turns out, has ancient roots. The Roman bride would wear a crown made of verbena that she herself had picked. In modern times, Queen Victoria made the practice fashionable by wearing a crown of orange blossoms in her hair on her wedding day to prince Albert on February 10, 1840. It was also during the Victorian era that interest in “floriography” rose, with women often depicted wearing flowers to communicate a personal attribute. The orange blossom, for example, is a symbol of chastity.

Portrait of a Bride with Orange Blossoms, 1907 – 1943, Louis Fleckenstein. Gelatin silver print, 9 7/16 x 7 in. The J. Paul Getty Museum, 85.XM.28.275. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program.

Today the trend of wearable fronds and flowers continues in a variety of ways—as a symbol of victory, celebration, love, romance, or femininity, whether you’re wearing a wreath to a festival or donning a digital version on Snapchat.

Want to try it for yourself?

Try it at home with these YouTube tutorials.

Otras lecturas

A few good sources for delving deeper into the historical roots of the flower crown:


Ewan McGregor, 50, welcomes secret baby boy - and daughter lets slip the name

Hancock's wife �ook pals with mistress & thought marriage was happy'

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J. PAUL GETTY MUSEUM ACQUIRES MAJOR 19 th -CENTURY LANDSCAPE PAINTING

BY ITALIAN ARTIST GIOVANNI SEGANTINI

The lush mountain scene was commissioned for American collector Jacob Stern

and was on public view in San Francisco for more than 70 years

Spring in the Alps, 1897
By Giovanni Segantini

On view at the Getty Museum, Getty Center, Los Angeles beginning February 12

LOS ANGELES – The J. Paul Getty Museum announced today the acquisition of Spring in the Alps, 1897, by Giovanni Segantini (Italian, 1858-1899). Originally painted for Jacob Stern, a San Francisco collector and director of Levi Strauss & Co, the painting has a long connection to California. It was on continuous loan to Legion of Honor in San Francisco from 1928 until it was sold by Stern’s descendants in 1999.

“Giovanni Segantini was at the peak of his career when he created this luminous panoramic scene,” said Timothy Potts, director of the Getty Museum. “Featuring his characteristic thick brushstrokes and brilliant color palette—which includes flecks of gold leaf—the painting is among the most extraordinary and captivating landscapes produced in Europe at the end of the 19th century. It will resonate powerfully alongside our great Impressionist and Post-Impressionist works from France and paintings by northern European artists of the era. Significantly, with this acquisition, Spring in the Alps finds a permanent public home in California, its original destination, and we hope museum-goers from San Francisco, where it was on view for more than 70 years, will visit the painting at the Getty when they are in Los Angeles.”

At more than four by seven feet, Spring in the Alps is a monumental, sweeping depiction of an alpine landscape near the village of Soglio in Switzerland, with its recognizable church tower visible on the right side of the picture. The view is of an expansive plateau and valley ringed by glaciers and majestic snow-capped mountains. In the middle of the composition a farm woman dressed in a blue and red peasant costume characteristic of eastern Switzerland leads two large horses past a watering trough. They are coming from a freshly plowed field where a sower scatters seeds and a black and white dog stands guard. The scene is sunny and colorful, emphasizing a glorious vista with a brilliant blue sky and ribbons of clouds.

Segantini painted the sizeable canvas in the open air, with additional work completed in the studio. He took liberties with the topography to suit his composition, adjusting the relative scale of the mountains, the perspective of the valley, and the position of the town. He created the vibrant color scheme and brilliant effects of light following the principles of Divisionism, the practice of juxtaposing pure local colors in the belief that the hues mix optically in the eye of the viewer, creating especially luminous effects. This pseudo-scientific movement in painting was first launched in France in the 1880s by George Seurat and Paul Signac, where it was dubbed “Neo-Impressionism.” The movement was subsequently adopted by Italian painters, with Segantini becoming a principal exponent. In contrast to Seurat’s pointillist brushstrokes, Segantini employed long, thin strokes of contrasting color. The rich impasto and the tactile, almost woven, quality of the painted surface, marvelously capture the crisp transparency of the atmosphere, the harshness of the rocks, the thickness of the grass, and the roughness of the skin of the animals.

Spring in the Alps is a joyous hymn to the cycle of life and the reawakening of nature in spring after a long, hard winter,” said Davide Gasparotto, senior curator of paintings at the Getty. “It is an extraordinarily accomplished work where symbolism and naturalism are inextricably intertwined. Segantini himself counted it among his absolute masterpieces. Panoramic in scale and astonishingly luminous, Spring in the Alps is one of the greatest paintings of the Italian Ottocento in America, an iconic work that expands our ability to tell the story of 19th-century European painting.”

Spring in the Alps was commissioned by the American painter Toby E. Rosenthal (1848-1917), who resided in Munich, for San Francisco businessman and collector Jacob Stern (1851-1927), whose father, David Stern, co-founded Levi Strauss & Co. Segantini exhibited the picture at the 7th Munich Secession in 1897 and then took the painting back to his studio in Switzerland where he made further adjustments. In early 1899 the picture was sent to San Francisco to be the centerpiece of Stern’s collection. It was so well known even then, that the painting’s rescue from the 1906 earthquake and fire was reported in the national press. Upon Stern’s death in 1927, and in accordance with his wishes, Spring in the Alps was loaned by his heirs to the California Palace of the Legion of Honor. There it stayed on public view for more than 70 years. In 1999 the estate of Stern’s heir sold the picture at auction in New York.

Born in Arco (Trento) in 1858, Giovanni Segantini counts among the most important Italian artists of his generation. He was internationally famous for his dreamy Alpine landscapes, which combine elements of Jean-François Millet’s reverent naturalism with Georges Seurat’s dappled Divisionist technique and the allegorical subjectivity of the work of contemporary Symbolists, from Gustav Klimt to Paul Gauguin. Segantini&rsquos work represents the transition from traditional nineteenth-century art to the changing styles and interests of the twentieth century.

Orphaned as a boy, Segantini was apprenticed to a photographer in Milan, where in 1873 he began attending night classes at the Brera’s Academy of Fine Arts. In the early 1880s, on the advice of the painter-dealer Vittore Grubicy de Dragon, he experimented with plein-air painting during an extended visit to the Brianza region. Marketed by Grubicy, with whom Segantini signed an exclusive contract in 1883, the resulting landscapes attracted international attention and quickly made their author’s fortune. Segantini settled in the picturesque Swiss valley of the Engadine, where he painted views of the surrounding mountains for the rest of his career, often carting his enormous canvases out into the elements to work directly from nature. Despite his somewhat remote location, Segantini kept abreast of the contemporary art scene, maintaining a lively correspondence with Gustav Klimt, Max Liebermann, and others, while his work was exhibited in London, Amsterdam, Paris, and Munich.

In 1897, Segantini was commissioned by a group of local hotels to build a huge panorama of the Engadin valley to be shown in a specially built round hall at the 1900 Exposition Universelle in Paris. Before it was completed, however, the project had to be scaled down for financial reasons. Segantini redesigned the concept into a large triptych known as Life, Nature, and Death (Museo Segantini, St. Moritz), which is now his most famous work. Eager to finish the third part of his large triptych, Naturaleza, Segantini returned in 1899 to the mountains near Schafberg. The pace of his work, coupled with the high altitude, affected his health, and in mid-September he became ill with acute peritonitis. Two weeks later he died at the age of 41. Two years later the largest Segantini retrospective to date took place in Vienna. In 1908, the Museo Segantini was established in St. Moritz, Switzerland.

Spring in the Alps joins another important work by Segantini in the Getty Museum’s collection, Study for “La Vita” (1897), a large pastel that parallels the painting’s composition and is dedicated to his friend Toby Rosenthal, who facilitated the commission of Spring in the Alps from Jacob Stern. In excellent condition, Spring in the Alps comes to the Getty in the elaborate frame that the artist originally designed for it. It will be put on exhibition in the Museum’s West Pavilion on February 12th, alongside other works of art from 19th century Europe.


The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

El Museo J. Paul Getty collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum’s mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


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The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs will be exhibited Alongside Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium

LOS ANGELES – From 1973 to 1984, Samuel J. Wagstaff Jr. (American, 1921-1987) assembled one of the most important private collections of photographs in the world. With more than 26,000 objects, the collection spans the experimental beginnings of photography in the nineteenth-century to the works of artists active in the 1970s and 1980s. In 1984 Wagstaff sold his collection to the J. Paul Getty Museum, and thirty-two years later it remains the Museum’s single largest holding of art from one source. The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs, on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center, features a selection of works from Wagstaff’s collection, offering a look at how his broad and idiosyncratic tastes helped to expand the photographic canon.

“The acquisition of Samuel Wagstaff’s collection of photographs in 1984 was a landmark event in the Museum’s short history,” explains Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “In one move, the Getty became the custodian of one of the most important private collections of photographs in the world, thus setting the stage for the Museum to become, as it since has, one of the preeminent public photographic collections of the world. Wagstaff’s eye for quality and voracious appetite for collecting, ranging from Fox Talbot, Nadar and Man Ray to Lange, Arbus and Hujar, set him apart from his peers and fueled his reputation as a connoisseur and taste-maker in photography as a art form—a status that was still not yet universally acknowledged. This exhibition is the first to give Wagstaff’s critical role in photographic history its due."


Mrs. Herbert Duckworth, 1867. Julia Margaret Cameron (British, born India, 1815 - 1879). Albumen silver print. 34 x 24.9 cm (13 3/8 x 9 13/16 in.) The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Born into a socially prominent New York City family, Wagstaff attended Yale University and the Institute of Fine Arts at New York University before working as a curator at the Wadsworth Atheneum in Hartford, Connecticut, and the Detroit Institute of the Arts. While he was a champion of contemporary art and organized numerous innovative exhibitions, it was not until he met the artist Robert Mapplethorpe (American, 1946-1989) that he developed an interest in collecting photographs. The two met in 1972 and became lovers, with Wagstaff supporting Mapplethorpe’s fledging career and Mapplethorpe helping Wagstaff understand the value of photography as art. Within a few short years, Wagstaff became a preeminent collector in a still young market.

Wagstaff promoted photography as an art form by exhibiting, publishing, and lecturing on his collection. In 1978 he organized the exhibition Photographs from the Collection of Sam Wagstaff, which opened at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C. before beginning a seventeen-venue tour. His reputation as an arbiter of taste provided an impetus for museums to collect photographs and for scholars to devote their studies to photography.

“In addition to frequenting auctions in New York, London, and Paris, Wagstaff would often troll secondhand shops and flea markets during his travels, and come back with shopping bags full of prints,” says Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum and curator of the exhibition. “Wagstaff had a knack for discovering photographs by unknown makers that were deserving of attention and was bold enough to hang these works next to those by the established masters.” The Wagstaff Collection is known for its quality and breadth, and the exhibition will include photographs by the medium’s pioneers, including William Henry Fox Talbot, Hill & Adamson, Gustave Le Gray, Nadar, and Julia Margaret Cameron. Wagstaff also had an eye for early twentieth-century photography, purchasing prints by Adolf de Meyer, Edward Steichen, Man Ray, August Sander, Edward Weston, and Dorothea Lange. Contemporary photographs are represented in the collection with works by William Eggleston, Diane Arbus, William Garnett, Larry Clark, Jo Ann Callis, and Peter Hujar.

After Wagstaff sold his collection of photographs to the Getty Museum in 1984, he turned to nineteenth-century American silver, and quickly amassed one of the finest collections in the field. On view in the exhibition is a Gorham sterling ice bowl and spoon fashioned in the shape of blocks of ice with cast icicles and polar bear handles. Wagstaff pestered Mapplethorpe to photograph the ice bowl, so it could be reproduced in a catalogue for an exhibition of Wagstaff’s collection of silver at the New York Historical society (that photograph is on view in Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium). Sadly, the catalogue was never published and Wagstaff died from AIDS-related complications, just two months before the exhibition opened.

“The story of Wagstaff’s late-in-life interest in silver underscores the core values that made him successful as a collector of photographs,” adds Martineau. “He began with a medium that he thought was remarkable and undervalued, and put all of his resources into building a world-class collection.”

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs is on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center. The exhibition is curated by Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum. The exhibition will be displayed in galleries adjacent to Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium, also on view March 15-July 31, 2015 at the Getty and March 20-July 31, 2015 at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA). The Wagstaff exhibition will then travel to the Wadsworth Atheneum September 10-December 11, 2016 and the Portland Art Museum in Maine February 1-April 30, 2017.

The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

El Museo J. Paul Getty collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum&rsquos mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


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