Imitación georgiana de Aurei

Imitación georgiana de Aurei


La historia de la duquesa que escandalizó a la sociedad georgiana

Antes de Daphne Bridgerton, estuvo Elizabeth Chudleigh. Cuando el éxito de Netflix comienza a filmar su segunda temporada, el libro de Catherine Ostler & # x27 sobre la belleza de la sociedad y el bígamo que cautivó a la sociedad georgiana es una excelente lectura de antecedentes.

A fines del verano de 1777, cualquiera que se encontrara en las orillas del Golfo de Finlandia podría haber contemplado una vista fascinante: una maravilla marítima de tres mástiles de madera pulida y pintura dorada, sus velas ondeando en el viento del norte. En la cubierta del yate, podrían haber visto la figura solitaria de una mujer, con los ojos fijos en el curso del río Neva que fluye hacia San Petersburgo. Si hubieran podido ver el interior, habrían encontrado contenidos tan exóticos como la historia del barco: una colección de animales, incluidos pequeños monos, una orquesta, dos clérigos (un católico para la tripulación francesa y un anglicano que hacía las veces de publicista) un camarote. , una cocina, un baño y calentadores decorativos, junto con una invaluable selección de plata y arte en una galería de imágenes. El de ojos pequeños podría haber captado el nombre del barco en el costado: la duquesa de Kingston.

Porque este era el nombre con el que pasaba la mujer en cubierta, pero también era el título que le acababan de negar toda la Cámara de los Lores y los jueces británicos más importantes, en un juicio por bigamia que fue presenciado por la reina Charlotte, dos futuros monarcas, James Boswell y Georgiana, duquesa de Devonshire, junto con los literatos de Londres y el resto de la alta sociedad. Así como la Guerra de Independencia de los Estados Unidos podría haberse vuelto a favor de Gran Bretaña, los británicos estaban todos distraídos, atrapados por esta figura escandalosa, la guardiana de muchos secretos.

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La duquesa, como todavía se llamaba a sí misma, había salido de Londres con el dinero de su difunto esposo y se había puesto en camino para hacerse amiga de Catalina la Grande, entonces la monarca más ilustre del mundo. Mientras navegaba hacia San Petersburgo, el río dio paso a terraplenes de estuco pintado y palacios de mármol y granito. La nueva capital de Rusia era un lugar de deslumbrante novedad y grandeza, construido por Pedro el Grande a principios de siglo. El Palacio Imperial de Invierno se destacó en este panorama de estuco, en su escala Brobdingnagian. "Tiene la apariencia de haber sido transportado al lugar actual, como el palacio en los cuentos árabes", observó un visitante inglés.

Es una de las peculiaridades de la historia que debido a la errática vida romántica de esta mujer y al deseo del establishment británico de castigarla por ello, algunos de los tesoros de su familia por matrimonio y piezas que encargó no se encuentran en una galería de Londres. o alguna casa señorial en las comarcas pero muy lejos en ese mismo Palacio de Invierno, ahora el Museo Estatal del Hermitage. Ocultan la extraordinaria historia del viaje que los llevó hasta allí: una que descubrí al escribir mi libro, La duquesa condesa: la mujer que escandalizó a una nación.

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Elizabeth Chudleigh, o la duquesa-condesa, un apodo que le dio el omnipresente chisme del siglo XVIII Horace Walpole, me tomó por sorpresa en la magistral biografía de Simon Sebag Montefiore Catalina la Grande y Potemkin. Describió su extravagancia en la corte imperial, su capacidad de conmoción y entrada, incluso allí, una carrera de "seducción, matrimonio, engaño, exhibicionismo y robo". En otras palabras, era el mejor tipo de antiheroína británica. En la ficción, una Becky Sharp o una Moll Flanders, del tipo que no puedes evitar alentar, por cuestionable que sea su comportamiento, que confunde las expectativas y se defiende con cada fibra de su corsé. Para mí, Elizabeth se ha convertido no solo en un complejo objeto de simpatía y fascinación, sino también en una cifra desde la que ver la mujer y la sociedad georgianas, su prensa, su poesía, el chasquido de sus faldas y el poder de sus crueles plumas, mucho antes. Bridgerton Lady Whistledown puso esas cosas en nuestra conciencia colectiva. Elizabeth Chudleigh fue fuente de chismes constantes, desde sus días como la más fascinante de las damas de honor (las chicas It de su época), pasando por sus diversas escapadas en el mercado matrimonial, hasta su eventual juicio en 1776 y el exilio autoimpuesto que ella embarcado después.

Cuando era niña, había saltado por el Royal Hospital, Chelsea, donde su padre era teniente gobernador, aunque murió cuando ella solo tenía cinco años. Pronto, sin embargo, se convirtió en una criatura de la corte georgiana, convirtiéndose en dama de honor en 1744 de Augusta, la joven princesa de Gales del estado de Sajonia-Gotha-Altenburg en el Nowheresburg.

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Isabel vestida como la mítica princesa griega Ifigenia para una mascarada de 1749

Este fue el siglo de las cortes rivales: las luchas públicas entre padre e hijo no eran nada nuevo en la Familia Real. En cada generación de Hannover había una seria y poco glamorosa, la del rey, y una divertida y vivaz, la del príncipe y la princesa de Gales. Jorge II tenía una configuración monótona porque odiaba la rivalidad masculina y alejaba el ingenio y los pensadores, por lo que su hijo Frederick, Príncipe de Gales, los recibió felizmente en Leicester House. Elizabeth, a través de sus considerables poderes de cortesía que la convertían en una especie de Maquiavelo, fue la única persona que logró mantener el favor de ambos.

El principal punto de ser una dama de honor era, por supuesto, encontrar un marido adecuado. Sir Joshua Reynolds, quien pintó a Elizabeth, recordó que ella era la chica más hermosa que había visto en su vida, y tenía un ingenio fluido reconocido incluso por sus enemigos. Pero todavía no era una tarea fácil: no solo no tenía dote, sino que no tenía un padre, un hermano o el tipo de madre que pudiera asesorar o negociar en su nombre. Estuvo a punto de comprometerse con el joven y huérfano duque de Hamilton, pero su familia se lo arrebató en el último minuto.

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Al quedarse con un primo en el país en 1744, conoció a un oficial naval en las carreras de Winchester. Aunque solo tenía 20 años, Augustus Hervey era seguro y elocuente, ya un seductor experimentado, lleno de historias marinas y arrogancia. El nieto del conde de Bristol, Hervey sería conocido como el Casanova inglés y, después de un rápido romance en el calor de agosto, él y Elizabeth se casaron en medio de la noche en una capilla rural: un tipo de imitador de Las Vegas con Elvis. de hazaña que ambos comenzaron a lamentar casi de inmediato.

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Grabados de Westminster Hall preparados para el juicio, y el juicio en sí

Estuvieron de acuerdo en fingir que nunca había sucedido. A lo largo de los años, el secreto se convirtió en una negación pero, lo que es más importante, no se divorciaron. Pronto, conocieron a otros en el caso de Elizabeth, este era otro duque huérfano (ciertamente tenía un tipo): Evelyn Pierrepont, el segundo duque de Kingston, estuvo de acuerdo en ser "el hombre más guapo de Inglaterra". Incluso Horace Walpole, nunca conocido por su amabilidad, lo llamó "un hombre de gran belleza y la mejor persona". Mucho más tarde, en 1769, Elizabeth se casó con Kingston y fue brevemente feliz, pero cuando él murió en 1773 y le dejó todo, su familia quería que le devolvieran 'su' dinero y la persiguió a través del sistema legal con un vigor que la llevó hasta el final. juicio por bigamia en Westminster Hall.

Evelyn Pierrepont, segundo duque de Kingston, pintado en la década de 1740

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Ascot está de vuelta: la familia real y lo social en vigor en las carreras

Después de que el evento del año pasado tuvo lugar a puerta cerrada, los espectadores han sido recibidos una vez más en el ilustre hipódromo.

La pusieron en el banquillo de los acusados ​​frente a 4.000 espectadores, momento en el que se convirtió en una de las tres mujeres de las que más se habla en Europa, junto con María Antonieta y la propia Catalina la Grande. Los periódicos cubrieron todos los aspectos del juicio, dando a sus lectores un asiento de primera fila que la guerra en Estados Unidos fue eliminada de las primeras páginas. Los chatterati estaban fuera de sí por la emoción, las mujeres se levantaban a las 5 de la mañana para tomar café y peinarse de antemano. Westminster Hall se quedó en silencio cuando Elizabeth, "apuesto" vestido de luto, entró con su séquito: dos asistentes elegantes vestidos de blanco, un capellán, un médico, un boticario y Black Rod, allí para evitar que ella escapara. Inicialmente tranquila y digna, al final del juicio fue acusada de "burlarse" de los testigos y se derrumbó de angustia más de una vez. Surgieron secretos, verdades a medias y conspiraciones (aquí no hay lugar para los detalles), pero después del veredicto, se reagrupó y se embarcó en una gran gira.

El Palacio de Verano en las afueras de San Petersburgo donde Catalina la Grande recibió a Isabel

Años después de que escuché su nombre por primera vez, me paré dentro del sobrecalentado Museo del Hermitage mientras la nieve caía afuera en la Plaza del Palacio. Era el 7 de diciembre, día de santa Catalina, en el que la entrada es gratuita para conmemorar la fiesta del homónimo de su emperatriz fundadora. Había seguido los pasos de la duquesa errante por toda Europa y estaba terminando el manuscrito de mi libro cuando escuché que algunas de sus pertenencias habían sido encontradas en San Petersburgo y estaban a punto de exponerse. Para entonces yo conocía su historia con más detalle de lo que probablemente ella misma jamás la conoció, después de haber leído viejos diarios, periódicos y cartas polvorientas mientras llevaba guantes blancos en los archivos, en el camino obsesivo que aguijonea a todos los biógrafos.

El Palacio de Verano, San Petersburgo

Caminé por el famoso Neva Enfilade, donde una vez se celebraron bailes para miles mientras los campesinos pasaban hambre afuera, y finalmente llegué al ala de la guardería Romanov, que contenía sus asombrosas posesiones. Había un candelabro de salón de baile, casi tan alto como yo, que tocaba música cuando sus velas estaban encendidas, un enfriador de vino plateado lo suficientemente grande como para bañar a un bebé, en el que una vez se sirvió sopa de pescado en un baile para celebrar la victoria sobre los turcos y pinturas que Elizabeth lo había traído en ese yate.

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Kate Rothschild y Paul Forkan dan la bienvenida a un hermoso bebé

La ex cuñada de Kate, Jemima Khan, compartió algunas fotos adorables del recién llegado en las redes sociales.

Grabado en placa de cobre del juicio por bigamia de la duquesa de Kingston, alrededor de 1776

Los descendientes de la familia de su segundo marido, los Pierrepont, están comprensiblemente irritados porque las pertenencias que una vez adornaron su sede familiar ahora se han perdido en los museos estatales de Rusia. Uno me sugirió que Elizabeth se había llevado de su casa en Nottinghamshire el célebre Peacock Clock, la exhibición de estrellas del Hermitage, con sus pájaros automatizados y criaturas del bosque. Los expertos del museo ahora insisten en que Elizabeth simplemente presentó al esposo y cogobernador de Catherine, el príncipe Potemkin, a su amigo y confidente, el diseñador del reloj, James Cox. (`` ¿Dirían que no? '', Dijo un cínico Pierrepont.) Algunas fotografías (una de Claude Lorrain que había enviado a un almirante, el conde Ivan Chernyshev, para suavizar la presentación de la mujer más escandalosa de Europa en su el más poderoso, otro de Pierre Mignard), jarrones de plata, el enfriador de vino y un órgano que trajo a Rusia, todavía estaban allí cuando murió inesperadamente. Nada salió del país, sin importar lo que ella escribiera en su testamento.

Los tesoros de la duquesa en el Hermitage han sobrevivido a dos guerras mundiales, el asedio de Leningrado, décadas de comunismo y un período de exilio en los Urales helados. Se me abrieron bajo los auspicios del director del museo durante casi 30 años, el Dr. Mikhail Piotrovsky, a quien conocí en su oficina con vistas al Neva, una pieza de museo en sí misma, con tapices azul verdosos descoloridos que recubren sus paredes y montones de libros. sentado sobre caoba con una pátina profunda. Fue la oficina de su padre una vez que creció en el museo.

Una carta escrita en nombre de Elizabeth & # x27s al duque de Portland justo antes del juicio, por temor a un rumor de que la enviarían a la Torre de Londres.

Quizás resulte sorprendente que los tesoros de San Petersburgo sean las partes mejor conservadas del legado de la duquesa. La mayoría de los edificios asociados con ella en Inglaterra han sido demolidos o sobreviven simplemente como hoteles. Aún así, así como quería leer todo lo que ella había escrito y sobre ella, quería visitar todos los lugares donde había vivido. Comencé, como ella comenzó, en el Royal Hospital de Chelsea, donde un amable jubilado con bata roja y tricornio, David Lyall, me mostró el inmaculado hospital de Wren, el apartamento con paneles donde pasó su infancia. Bien podía imaginarme a Elizabeth jugando en el césped que luego conducía directamente al río, sin camino a lo largo del terraplén. (El río en sí era la carretera; se podía tomar un bote en cualquier lugar). El nombre de su padre estaba pintado en oro en la pared del Gran Comedor y, debajo del musgo, grabado en su lápida en el cementerio.


7 extraños y maravillosos tratamientos de belleza georgianos

En el siglo XXI, la belleza es un gran negocio: miles de centímetros de columna se dedican diariamente a discutir las últimas tendencias de belleza, desde lo simple hasta lo absurdo. Pero, como revela la escritora histórica Catherine Curzon, los regímenes de belleza de la era georgiana podrían avergonzar incluso a las modas modernas más extrañas.

Esta competición se ha cerrado

Publicado: 28 de abril de 2016 a las 9:04 am

Desde la piel blanca de porcelana hasta el cabello enorme, los georgianos se preocuparon mucho por su apariencia. De hecho, el atractivo de una cara bonita con maquillaje se volvió tan fuerte en el período georgiano, y se consideró tan irresistible, que el parlamento (aparentemente) consideró aprobar una ley para proteger a los hombres de ser engañados por mujeres pintadas con diseños en su bolso:

“Una ley para proteger a los hombres de ser engañados al matrimonio con adornos falsos. Todas las mujeres, de cualquier rango, edad, profesión o grado, ya sean vírgenes, doncellas o viudas, que, desde y después de tal Acto, impongan, seduzcan o traicionen en matrimonio a cualquiera de los súbditos de Su Majestad, por los aromas, pinturas, Lavados cosméticos, dentadura postiza, pelo postizo, lana española, tirantes de hierro, aros, zapatos de tacón y cadera reforzada, incurrirá en la sanción de la ley vigente contra la brujería y faltas similares y que el matrimonio por condena quedará nulo. y vacío ".

Presentada en 1770 probablemente como un golpe irónico a la moda más que como una ley seria, esta enmienda a la Ley de Brujería nunca fue aprobada, ni llegó a la cámara de debate.

Sin embargo, los tratamientos de belleza eran abundantes en la Gran Bretaña georgiana. Aquí consideramos siete de los más extraños y maravillosos ...

¡Blanco, blanco, blanco!

Nuestra obsesión por adquirir el perfecto bronceado bañado por el sol habría dejado completamente perplejos a los georgianos. En el siglo XVIII, el bronceado era una señal segura de que se trabajaba al aire libre, mientras que las clases educadas y adineradas permanecían en el interior y fuera del resplandor del sol. La moda georgiana más básica y quizás famosa fue la piel blanca de porcelana, tanto para hombres como para mujeres.

Junto con el estiércol de caballo y el vinagre, el principal ingrediente de las cremas y polvos para blanquear la piel era el plomo. Aplicadas generosamente en la cara y el cuello, estas cremas y polvos ayudaron a lograr ese aspecto tan importante de "nunca he estado al aire libre". La blancura se acentuó mediante el uso de colorante azul para resaltar las venas, mientras que los labios y las mejillas se tiñeron con aún más plomo, esta vez coloreado con carmín [un pigmento rojo brillante obtenido de la sal de aluminio del ácido carmínico] o incluso con mezclas que contienen mercurio altamente tóxico. .

Con el uso generalizado del plomo, no fue de extrañar que las personas de moda comenzaran a sufrir reacciones serias a su maquillaje. Desde trastornos oculares hasta problemas digestivos e incluso, en casos extremos, la muerte, el precio de seguir la moda de blanc era alto.

El preciado tono de piel de porcelana, tan querido por las fashionistas georgianas, tampoco fue fácil de conseguir económicamente. Mortales o no, las cremas para la piel eran una adición costosa al neceser de maquillaje de una dama y para quienes buscaban belleza con un presupuesto limitado, las opciones eran limitadas: tanto para el cabello como para la cara, una ligera capa de harina de trigo podría ser suficiente.

El lenguaje de los parches

También conocido como mouches, los parches de belleza eran pequeños recortes de terciopelo negro, seda o satén que se adherían al rostro para cubrir las imperfecciones, incluidas las cicatrices de la viruela y los daños provocados por el albayalde, o simplemente como un poco de decoración. A menudo guardados en recipientes muy decorativos, estos parches gozaron de muchos años de popularidad.

Así como los fanáticos podrían usarse para comunicar un mensaje secreto, la posición de estos parches de piel eventualmente se asoció con significados codificados. Por ejemplo, si uno deseaba mostrar lealtad política, un parche en el lado derecho de la cara denotaba un Tory mientras que un Whig usaba un parche en el lado izquierdo. En una nota más íntima, un parche en el rabillo del ojo podría ser una invitación a un posible amante.

A diferencia de las cremas faciales, los parches no eran solo propiedad de los ricos. Si no pudiera permitirse el lujo de seda y terciopelo finamente moldeados, un poco de piel de ratón recortada sería igual de bien.

Los parches aparecen en muchas piezas de arte georgiano, quizás el más famoso en William Hogarth's El progreso de una ramera, una serie de pinturas y grabados en los que el rostro de la heroína Moll Hackabout, una vez fresco y bonito, adquiere más y más parches hasta que se asemeja a la demacrada madame del burdel que la inició en la vida del burdel de Londres. Para Moll, los parches sin duda cubrían los signos reveladores de enfermedades como la sífilis, un mundo alejado de los elegantes salones de baile de Francia, donde un parche podría significar coqueteo, seducción e intriga.

Pelo enorme

La imagen popular de finales del siglo XVIII es una en la que enormes y extravagantes pelucas se balanceaban precariamente sobre las cabezas de las damas elegantes, pero esto en realidad no es exacto. Había un montón de cabello ondulante, pero a menudo era real, con pelucas que generalmente solo usaban los hombres del siglo XVIII.

Tanto las mujeres como los hombres lograron su color de cabello pálido de moda aplicando polvos para el cabello, que estaban hechos de harina o almidón y se hinchaban en la cabeza con un par de fuelles [un dispositivo construido para proporcionar una fuerte ráfaga de aire]. Para esa apariencia típicamente georgiana de "pelo grande", los ricos emplearon un ejército de estilistas que construyeron estructuras elaboradas sobre sus cabezas alrededor de marcos de madera acolchados con secciones adicionales a menudo hechas de pelo de caballo.

También se desarrollaron tenazas para rizar: parecían un par de tijeras romas, con dos puntas de metal y mangos de madera. Cuando las puntas se calentaban en el fuego, el cabello podía envolverse alrededor de ellas y mantenerse en su lugar hasta que el rizo se hubiera endurecido. Alternativamente, los rodillos de arcilla se calentaron en un horno y luego se aplicaron al cabello o la peluca.

Las cabezas a menudo se adornaban con frutas de cera y otras decoraciones como flores o incluso modelos de barcos de vela, y los peinados más elaborados permanecían en su lugar durante días o semanas a la vez.

Dentro de estos tocados monumentales, nuestros caballeros y damas elegantes adquirieron piojos ocasionales, pero los georgianos también tenían una respuesta para eso: se vendían varillas especialmente diseñadas que podían deslizarse entre las capas de cabello y usarse para rascar las picaduras de piojos, mientras se aseguraba de que su Los peinados de moda se mantuvieron perfectos.

Si los piojos picaban mucho, siempre existía la posibilidad de tratarlos con mercurio, pero dado que se sabía que esto podía causar locura o muerte, una varilla para rascarse solía ser la opción preferida.

Cejas de ratón

Con el plomo aplicado generosamente en la cara como una cuestión de rutina, no es de extrañar que las cejas de las personas a menudo se caigan. Por lo tanto, los fashionistas georgianos adoptaron un nuevo enfoque y comenzaron a arrancar o afeitar el vello de las cejas que quedaba antes de pintarse una nueva ceja con lápiz o usar plomo o corcho quemado para teñir una.

A medida que las cejas negras se convirtieron en un aspecto popular, comenzaron a surgir menciones ocasionales de una nueva moda bastante extraña: en 1718, el célebre poeta Matthew Prior escribió un poema satírico sobre Helen y Jane, que usan cejas hechas de piel de ratón. La evidencia de cejas de piel de ratón sigue siendo escasa, pero la mención de ellas aparece en la sátira a principios del siglo XVIII.

Acolchado en todos los lugares correctos

Muchas carreras de celebridades del siglo XXI se han establecido (o al menos reforzadas) por la fuerza de un fondo bien formado. Sin embargo, esto no es nada nuevo: los hombres georgianos de moda no eran ajenos a un poco de acolchado estratégico.

Los pantalones ajustados diseñados para lucir las piernas bien formadas de su usuario se convirtieron en furor, pero ¿y si uno no lo hiciera? tengo piernas bien formadas? Para aquellos que eran demasiado delgados para llenar la prenda, el relleno era la respuesta natural. Al igual que un sostén acolchado moderno realza el pecho, se podrían insertar almohadillas de tela o crin de caballo en los pantalones que darían la impresión de pantorrillas musculosas. ¡Estas almohadillas también se pueden insertar en cualquier otro lugar que al usuario masculino le gustaría un impulso!

Estas almohadillas eran propiedad exclusiva de los hombres georgianos y de la Regencia más conscientes de la moda. Encontraron popularidad entre los tipos extravagantes y muy de moda conocidos como dandies que usaban corsetería y almohadillas para crear la forma masculina perfecta.

Una sonrisa resplandeciente

Con las clases altas dedicándose a todo tipo de golosinas azucaradas, no es de extrañar que los dientes de nuestras bellezas georgianas estuvieran lejos de ser perfectos. Por lo tanto, los polvos dentales (también conocidos como dentífrico) se usaban para blanquear los dientes: entre sus ingredientes de sepia y bicarbonato de sodio se encontraba a menudo el misterioso nombre espíritu de vitriolo. Más conocido hoy como ácido sulfúrico, este mineral (que ahora sabemos que es altamente corrosivo) ciertamente blanqueó los dientes, pero principalmente porque los despojó de su esmalte por completo.

Como era de esperar, muchos georgianos requirieron cirugía dental y, sin anestesia, tales procedimientos fueron un asunto de escalofríos. Una vez que se extrajo el diente problemático, los pacientes más ricos podían optar por comprar un diente vivo de reemplazo de un donante y enroscarlo directamente en el encaje. Algunos de estos dientes vivos en realidad habían venido de la boca de los cadáveres, trayendo consigo las enfermedades e infecciones a las que había estado sujeto su dueño original.

Si un diente vivo caro estaba más allá de sus posibilidades y una brecha simplemente no sería suficiente, se ofrecían alternativas: cualquier cosa, desde un solo diente hasta un juego completo de dentaduras postizas, podría construirse con materiales como porcelana, marfil o incluso los dientes de soldados que murieron en la batalla de Waterloo. Conocidos como "dientes de Waterloo", se obtuvieron de las bocas de los soldados muertos y se volvieron muy buscados. Después de todo, un cliente sabía que un diente de Waterloo no provenía de un hombre que murió de una enfermedad o de un cadáver desenterrado por ladrones de tumbas, sino de un soldado joven y (con suerte) sano que murió honorablemente en el campo de batalla.

Una mascarilla

Menos conocido que los rostros georgianos blancos y el pelo enorme es "fard", una mascarilla facial de regencia que se utiliza para calmar las quemaduras solares y las "erupciones cutáneas" [manchas].

Fard era una mezcla de aceite de almendras dulces, espermaceti [una sustancia cerosa que se encuentra en la cabeza de un cachalote] y miel que se disuelve en calor y, una vez enfriado, se aplica en la cara y se deja actuar durante la noche. La receta, que se publicó por primera vez en 1811, se reimprimió y, se supone que se utilizó, décadas más tarde.

Catherine Curzon es la autora de La vida en la corte georgiana, que será publicado por Pen and Sword Books el 30 de junio de 2016. Curzon también tiene un sitio web temático del siglo XVIII llamado Una guía de vida de Covent Garden Gilflurt.


Historia de los anillos de compromiso y bodas de la era georgiana

La era georgiana se extiende desde 1714-1837 y abarca el período del dominio británico bajo el rey Jorge I hasta el rey Jorge IV. A lo largo de un período de más de una década, no es plausible abordar todas las tendencias y aspectos históricos de esta era, pero para el propósito de este artículo, abordaremos los estilos más populares de joyería y las relacionadas con la boda: nosotros ' ¡Incluso incluiré algunos datos divertidos sobre la boda de la época georgiana para su placer de lectura!

La joyería de la era georgiana era un arte hecho a mano que requería mucha mano de obra; a diferencia de lo que ocurre en la actualidad, cuando la tecnología moderna genera cientos de piezas idénticas, las joyas que se obtuvieron en la era georgiana eran verdaderamente únicas. Si bien el oro de 22 quilates y el de 18 quilates fueron dos de los metales más populares durante la era georgiana, también se vio popularidad en Pinchbeck, un latón que consiste en una mezcla de cobre y zinc y es una imitación extremadamente aceptable para el oro.

Durante la era georgiana, muchos alemanes donaron su amado oro para ayudar a construir y fortalecer su ejército; a su vez, recibieron hierro fundido. Esta compensación resultó en un aumento patriótico de la popularidad de las joyas de hierro fundido. En términos de piedras, los diamantes fueron la piedra más codiciada de la era georgiana, en parte debido al hecho de que eran relativamente inalcanzables. A pesar de la gran demanda de diamantes, las piedras preciosas también eran extremadamente populares y se usaban con frecuencia.

Durante la era georgiana, se montó el engaste de piedra más popular. Un engaste montado oculta la totalidad de la parte inferior de una piedra y, como puede imaginar, evita que pase mucha luz a través de la piedra y disminuye su brillo. En ese momento, la solución para este desafortunado efecto secundario de la montura fue colocar aluminio dentro de la montura, debajo de la piedra, con la esperanza de que la luz que pasa refleje el aluminio y cree el brillo y el lustre que aún deseamos. hoy dia.

Debido a un entorno que resultó en un brillo y lustre menos que ideales, los cortes de la era georgiana utilizaron la forma de una piedra para maximizar su brillo. Un corte popular de la era georgiana es el corte Rose, un corte que sigue siendo popular hoy en día. Otro corte popular de la era georgiana es el Old Mine Cut, un corte raro que requiere detalles ornamentados y, después de que pasó su popularidad, se recortó en los cortes más populares de la época.

En Jane Austen Sentido y sensibilidad, se ve a uno de los personajes masculinos con un anillo que contiene una trenza de cabello. Aunque hoy esto puede sonar un poco extraño, durante la era georgiana, incorporar gestos como estos era común, si no completamente normal. El cabello en anillos es probablemente la tendencia más extraña asociada con la era georgiana, otras tendencias son las que preservan el tiempo y los recuerdos, un aspecto importante de esta era. Esta necesidad de preservar creó dos artículos de joyería, ambos todavía populares hoy en día & # 8211 el primero es el anillo de luto, el segundo es el relicario.

El anillo de luto, o memorial, fue una forma de conmemorar a los que han fallecido. Este anillo tradicionalmente tenía una pequeña piedra e inscripción de información relacionada con el difunto, como su cumpleaños, fecha de muerte o nombre. Los anillos de luto más elaborados contenían retratos grabados de los difuntos. El medallón también pudo ahorrar tiempo al sostener imágenes, notas o artículos pequeños. El medallón tal como lo conocemos viene en forma de collar, pero en la época georgiana, los anillos de medallón eran bastante populares.

Aunque se centraron menos en la preservación del tiempo, los anillos Posey también se convirtieron en un codiciado estilo de joyería durante la era georgiana. El anillo Posey era una delicada banda de oro grabada con un dicho apropiado para su propósito. Los anillos Posey se convirtieron en un anillo muy deseable para los compromisos durante la era georgiana.

Aparte del anillo Posey, los populares anillos de compromiso y boda se centraron en gran medida en la naturaleza. Los diseños de estos anillos, ya sea mediante inscripción o colocación de piedras, a menudo aludían a mariposas, flores, palomas y otros componentes delicados de la naturaleza.

El uso generalizado de anillos de compromiso no fue muy popular durante la era georgiana, pero si el novio se lo concedió, fue un regalo como símbolo del amor del futuro novio por su futura esposa. Este anillo se usó en el cuarto dedo de la mano izquierda, al igual que lo es hoy.

Mientras se hablaba de bodas, la era georgiana vio un aumento en las leyes relacionadas con las bodas. Si está interesado en estas leyes en su conjunto, se pueden encontrar en la Ley de Matrimonio de 1753, también conocida como & # 8220Una Ley para una Mejor Prevención del Matrimonio Clandestino & # 8221.

En parte, la Ley de matrimonio de 1973 regulaba la edad de consentimiento matrimonial, estableciendo que una persona debe tener 21 años o tener el consentimiento de los padres para contraer matrimonio. La ley también regula cuándo y dónde puede casarse una pareja: la ceremonia se llevaría a cabo antes del mediodía en la parroquia de residencia como marido y mujer. Finalmente, la Ley de Matrimonio regulaba la duración del compromiso para que constara de un mínimo de cuatro semanas, lo que provocó que las parejas se fugaran y, por lo tanto, redujera la popularidad del anillo de compromiso.

Las joyas de la era georgiana son difíciles de conseguir hoy en día, esto se debe al hecho de que la mayoría de los joyeros fundirían piezas extra o usadas para crear otras nuevas que siguieran las tendencias. Como resultado de la rareza de las joyas de esta época, las joyas auténticas de la época georgiana son extremadamente caras hoy en día, y se venden por $ 3,000 a $ 4,000 dólares por algo tan simple como una banda de oro.


Lo primero que hay que entender es que existen diferencias sutiles entre el estilo de los muebles georgianos y Regency & # 8230.

Lo primero que hay que buscar es qué madera se ha utilizado. Es probable que las piezas georgianas usen roble y caoba. La caoba es característicamente una madera dura, de color marrón rojizo oscuro que se oscurecerá con el tiempo y se pulirá hasta adquirir un brillo rojizo. El roble nuevamente es conocido por su dureza, también puede tener marcas de vetas muy atractivas y se encuentra tanto en variedades rojas como blancas. El roble rojo, a veces denominado roble negro, tiene un tono rosado y es el más popular de los dos. El roble blanco tiene un tono ligeramente verdoso.

Los muebles georgianos clave en las áreas de entretenimiento habrían sido aparadores, consolas con encimeras de mármol, escritorios Kneehole, gabinetes para bebidas, mesas de juego y librerías empotradas con frentes de vidrio. En dormitorios y vestidores, sillones, camas con dosel de madera y lavabos.

Mesa de tambor con cubierta de cuero de estilo georgiano

Los diseñadores importantes del período georgiano son, en particular, Hepplewhite y Chippendale.

Estilo Hepplewhite

Sofá en estilo Hepplewhite con patas cuadradas cónicas

Sofá estilo Hepplewhite, tenga en cuenta el patrón de tela geométrica y el estilo de pierna más recta que se ve en las 3 piezas

Una característica que se ve en muchos diseños de Hepplewhite es un respaldo de silla en forma de escudo.

una típica silla con respaldo de escudo

Las piezas de Hepplewhite suelen tener patas rectas, que pueden ser cuadradas o ahusadas y, a menudo, tienen bordes acanalados o estriados, a imitación de las columnas clásicas.

Algunos ejemplos de patas estilo Hepplewhite, todas ahusadas (se vuelven más estrechas) hacia el pie

Los pies estilo Hepplewhite suelen tener un pie de flecha afilado o un pie de pala.

Los pies con soporte eran comunes en cofres, librerías y escritorios, ya que eran más pesados. Las piezas en estilo Hepplewhite tienen formas geométricas simples, generalmente curvas o circulares.

Estilo Chippendale

The designs of Thomas Chippendale cover a wide range of styles, from Rococo to Gothic, neoclassic and oriental style. Chippendale covered such a wide variety of items and styles and set the bar for furniture makers to come, so there are a lot of pieces in Chippendale style. Chippendale style furniture can be a little harder to spot, so I will point out a few of the easiest things to look for.

There are six different basic Chippendale style legs. These are the lion’s paw, the ball and claw, and the club, based on the cabriole shape which is an elegant, serpentine style ending in a distinctive foot.

The remaining leg styles are straight with the Marlborough being a plain, square leg the spade a tapered round leg often with a square or trapezoid foot and the late Chippendale having a square leg with a square foot.

A pair of Chippendale dining chairs, with intricate carving and claw and ball feet

The claw and ball feet seen again here on this mahogany desk with carved skirting

A Chippendale style chest, with shell pattern carving seen often in this period. This chest has the bracket foot used on heavier pieces.

As these items are now antiques, their price can really vary depending on the maker, the condition of the piece, the pieces history of ownership, where you are, and your bargaining skills! However, it is worth adding that presently its possible to pick up pieces at a comparatively low cost. In essence they aren’t seen as being particularly ‘fashionable’ at the moment so at salvage companies like Lassco at Brunswick House you can buy a beautiful 18th Century Mahogany table for less than you might spend on a modern mass-produced one.

There’s also the option of buying reproduction pieces instead of original Georgian furniture. There are a number of companies who produce expertly crafted pieces, akin to the originals, but you get them in perfect condition. They’ll then last you and your family for many decades to come.

Bringing a classic piece up to date

I think it’s really worth investing in a classic piece and bringing it up to date with the use of modern fabrics. There is no denying that antique pieces were made in stronger woods and with more care to detail, so by adding a contemporary fabric you will have a great classically inspired piece that still works in a modern setting and will be totally unique to you.

A classic piece reupholstered in a contemporary fabric

I recommend going to a professional re-upholstering company that specialize in the re-upholstery of antiques, as they will give a great finish and even repair parts of your product to reinforce it and make it last much longer. Etons of Bath can help point you in the right direction.

If that’s a little out of your price range, I have found this great tutorial on how to do a DIY fabric upholstery on an antique chair.

I hope this blog has helped you to understand a little more on some typical Georgian furniture pieces. They are beautifully and expertly made and can compliment any home setting, and personally I find them a lot more interesting than cheap, mass produced goods of today. To see how I have used classic Georgian furniture pieces in homes in Bath and Bristol, have a look at our portfolio


Seventeenth-Century Rings

Toward the end of the sixteenth century and the beginning of the seventeenth century, a marked change in jewelry and ring styles took place. Just as the Renaissance period was highlighted by ornate gold settings this era was distinguished by a growing emphasis on the gemstone. Refinements in cutting and foiling techniques resulted in a greater diversity of shapes and an emphasis on displaying the beauty of the gems themselves. Enamel is now typically used only as an accent in either white or black and, while gold is still used for colored gemstones, diamonds are set off in silver. Large stones are now worn and set as solitaires while arrangements of smaller stones are set in a myriad of shapes including stars, rosettes, and cruciforms. Details on the shoulders are kept subdued and most often as an engraved foliate motif simply enhanced by black and white enamel.

The prevalence of death was an inescapable part of everyday life in the 1700s. Continued plagues, widespread poverty, famine, and war – all these Malthusian factors served to keep death a common presence and the wearing of memento mori rings popular. A variety of ring styles were used with memento mori themes including signets, wedding rings with a skull between two hands, and locket rings featuring skulls and crossbones. As with other rings, gemstones if affordable, added an element of less austere ornamentation.

By the second half of the seventeenth century, memento mori imagery began to merge with the mourning ring. Distributed according to wills, seventeenth-century mourning rings were inscribed with details such as the individual’s name, initials, coat of arms and date of death. A plain gold band or band of gold enameled all the way around in emblems of death and burial, with an inner inscription were characteristic. Locks of hair were sometimes contained in locket bezels or in hollow hoops. The increasing popularity of bequeathing mourning rings is generally attributed to the execution of the English King Charles I in 1649. Supporters of the monarchy wore jewelry, most often rings, made of a flat topped quartz crystal which covered a gold wire cipher or crown set upon a background of plaited hair. This style known as Stuart Crystals would continue to be popular into the 18th century.

Memento Mori Ring, 17th Century. Skeleton Holding an Hourglass Surmounted on Braided Hair.
Schmuckmuseum Pforzheim, Germany.


Inglaterra

About 1720, mahogany was imported into England and slowly superseded walnut as the fashionable wood for furniture. The Palladian (after the Italian Renaissance architect Andrea Palladio) interiors demanded furniture more striking and larger in scale than the walnut-veneered pieces of the early 18th century. Inspired by the interiors of French and Italian palaces, architects such as William Kent began to design furniture. The design was Classical, in keeping with the traditions of Palladio and the English architect Inigo Jones the ornament was Baroque. At Holkham Hall in Norfolk, Rousham Hall in Oxfordshire, and elsewhere, Kent’s furniture may be seen in its proper environment: gilt mirrors and side tables with sets of chairs and settees covered with patterned velvets matching the grandeur of elaborate architectural Palladian interior decoration.

Despite the resistance of the Palladian Classicists who deplored its asymmetrical principles, in the 1740s the Rococo style crept into English decoration and furniture design. During this decade pattern books of ornament in the full Rococo style by Matthias Lock and Henry Copland were published in London and in 1754 Thomas Chippendale published his Gentleman and Cabinet Maker’s Director, which provided patterns for a wide range of English furniture in the Rococo style and its Chinese and Gothic offshoots. During the following years several similar works were published by such craftsmen and designers as William Ince and Thomas Mayhew, Thomas Johnson, and Robert Manwaring. The Rococo style was firmly established in England throughout the 1750s and into the 1760s. Chippendale and other cabinetmakers borrowed not only ornament from the French rocaille but designs for individual types. Chippendale’s fame rests largely on his publication, though in fact it has now been more or less conclusively proved that he himself was not responsible for the designs, but employed two other designers, Lock and Copland. There were several cabinetmakers—for example, William Vile and John Cobb—whose only memorial is a small quantity of furniture attributable to them. Though it has become the practice to speak of a Chippendale chair or a Vile commode, this does not imply that the pieces were actually made by these craftsmen but that they were made in their workshops.

By mid-18th century every act of the day that necessitated the use of furniture was catered to by some specialized piece, while the basic furniture such as chairs, cupboards, beds, and tables were designed and decorated in innumerable forms. The number of variants on the Rococo chair splat runs into several hundreds. The ingenuity of the cabinetmaker and carver knew few limitations.

An offshoot of the Rococo style, the Gothic taste was particularly well developed in England. Starting early in the century as a literary device, in the 1740s it began to take more solid shape in architecture, interior decoration, and furniture. As with furniture in the Chinese taste, Gothic furniture bore no relation to its medieval equivalents the ornaments, such as tracery and cusped (a point formed by the intersection of two arcs or foils) arches, applied to furniture were borrowed from Gothic architecture. The Gothic taste was much publicized by the writer Horace Walpole’s celebrated villa, Strawberry Hill, in Middlesex, England. Chippendale included designs for furniture in the Gothic taste in all three editions of his Director.


HOME DESIGN A HOUSE IN THE GEORGIAN MODE

If David Anthony Easton has anything to say about the future of American architecture, a third category will vie with modernism and postmodernism - a classification that might be dubbed premodernism. Its most salient characteristic: the absence of any trace of having been created in the 20th century. The Illinois house shown here and on the following pages is just one of several ambitious ''period'' houses that have been designed since 1976 by David Easton's New York firm. Although he has architects on his staff, Easton is an interior designer. He brings to his houses a concern for surface and an unabashed affection for history that make them differ materially from work done by architects - even those few who claim to be traditionalists.

Despite the occasional postmodernist ''reference'' that swerves perilously close to out-and-out imitation, architects generally have serious qualms about indulging in historic reproduction. Decorators, on the other hand, tend to be less inclined to see themselves as standard-bearers for the age in which they work. Many, in fact, seem drawn to their profession because it permits them to immerse themselves in design from the past. Easton taught design history at Parsons School of Design for five years. He believes that familiarity with the past enriches all of design - modern and traditional.

In addition to a fondness for history, Easton brings to his houses a distinctly decorative sensibility. Although conceived in ''one take,'' the Illinois house was intentionally made to look as if it had been added to at various points in history. A rambling quality was achieved by contriving an '𧫝ition,'' the west wing, that appears to have been added to the ''original'' structure, a pure 18th-century-style Georgian square. The addition, while essentially Georgian, takes license. The greenhouse portion, for example, 'ɼould only have happened in the early 19th century,'' according to Easton. ''I didn't want to create a house that was stiff and museumlike. Williamsburg is a bore.'' o combat stiffness, Easton indulged in a touch of eclecticism -a familiar decorator's trick. So is the use of mottled materials -the exterior is made of uncleaned brick and pocked Texas shellstone - to achieve an appearance of age. Indoors the attention to surface is unabated: Woodwork is painted and then glazed to look less bright, engraved rimlock plates are ground down to ap-proximate the effects of centuries of polishing, and floors are scraped with lye and steel brushes before finishing to relieve any offending sense of being too new. ''We wanted everything to look as if a bit of dust had gathered,'' Easton explains.

Another decorator's attribute that Easton brings to such jobs is the romantic's aptitude for assimilating the intricacies of domesticity on a grand scale. ''It's not just a matter of understanding that the owners and their guests want to be able to push their breakfast trays into the corridor without being observed,'' Easton says. ''There is also the complex hierarchy among the staff. Chefs, butlers, housekeepers and secretaries each have their own empires. The design of the house must accommodate them.''

Easton and his staff worked on the Illinois house for nearly four years, researching, designing and collecting. ''It opened up a whole new world for me,'' says Boris Baranovich, an architect who joined Easton to work on this house. ''I had been schooled in comtemporary architecture, so I had to struggle with myself in the beginning to justify what I was doing.'' Unlike much traditional design, this house manages to be neither timid nor trendy. While Easton assiduously avoided the sort of chic styling that tends to date period rooms, he was equally careful to steer clear of the sort of neutral detailing that could pass for virtually any period. He and his staff designed a Georgian house as if they were Georgian architects: sticking strictly to the vocabulary of the period, they ''invented'' with bravura. aturally, there were compromises. Authentic Georgian architecture has loadbearing masonry walls. The masonry walls in this house bear no loads indeed, they are veneer - just for show. Consequently, the wood-andsteel frame walls had to be constructed in pairs to achieve an appearance of masonrylike thickness at windows and door openings. Then air-conditioning and heating ducts, telephones, even electical outlets had to be inobtrusively woven in. And finally, the separation of the front and back of the house, which was absolute in the 18th century, had to be modified to meet this modern family's needs. Since the owners do some of their own cooking, the kitchen was given more than the strictly utilitarian treatment customary to kitchens that are used only by staff the family's breakfast room was designed to flow directly into the kitchen in the modern mode.

Even so, the house is an anachronism, placing special pressures on those who live in it. Majestic entries were not designed to be dashed through, nor grand staircases to be skipped down. Killing time gracefully is Georgian architecture's sine qua non. The intention is to elevate to ritual such mundanities as walking from one room to the next. In the Georgian house of the 18th century, a processional arrangement of rooms through which one traveled with stately bearing was a compensation for the tedium of passing day after day, year after year, largely bound to the house. Today, such a house can seem inhibiting, its circulation patterns cumbersome. For better or worse, the very floor plan


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Eighteenth Century Ireland, Georgian Ireland

The 18th century tended to be neglected by Irish historians in the 20th century. Irish achievements in the 18th century were largely those of Protestants, so Catholics tended to disregard them. Catholic historians concentrated on the grievances of the Catholics and exaggerated them. The Penal Laws against Catholics were stressed regardless of the fact that most of them affected only a small number of rich Catholics, the Catholic landowners who had sufficient wealth to raise a regiment of infantry to fight for the Catholic Stuart pretenders. The practice of the Catholic religion was not made illegal. Catholic priests could live openly and have their own chapels and mass-houses. As was the law at the time, the ordinary workers, Catholic or Protestant, had no vote, and so were ignored by the political classes. Nor had they any ambitions in the direction of taking control of the state. If they had local grievances, and in many places they had, especially with regard to rents and tithes, they dealt with them locally, and often brutally, but they were not trying to overthrow the Government. If some of them looked for a French invasion it was in the hope that the French would bring guns and powder to assist them in their local disputes. It is a peculiarity, as yet unexplained, that most of the Catholic working classes, by the end of the century, had names that reflected their ancestry as minor local chiefs. The question remains where did the descendants of the former workers, the villeins and betaghs go? The answer seems to be that in times of war and famine the members of even the smallest chiefly family stood a better chance of surviving. This would explain the long-standing grievance of the Catholic peasants that they were unjustly deprived of their land. We will perhaps never know the answer to this question. Penal Laws against religious minorities were the norm in Europe. The religion of the state was decided by the king according to the adage cuius regio eius religio (each king decides the state religion for his own kingdom). At the end of the 17th century, the Catholic landowners fought hard for the Catholic James II. But in the 18th century they lost interest and preferred to come to terms with the actually reigning monarch, and became Protestants to retain their lands and influence. Unlike in Scotland, support for the Catholic Stuarts remained minimal. Nor was there any attempt to establish in independent kingdom or republic. When such an attempt was made at the very end of the century it was led by Protestant gentlemen in imitation of their American cousins. Ireland in the 18th century was not ruled by a foreign elite like the British raj in India. It was an aristocratic society, like all the other European societies at the time. Some of these were descendants of Gaelic chiefs some were descendants of those who had received grants of confiscated land some were descendants of the moneylenders who had lent money to improvident Gaelic chiefs. Together these formed the ruling aristocracy who controlled Parliament and made the Irish laws, controlled the army, the judiciary and the executive. Access to this elite was open to any gentleman who was willing to take the oath of allegiance and conform to the state church, the Established Church but not the nonconformists. British kings did not occupy Ireland and impose foreign rule. Ireland had her own Government and elected Parliament. By a decree of King John in the 12th century, the Lordship of Ireland was annexed to the person of the king of England. When not present in Ireland in person, and he rarely was, his powers were exercised by a Lord Lieutenant to whom considerable executive power was given. He presided over the Irish Privy Council which drew up the legislation to be presented to the Irish Parliament. One restraint was imposed on the Irish Parliament. By Poynings’ Law it was not allowed to pass legislation that infringed on the rights of the king or his English Privy Council. The British Parliament had no interest in the internal affairs of Ireland. The Irish Council were free to devise their own legislation and they did so. The events in Irish republican fantasy are examined in detail. The was no major rebellion against alleged British rule. The vast majority of Catholics and Protestants rallied to the support of their lawful Government. The were local uprisings easily suppressed by the local militias and yeomanry. Atrocities were not all on one side. Ireland at last enjoyed a century of peace with no wasteful and destructive wars within its bounds. No longer were its crops burned, its buildings destroyed, its cattle driven off, its population reduced by fever and famine. Its trade was resumed and gradually wealth accumulated and was no longer dispersed on local wars. Gentlemen, as in England, could afford to build great country and town houses. The arts flourished as never before. Skilled masons could build great houses. Stone cutters could carve sculptures. The most delicate mouldings could be applied to ceilings. The theatre flourished. While some gentlemen led the life of wastrels, others devoted themselves to the promotion of agriculture and industry. Everywhere mines were dug to exploit minerals. Ireland had not the same richness of minerals as England, but every effort was made to find and exploit them. Roads were improved, canals dug, rivers deepened, and ports developed. Market towns spread all over Ireland which provided local farmers with outlets for their produce and increased the wealth of the landlords. This wealth was however very unevenly spread. The population was ever increasing and the poor remained miserably poor. In a bad year, hundreds of thousands of the very poor could perish through cold and famine. But the numbers of the very poor kept on growing. Only among the Presbyterians in Ulster was there emigration on any scale. Even before the American Revolution they found a great freedom and greater opportunities in the American colonies. Catholics, were born, lived and died in the same parish. Altogether it was a century of great achievement.


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