¿Es esta la Capilla Sixtina del arte Prehistórico?

¿Es esta la Capilla Sixtina del arte Prehistórico?

De todas las construcciones, grabados, pinturas y sitios originales que hemos visto, ninguno era más remoto o difícil de alcanzar, o alguna vez regresar, que la Cueva del Boomerang Dorado. Ni Evan ni yo pudimos fijarnos en ningún punto de referencia o cresta para señalar, estábamos totalmente perdidos y bajo la dirección de nuestros guías.

Nos aseguraron de antemano que este puesto de avanzada aislado del arte rupestre original era tan único como magnífico, y en ambos aspectos esta galería no defraudó. Pero aun así, no estábamos preparados para el alcance, el arte y la atención al detalle en exhibición. Hasta que entramos en esta región y vimos este panel de piedra de figuras en movimiento y devoción, habíamos aceptado la afirmación del erudito al identificar estilos originales regionales específicos, y que todas las formas de expresión artística original cubren una amplia gama, pero se quedan cortas cuando se trata de a representaciones representativas del cuerpo humano.

El ejemplo más cercano y supuestamente único de cualquier arte anterior a la cocina que raya en lo representativo se conoce como "Arte Bradshaw", y las explicaciones son variadas, con algunas condescendientes en extremo. Algunos comentaristas, que incluyen al autoproclamado "experto" en arte rupestre de Kimberley, Graham Walsh, insisten en que esta forma de arte antiguo es demasiado sofisticada y refinada para la cruda paleta Original. Dado ese "hecho", Walsh y otros asumieron que las pinturas de color ocre de Bradshaw fueron creadas por personas no originales que navegaron a Australia, pintaron en cuevas y luego partieron sin dejar rastro ni evidencia histórica que lo sustentara.

La Cueva del Boomerang Dorado

Miles de kilómetros al sur de los Kimberley, esta galería se extiende por más de 20 metros y tiene más de 4 metros de altura. Hay seis figuras / iconos grabados y pintados en la pared de piedra arenisca: dos mujeres (una de pie y la otra flotando o volando), un hombre desarmado, un bebé, un boomerang y un tigre de Tasmania (Thylacine). Se afirma ampliamente que el tigre de Tasmania se ha extinguido en el continente australiano durante al menos 5.000 años y, como tal, proporciona una fecha mínima confiable.

Cada figura humana es más grande que el tamaño natural (aproximadamente uno y medio) y directamente proporcional. Es tal la atención al detalle que miles de años después de la creación todavía es posible identificar las bandas en el brazo de los machos que crean una ligera depresión en la carne, el arco en el pie de la mujer flotante, la representación de cada dedo, un aspecto muy inusual. peinado con rastas, curvatura de caderas, pantorrillas y glúteos, etc. El artista ha hecho todo lo posible para reproducir las mismas proporciones, líneas y formas del cuerpo humano. Es plausible afirmar, pero imposible de probar, que si se utilizaron modelos reales, esta interpretación grupal fue exacta hasta el milímetro. Ninguna de las figuras de Bradshaw es tan proporcional o grande en ningún lugar, y en comparación, son figuras de palitos alargadas con un toque de forma corporal.

En todo el panel se pueden encontrar rastros residuales de ocre, casi todos de la categoría más sagrada, el rojo. Las dos áreas más prominentes de color rojo están dentro del bumerang, que es el más grueso, y la sección exterior de los dos círculos en la cintura de la mujer de pie. Lo interesante fue el resultado de la aplicación de Evan de diferentes filtros de color a la fotografía de esos círculos, hasta entonces nadie había visto las plantillas de las manos dentro de cada círculo ocre rojo. Ya sea que se aplique al mismo tiempo o después es discutible, pero el hecho de que ninguno de nosotros en el día viera las huellas de las manos en el sitio o al ver las imágenes fotográficas normales, solo refuerza la naturaleza sagrada increíblemente secreta de esta catedral.

La narrativa que acompaña a esta galería no es menos profunda o sagrada que la asociada a las pinturas del techo de la Capilla Sixtina, y nada menos que una docena de veces más antigua. Hay un tono femenino pronunciado con dos mujeres, un bebé recién nacido y un hombre desarmado que se acercan, pero no tocan, el símbolo que representa la iluminación. El uso liberal de bandas, cinturones y fajas diagonales se suma al carácter sagrado de esta ocasión. En su mejor momento, con más de 5.000 años de antigüedad y completamente pintada, creemos firmemente que esta galería de arte rupestre no tenía paralelo en su arte y conocimientos místicos, no solo en Australia, sino en todo el planeta.

Un patrón repetido

Siempre hemos sostenido que los seres humanos completamente modernos primero evolucionaron en Australia y luego zarparon de este continente para compartir su sabiduría, tecnología, cultura y genes con personas de todo el mundo. Entre sus muchos talentos, fueron los primeros artistas y dominaron todos los estilos y medios, desde abstracto, simbólico, rayado, punteado y exagerado, hasta lo representativo. La Cueva del Boomerang Dorado simplemente ilustra cuán diversos e increíblemente talentosos eran los artistas originales, y cuán poco de la verdadera historia original es la moneda de estos días.

Por Steven y Evan Strong


Sobre

Hace casi treinta años, Michael Stehr llegó a la Universidad de Stanford, preparado para realizar estudios en Ciencias Políticas que lo llevarían a una carrera en derecho o negocios. Cuatro años más tarde, Michael dejó la universidad con una especialización adicional en Historia del Arte, planea hacer una peregrinación de historia del arte a Europa y un floreciente negocio de pintura de casas que más tarde se convertiría en Arte de la Capilla Sixtina e Historia del Arte tal como existe hoy.

Nombrada como la obra de arte más exquisita del mundo occidental, Arte e Historia del Arte de la Capilla Sixtina espera comunicar el espíritu del techo Sixtina de Miguel Ángel, una fuerza impresionante de belleza, creatividad e innovación humana, a través de las bellas artes decorativas de Michael. giras y conferencias de pintura e historia del arte. Descubrir el poder de esta energía creativa en la universidad alteró para siempre el curso de la vida de Michael, y espera poder reflejar el impacto que tal descubrimiento tuvo en él para los demás a través de su trabajo.

Michael dedica la mayor parte de su tiempo a su arte decorativo. Estos acabados de pintura para interiores personalizados incluyen murales, efectos de color en capas, acabados de paredes, yesos de colores, pan de oro y vetas de madera pintadas a mano. Se pueden encontrar muestras de los acabados decorativos de Michael bajo el Arte decorativa pestaña de arriba.

Hacia el final de cada año, Michael exhibe sus bellas artes en una galería en Piedmont. Sus pinturas presentan principalmente los dos lugares en los que Michael se siente más como en casa: el Área de la Bahía y su lejana casa de Italia. Michael también disfruta de los retratos y la pintura de figuras, y recientemente ha comenzado a pintar animales después de crear un (¿estudio? ¿Pintura pequeña?) Del perro de la familia como regalo de Navidad para su hija. Se pueden encontrar muestras de las bellas obras de arte de Michael en el Arte fino pestaña de arriba.

Cuando Michael no está creando arte, probablemente puedas encontrarlo estudiándolo, estudiando detenidamente una pila precaria de fichas o hojeando uno de los muchos libros de historia del arte que se encuentran encima de la mesa de café familiar. Michael ha dado conferencias en muchos lugares destacados, incluido el Commonwealth Club, la Universidad de Stanford y varios clubes y bibliotecas privados notables en todo el Área de la Bahía de San Francisco. También ha dado conferencias y exhibido sus bellas obras de arte en Roma. Michael también dirige giras anuales de historia del arte en Roma y París, aventuras marcadas por la increíble pasión de Michael por los artistas y su trabajo que canaliza hacia la creación de una experiencia de aprendizaje altamente atractiva y personalizada. Obtenga más información sobre las giras de arte de Michael en el Tours de arte pestaña de arriba, y ver Próximos Eventos para obtener una lista de las próximas conferencias de Michael.


Contenido

La pintura del techo original era de Pier Matteo d'Amelia, y había representado estrellas sobre un fondo azul [5] como el techo de la Capilla Arena decorada por Giotto en Padua. [6] Durante seis meses en 1504, una grieta diagonal en la bóveda de la Capilla Sixtina había inutilizado la capilla, y el Papa Julio II (Giuliano della Rovere) hizo que se retirara la pintura dañada. [5]

El Papa Julio II fue un "papa guerrero" [7] que en su papado emprendió una agresiva campaña de control político para unir y empoderar a Italia bajo el liderazgo de la Iglesia. Invirtió en simbolismo para mostrar su poder temporal, como su procesión (a la manera clásica), en la que montó un carro a través de un arco triunfal después de una de sus muchas victorias militares. Fue Julio quien inició la reconstrucción de la Basílica de San Pedro en 1506, como el símbolo más potente de la fuente del poder papal. [8]

Miguel Ángel dejó el Batalla de Cascina inconclusa cuando el Papa Julio II lo convocó a Roma en la primavera de 1505 y le encargó que hiciera su tumba en la Basílica de San Pedro. [11] [12] [13] Miguel Ángel y el Papa Julio tenían ambos temperamentos calientes y pronto discutieron. [12] [13] Como escribió Walter Pater, "Miguel Ángel tenía ahora treinta años y su reputación estaba establecida. Tres grandes obras llenan el resto de su vida: tres obras a menudo interrumpidas, llevadas a cabo a través de mil vacilaciones, mil decepciones , pelea con sus patrones, pelea con su familia, pelea quizás sobre todo consigo mismo: la Capilla Sixtina, el Mausoleo de Julio II y la Sacristía de San Lorenzo ". [14] El 17 de abril de 1506 Miguel Ángel salió de Roma en secreto para ir a Florencia, permaneciendo allí hasta que el gobierno florentino lo presionó para que regresara al Papa. [13] En noviembre de 1506 fue a Bolonia y construyó una colosal estatua de bronce del Papa conquistando a los boloñeses. [13] (Los boloñeses destruyeron el bronce en 1511.) [13] El proyecto de la tumba papal se dejó a un lado en silencio, [9] para ser revitalizado por la familia Della Rovere después de su muerte. [12] [13]

En 1506 Julio II comenzó a reconstruir la Basílica de San Pedro, lo que llamó su atención y en febrero de 1513, cuando murió, se había realizado poco trabajo en su tumba. [15] [11] [12] Había sido un gran encargo, con 40 grandes figuras para tallar. [12] Su diseño original nunca se inició. [13] Finalmente, Miguel Ángel terminó solo tres figuras para el monumento terminado de 1545, se redujo sucesivamente a una serie de diseños más modestos y se construyó finalmente en la Iglesia de San Pietro. en Vincoli, incluida la estatua c.1515 de Moisés. [15] [12] [11] Dos Esclavos, los Esclavo barbudo y el Joven esclavo, c.1513, se encuentran en el Louvre. [15] [11] [12] La comisión de la tumba duró décadas, y Miguel Ángel se lamentó: "He desperdiciado toda mi juventud encadenado a esta tumba". [15] [11] Ascanio Condivi describió el asunto como la "Tragedia de la Tumba". [13]

En 1506 el Papa Julio concibió un programa para pintar el techo de la Capilla Sixtina. [dieciséis] [ página necesaria ] Las paredes de la capilla habían sido decoradas 20 años antes. El más bajo de los tres niveles está pintado para parecerse a cortinas drapeadas y se colgó (y a veces todavía lo está) en ocasiones especiales con un juego de tapices diseñados por Raphael. El nivel medio contiene un complejo esquema de frescos que ilustran el Vida de cristo en el lado derecho y el Vida de Moisés En el lado izquierdo. Fue realizado por algunos de los pintores renacentistas más reconocidos: Botticelli, Ghirlandaio, Perugino, Pinturicchio, Signorelli y Cosimo Rosselli. [17] El nivel superior de las paredes contiene las ventanas, entre las cuales se encuentran pares pintados de nichos ilusionistas con representaciones de los primeros 32 papas. [18] Es probable que, debido a que la capilla era el lugar de reuniones y misas regulares de un cuerpo de funcionarios de élite conocido como la Capilla Papal (que observarían las decoraciones e interpretarían su significado teológico y temporal), fuera el Papa Julio intención y expectativa de que la iconografía del techo se leyera con muchas capas de significado. [19]

El esquema propuesto por el Papa era que doce grandes figuras de los Apóstoles ocuparan las pechinas. [20] [21] Sin embargo, Miguel Ángel negoció un esquema mucho más grande y complejo y finalmente se le permitió, en sus propias palabras, "hacer lo que quisiera". [22] [a] Se ha sugerido que el fraile y cardenal agustino, Giles de Viterbo, fue un consultor para el aspecto teológico de la obra. [23] [ página necesaria ] Muchos escritores consideran que Miguel Ángel tenía el intelecto, el conocimiento bíblico y el poder de invención para haber ideado el esquema él mismo. Esto está respaldado por la declaración de Ascanio Condivi de que Miguel Ángel leyó y releyó el Antiguo Testamento mientras pintaba el techo, inspirándose en las palabras de las escrituras, en lugar de en las tradiciones establecidas del arte sacro. [24]

En la primavera de 1508, Miguel Ángel regresó a Roma para trabajar en un ciclo de frescos en la bóveda y las paredes superiores de la Capilla Sixtina. [12] [13] Miguel Ángel, que no era principalmente un pintor sino un escultor, se mostró reacio a asumir el trabajo y sugirió que su joven rival Rafael lo hiciera en su lugar. [25] [26] El Papa fue inflexible, dejando a Miguel Ángel sin más remedio que aceptar. [27] [ página necesaria ] El contrato se firmó el 8 de mayo de 1508, con una tarifa prometida de 3.000 ducados. [28] Miguel Ángel inicialmente buscó contratar asistentes para acelerar el trabajo oneroso y no deseado tan rápido como pudo, pero no pudo encontrar candidatos adecuados y pintó casi todo el techo solo. [13] Entre los artistas florentinos que Miguel Ángel trajo a Roma con la esperanza de ayudar en el fresco, Giorgio Vasari nombró a Francesco Granacci, Giuliano Bugiardini, Jacopo di Sandro, l'Indaco el Viejo, Agnolo di Domenico y Aristotile. [29]

Miguel Ángel comenzó a trabajar en la primavera de 1508, comenzando en el extremo oeste con el Embriaguez de Noé y el Profeta Zacarías y trabajando hacia atrás a través de la narrativa hasta el Creación de Eva, en el quinto tramo de la bóveda y terminado en septiembre de 1510. [13] La primera mitad del techo se inauguró oficialmente el 15 de agosto de 1511 y se produjo una larga pausa en la pintura cuando se prepararon nuevos andamios. [13] Posteriormente, la segunda mitad de los frescos del techo se realizó rápidamente, y después de una muestra preliminar y una misa papal el 14 de agosto de 1511, [16] [27] la obra terminada se reveló el 31 de octubre de 1512, la víspera de Todos los Santos, [ 13] [12] se muestra al público al día siguiente, Día de Todos los Santos. El esquema final de Miguel Ángel para el techo incluía unas trescientas figuras. [ cita necesaria ]

Después de la revelación del techo terminado de la Capilla Sixtina a la edad de 37 años, la reputación de Miguel Ángel aumentó de tal manera que se llamó Miguel Ángel. il divino. [12] [13] A partir de entonces, Miguel Ángel fue reconocido como el artista más grande de su tiempo, quien había elevado el estatus de las artes mismas, un reconocimiento que duró el resto de su larga vida, y su techo Sixtina siempre ha contado desde entonces. entre las "obras maestras supremas del arte pictórico". [11] [13] [15]

Los frescos de Miguel Ángel forman la historia de fondo de los ciclos narrativos del siglo XV de las vidas de Moisés y Cristo por Perugio y Botticelli en las paredes de la Capilla. [11] [15] Si bien las escenas centrales principales representan incidentes en el Libro del Génesis, existe mucho debate sobre la interpretación exacta de la multitud de cifras. [15] [11] El techo de la Capilla Sixtina es una bóveda de cañón poco profunda de unos 35 m (118 pies) de largo y unos 14 m (46 pies) de ancho. [13] Las ventanas de la Capilla cortan la curva de la bóveda, produciendo una hilera de lunetas que alternan con enjutas. [13]

Aunque Michelangelo afirmó que finalmente tenía las manos libres en el esquema artístico, Lorenzo Ghiberti también hizo esta afirmación sobre sus monumentales puertas de bronce para el Baptisterio de Florencia, por lo que se sabe que Ghiberti estaba constreñido por estipulaciones sobre cómo deberían las escenas del Antiguo Testamento. aparecer y fue capaz de decidir simplemente las formas y el número de los campos de imagen. Es probable que Miguel Ángel tuviera libertad para elegir las formas y la presentación del diseño, pero que los temas y los temas en sí mismos los decidía el patrón. [20]

El campo central, casi plano, del techo está delimitado por una cornisa arquitectónica ficticia y dividido en cuatro grandes rectángulos y cinco más pequeños por cinco pares de nervaduras pintadas que cortan lateralmente el campo rectangular central. Estos rectángulos, que aparecen abiertos al cielo, los pintó Miguel Ángel con escenas del Antiguo Testamento. [13]

La narración comienza en el extremo este de la Capilla, con la primera escena sobre el altar, foco de las ceremonias eucarísticas realizadas por el clero. El pequeño campo rectangular directamente sobre el altar representa el Acto de creación primordial. El último de los nueve campos centrales, en el extremo oeste, muestra el Embriaguez de Noé debajo de esta escena está la puerta utilizada por los laicos. [13] Más lejos del altar, el Embriaguez de Noé representa la naturaleza pecaminosa del hombre. [13]

Sobre la cornisa, en las cuatro esquinas de cada uno de los cinco campos centrales más pequeños, hay jóvenes varones desnudos, llamados Ignudi, cuyo significado preciso se desconoce. [13] [15] [11] Cerca de las escenas sagradas en el registro superior y, a diferencia de las figuras del registro inferior mostradas en perspectiva, no están acortadas. [13] Probablemente representan la visión de los neoplatónicos florentinos de la forma platónica ideal de la humanidad, sin la mancha del Pecado Original, al que todas las figuras inferiores están sujetas. [13] Kenneth Clark escribió que "su belleza física es una imagen de la perfección divina, sus movimientos alerta y vigorosos una expresión de energía divina". [31]

Debajo de la cornisa pintada alrededor del área rectangular central hay un registro inferior que representa una continuación de los muros de la Capilla como un marco arquitectónico trampantojo contra el que presionan las figuras, con un poderoso modelado. [13] Las figuras están drásticamente acortadas y a mayor escala que las figuras de las escenas centrales, "creando una sensación de desequilibrio espacial". [13]

El techo en las cuatro esquinas de la Capilla forma una enjuta doblada pintada con escenas salvíficas del Antiguo Testamento: La serpiente de bronce, La crucifixión de Amán, Judith y Holofernes, y David y Goliath. [13]

Cada uno de los arcos de las ventanas de la Capilla corta en la bóveda curva, creando sobre cada uno un área triangular de bóveda. El arco de cada ventana está separado de la siguiente por estas enjutas triangulares, en cada una de las cuales están entronizadas Profetas alternando con el Sibilas. [13] [15] [11] Estas figuras, siete profetas del Antiguo Testamento y cinco de las sibilas grecorromanas, fueron notables en la tradición cristiana por sus profecías del Mesías o la Natividad de Jesús. [13] Las lunetas sobre las ventanas están pintadas con escenas de lo "puramente humano". Antepasados ​​de cristo, al igual que los espacios a ambos lados de cada ventana. Su posición es tanto la más baja en la bóveda como la más oscura, en contraste con la bóveda superior aireada. [13]

Interpretación Editar

El tema manifiesto del techo es la doctrina cristiana de la necesidad de la humanidad de la salvación ofrecida por Dios a través de Jesús. Es una metáfora visual de la necesidad de la humanidad de un pacto con Dios. El Antiguo Pacto de los Hijos de Israel a través de Moisés y el Nuevo Pacto a través de Cristo ya se habían representado alrededor de las paredes de la capilla. [3] Algunos expertos, incluidos Benjamin Blech y el historiador de arte del Vaticano Enrico Bruschini, también han señalado temas menos abiertos, que describen como "ocultos" y "prohibidos". [32] [ página necesaria ] [33] [ página necesaria ]

En las áreas en forma de media luna, o lunetas, sobre cada una de las ventanas de la capilla hay tablas que enumeran los antepasados ​​de Cristo y las figuras que lo acompañan. Sobre ellos, en las enjutas triangulares, se muestran otros ocho grupos de figuras, pero estos no han sido identificados con personajes bíblicos específicos. El esquema se completa con cuatro grandes pechinas en las esquinas, cada una de las cuales ilustra una dramática historia bíblica. [34]

Los elementos narrativos del techo ilustran que Dios hizo el mundo como una creación perfecta y puso a la humanidad en él, que la humanidad cayó en desgracia y fue castigada con la muerte y la separación de Dios. La humanidad luego se hundió aún más en el pecado y la desgracia, y fue castigada por el Gran Diluvio. A través de un linaje de antepasados, desde Abraham hasta José, Dios envió al salvador de la humanidad, Jesucristo. La venida del Salvador fue profetizada por los profetas de Israel y las sibilas del mundo clásico. Los diversos componentes del techo están vinculados a esta doctrina cristiana. [34] Tradicionalmente, el Antiguo Testamento se percibía como una prefiguración del Nuevo Testamento. Se entendía comúnmente que muchos incidentes y personajes del Antiguo Testamento tenían un vínculo simbólico directo con algún aspecto particular de la vida de Jesús o con un elemento importante de la doctrina cristiana o con un sacramento como el Bautismo o la Eucaristía. Jonás, por ejemplo, reconocible por su atributo de un gran pez, era comúnmente visto como símbolo de la muerte y resurrección de Jesús. [4] [ página necesaria ]

Gran parte del simbolismo del techo data de la iglesia primitiva, pero el techo también tiene elementos que expresan el pensamiento específicamente renacentista que buscaba reconciliar la teología cristiana con la filosofía del humanismo renacentista. [35] Durante el siglo XV en Italia, y en Florencia en particular, hubo un gran interés por la literatura clásica y las filosofías de Platón, Aristóteles y otros escritores clásicos. Miguel Ángel, cuando era joven, había pasado un tiempo en la Academia platónica establecida por la familia Medici en Florencia. Estaba familiarizado con las primeras obras escultóricas de inspiración humanista, como el bronce de Donatello. David y había respondido él mismo tallando el enorme mármol desnudo David, que se colocó en la Piazza della Signoria cerca del Palazzo Vecchio, la sede del consejo de Florencia. [36] La visión humanista de la humanidad era aquella en la que las personas respondían a otras personas, a la responsabilidad social ya Dios de manera directa, no a través de intermediarios, como la Iglesia. [37] Esto estaba en conflicto con el énfasis de la Iglesia. Mientras que la Iglesia enfatizó a la humanidad como esencialmente pecadora y defectuosa, el Humanismo enfatizó a la humanidad como potencialmente noble y hermosa. [ cita necesaria ] [b] Estos dos puntos de vista no eran necesariamente irreconciliables con la Iglesia, sino sólo a través del reconocimiento de que la forma única de lograr esta "elevación de espíritu, mente y cuerpo" era a través de la Iglesia como agente de Dios. Estar fuera de la Iglesia era estar más allá de la salvación. En el techo de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel presentó elementos católicos y humanistas de una manera que no parece visualmente conflictiva. La inclusión de figuras "no bíblicas" como las Sibilas o Ignudi es coherente con la racionalización del pensamiento humanista y cristiano del Renacimiento. Esta racionalización se convertiría en un objetivo de la Contrarreforma. [ cita necesaria ]

La iconografía del techo ha tenido varias interpretaciones en el pasado, algunos elementos de las cuales han sido contradichas por la erudición moderna. [c] Otros, como la identidad de las figuras de las lunetas y enjutas, continúan desafiando la interpretación. [38] Los eruditos modernos han intentado, hasta ahora sin éxito, determinar una fuente escrita del programa teológico del techo y han cuestionado si fue enteramente ideado por el propio artista, quien era un ávido lector de la Biblia y un genio. [39] También es de interés para algunos estudiosos modernos la cuestión de cómo el propio estado espiritual y psicológico de Miguel Ángel se refleja en la iconografía y la expresión del techo. Una de esas especulaciones es que Miguel Ángel estaba atormentado por el conflicto entre su homosexualidad y "su catolicismo profundo, casi místico". [ cita necesaria ] [D]

Miguel Ángel probablemente comenzó a trabajar en los planos y dibujos animados para el diseño a partir de abril de 1508. [40] El trabajo preparatorio en el techo se completó a finales de julio del mismo año y el 4 de febrero de 1510 Francesco Albertini registró que Miguel Ángel había "decorado la parte superior arqueada con cuadros muy bonitos y dorados ". [40] El diseño principal se terminó en gran parte en agosto de 1510, como sugieren los textos de Miguel Ángel. [40] Desde septiembre de 1510 hasta febrero, junio o septiembre de 1511, Miguel Ángel no trabajó en el techo debido a una disputa sobre los pagos por el trabajo realizado en agosto de 1510, el Papa abandonó Roma para la campaña de los Estados Pontificios para reconquistar Bolonia y, a pesar de dos las visitas allí por resolución de Miguel Ángel solo se produjeron meses después del regreso del Papa a Roma en junio de 1511. El 14 de agosto de 1511, el Papa Julio celebró una misa papal en la Capilla y vio el progreso de la obra hasta ahora por primera vez. [40] Esta fue la vigilia por el Día de la Asunción el 15 de agosto, la fiesta patronal de la Capilla Sixtina. [40] El diseño completo fue revelado a los visitantes el 31 de octubre de 1512 con una misa papal formal al día siguiente, la fiesta de Todos los Santos. [41] El uso clerical de la Capilla continuó en todo momento, eximiendo cuando el trabajo en el andamio requirió su cierre, y la interrupción de los ritos se minimizó al comenzar el trabajo en el extremo oeste, más lejos del centro litúrgico alrededor del altar en la pared este. . [40] Existe un debate sobre en qué secuencia se pintaron las partes del techo y sobre cómo se dispuso el andamio que permitió a los artistas llegar al techo. Hay dos propuestas principales.

La teoría mayoritaria es que los frescos principales del techo se aplicaron y pintaron en fases, con el andamio cada vez desmantelado y trasladado a otra parte de la sala, comenzando en el extremo oeste de la Capilla. [41] La primera fase, incluida la vida central de Noé, se completó en septiembre de 1509 y se retiraron los andamios; solo entonces las escenas fueron visibles desde el nivel del suelo. [41] La siguiente fase, en el medio de la Capilla, completó el Creación de Eva y el Caída y expulsión del paraíso. los Sibila de Cumaean y Ezequiel también fueron pintados en esta fase. [41] Miguel Ángel pintó las figuras a mayor escala que en la sección anterior, esto se atribuye a la capacidad del artista para juzgar eficazmente el escorzo y la composición desde el nivel del suelo por primera vez. [41] Las cifras de la tercera fase, en el extremo este, tenían una escala aún mayor que la de la segunda fase. Creación de Adán y el otro Creación Los paneles se terminaron en esta etapa, que tuvo lugar en 1511. [41] Las lunetas sobre las ventanas se pintaron en último lugar, utilizando un pequeño andamio móvil. [41] En este esquema, propuesto por Johannes Wilde, los registros primero y segundo de la bóveda, por encima y por debajo de la cornisa arquitectónica ficticia, se pintaron juntos en etapas a medida que el andamio se movía hacia el este, con una ruptura estilística y cronológica hacia el oeste y el este de la Creación de Eva. [40] Después de la bóveda central, el andamio principal fue reemplazado por una contracción más pequeña que permitió pintar las lunetas, las bóvedas de las ventanas y las pechinas. [41] Esta visión suplantó una visión más antigua de que la bóveda central formaba la primera parte del trabajo y se completó antes de que comenzaran los trabajos en las otras partes del plan de Miguel Ángel. [40]

Otra teoría es que el andamio debe haber abarcado toda la Capilla durante años. [40] Para eliminar la decoración existente del techo, toda el área tenía que ser accesible para que los trabajadores pudieran cincelar el fresco del cielo estrellado antes de realizar cualquier trabajo nuevo. [40] El 10 de junio de 1508 los cardenales se quejaron del intolerable polvo y ruido generado por la obra. El 27 de julio de 1508 el proceso se completó y las enjutas de las esquinas de la Capilla se habían convertido en las enjutas triangulares dobles del diseño terminado. [40] Luego, el marco de los nuevos diseños tuvo que ser marcado en la superficie cuando comenzó la pintura al fresco, esto también exigió acceso a todo el techo. [40] Esta tesis está respaldada por el descubrimiento durante la restauración moderna de los números exactos de giornate empleado en los frescos si el techo se pintó en dos etapas, la primera de dos años y que se extiende a la Creación de Eva y el segundo duró solo un año, entonces Miguel Ángel tendría que haber pintado 270 giornate en la segunda fase de un año, frente a 300 pintados en los dos primeros años, lo que es poco posible. [40] Por el contrario, si el primer registro del techo, con las nueve escenas en campos rectangulares, los medallones y el Ignudi - fue pintado en los dos primeros años, y en la segunda fase Miguel Ángel pintó solo su borde en el segundo registro, con el Profetas y Sibilas, entonces el giornate terminados en cada año se dividen casi por igual. [40] Ulrich Pfisterer, avanzando en esta teoría, interpreta la observación de Albertini sobre "la parte superior, arqueada con cuadros muy hermosos y oro" en febrero de 1510 como refiriéndose solo a la parte superior de la bóveda, el primer registro con sus nueve campos de cuadros, su ignudi, y sus medallones adornados con oro, y no a la bóveda en su conjunto, ya que el ático arquitectónico ficticio con sus profetas y profetisas aún no se había comenzado. [40]

El andamio necesitaba proteger los frescos de las paredes existentes de la Capilla y otras decoraciones de la caída de escombros y permitir que los servicios religiosos continúen debajo, pero también para permitir la entrada de aire y algo de luz de las ventanas de abajo. [40] La cornisa de la Capilla, que recorría la habitación debajo de las lunetas en los saltos de los propios arcos de las ventanas, sostenía las vigas oblicuas de la estructura, mientras que las vigas portantes se colocaban en la pared sobre la cornisa mediante agujeros de madera. [40] Esta estructura abierta sostenía pasarelas y la propia plataforma de trabajo móvil, cuyo probable diseño escalonado seguía el contorno de la bóveda. Debajo había un falso techo que protegía la Capilla. [40] Aunque algo de luz solar habría entrado en el espacio de trabajo entre el techo y el andamio, se habría requerido luz artificial para pintar, posiblemente la luz de las velas influyendo en la apariencia de los colores vivos utilizados. [40]

Miguel Ángel diseñó su propio andamio, una plataforma de madera plana sobre soportes construidos a partir de agujeros en la pared cerca de la parte superior de las ventanas, en lugar de construirse desde el piso. Mancinelli especula que esto fue para reducir el costo de la madera. [42] Según el alumno y biógrafo de Miguel Ángel, Ascanio Condivi, los soportes y el marco que sostenían los escalones y el piso se colocaron al comienzo del trabajo y una pantalla liviana, posiblemente tela, se suspendió debajo de ellos para atrapar las gotas de yeso. polvo y salpicaduras de pintura. [43] [ página necesaria ] Sólo la mitad de la habitación se colocó en andamios a la vez y la plataforma se movió a medida que la pintura se realizaba por etapas. [42] Las áreas de la pared cubiertas por el andamio todavía aparecen como áreas sin pintar en la parte inferior de las lunetas. Los agujeros se reutilizaron para sujetar los andamios en la última restauración. [ cita necesaria ]

Todo el techo es un fresco, que es un método antiguo para pintar murales que se basa en una reacción química entre el yeso húmedo de cal y los pigmentos a base de agua para fusionar permanentemente el trabajo en la pared. [44] Miguel Ángel había sido aprendiz en el taller de Domenico Ghirlandaio, uno de los pintores de frescos florentinos más competentes y prolíficos, en el momento en que este último trabajaba en un ciclo de frescos en Santa Maria Novella y cuyo trabajo estaba representado en la paredes de la Capilla Sixtina. [45] [ página necesaria ] Al principio, el yeso, intonaco, comenzó a crecer moho porque estaba demasiado húmedo. Michelangelo had to remove it and start again. He then tried a new formula created by one of his assistants, Jacopo l'Indaco, which resisted mould and entered the Italian building and fresco tradition. [43] [ página necesaria ]

Because he was painting affresco, the plaster was laid in a new section every day, called a giornata. At the beginning of each session, the edges would be scraped away and a new area laid down. [42] The edges between giornate remain slightly visible thus, they give a good idea of how the work progressed. It was customary for fresco painters to use a full-sized detailed drawing, a cartoon, to transfer a design onto a plaster surface—many frescoes show little holes made with a stiletto, outlining the figures. Here Michelangelo broke with convention once confident the intonaco had been well applied, he drew directly onto the ceiling. His energetic sweeping outlines can be seen scraped into some of the surfaces [ cita necesaria ] , [e] while on others a grid is evident, indicating that he enlarged directly onto the ceiling from a small drawing. [ cita necesaria ]

Michelangelo painted onto the damp plaster using a wash technique to apply broad areas of colour, then as the surface became drier, he revisited these areas with a more linear approach, adding shade and detail with a variety of brushes. For some textured surfaces, such as facial hair and wood-grain, he used a broad brush with bristles as sparse as a comb. He employed all the finest workshop methods and best innovations, combining them with a diversity of brushwork and breadth of skill far exceeding that of the meticulous Ghirlandaio [ cita necesaria ] . [f]

The work commenced at the end of the building furthest from the altar, with the latest of the narrative scenes, and progressed towards the altar with the scenes of the Creation. [23] [ página necesaria ] The first three scenes, from The Drunkenness of Noah, contain smaller figures than the later panels. This is partly because of the subject matter, which deals with the fate of Humanity, but also because Michelangelo underestimated the ceiling's scale. [34] [46] Also painted in the early stages was the Slaying of Goliath. [47] After painting the Creation of Eve adjacent to the marble screen which divided the chapel, [g] Michelangelo paused in his work to move the scaffolding to the other side. After having seen his completed work so far, he returned to work with the Temptation and Fall, followed by the Creation of Adam. [48] [46] As the scale of the work got larger, Michelangelo's style became broader the final narrative scene of God in the act of creation was painted in a single day. [49]

The bright colours and broad, cleanly defined outlines make each subject easily visible from the floor. Despite the height of the ceiling, the proportions of the Creation of Adam are such that when standing beneath it, "it appears as if the viewer could simply raise a finger and meet those of God and Adam". [ cita necesaria ] Vasari tells us that the ceiling is "unfinished", that its unveiling occurred before it could be reworked with gold leaf and vivid blue lapis lazuli as was customary with frescoes and in order to better link the ceiling with the walls below, which were highlighted with a great deal of gold. But this never took place, in part because Michelangelo was reluctant to set up the scaffolding again, and probably also because the gold and particularly the intense blue would have distracted from his painterly conception. [27] [ página necesaria ] Michelangelo's patron and the ceiling's commissioner, Pope Julius II, died only months after the ceiling's completion, in February 1513. [41]

According to Vasari and Condivi, Michelangelo painted in a standing position, not lying on his back, as another biographer Paolo Giovio imagined. [50] Vasari wrote: "The work was carried out in extremely uncomfortable conditions, from his having to work with his head tilted upwards". [27] Michelangelo may have described his physical discomfort in a poem, accompanied by a sketch in the margin, which was probably addressed to the humanist academician Giovanni di Benedetto da Pistoia, a friend with whom Michelangelo corresponded. [50] Leonard Barkan compared the posture of Michelangelo's marginalia self-portrait to the Roman sculptures of Marsyas Bound in the Uffizi Gallery Barkan further connects the flayed Marsyas with Michelangelo's purported self-portrait decades later on the flayed skin of St Bartholomew in his Last Judgement but cautions that there is no certainty the sketch represents the process of painting the Chapel ceiling. [51] Michelangelo wrote his poem "I' ho già fatto un gozzo" describing the arduous conditions under which he worked the manuscript is illustrated with a sketch – likely of the poet painting the ceiling:


Fracking Arrives at the ‘Sistine Chapel’ of Prehistoric Art

On March 31 last year, a region in northern Spain quietly granted a concession of land, dubbed Arquetu, for natural gas exploration.

In Cantabria, the Arquetu traditionally was known as a mythological traveler who carries a coffer full of gold coins and lives an extremely simple lifestyle. Having disappeared from Cantabria’s folklore, now the Arquetu is back. Again, he is foreign, and bears riches, but this time he is surrounded by controversy.

Trofagas, which is owned by the California-based BNK Petroleum, was awarded the six-year concession of 24,876 hectares (61,470 acres) by the regional Government of Cantabria. In the new Arquetu territory, Trofagas will drill at least four wells to search for unconventional natural gas using hydraulic fracturing, or ‘fracking.’

With its gently rolling landscape, some parts of the concession strikingly resemble Carter County, in Southern Oklahoma, where BNK operates 22 wells. However, there are important differences between the two. The most significant difference is underground. Cantabria’s geology is extremely complex. Some areas are transected by a vast network of underground caves that expands into the neighboring region of Asturias. Those caves can be more than 1,000 meters (3,000 feet) deep, and the entire network, still unexplored, can be hundreds of kilometers long. People from Cantabria and Asturias joke that, if you drop painting in a cave, the water in some river—or in another cave—will become colored.

That geological structure supports a number of critically important archaeological sites. At least four decorated caves from the Paleolithic Age that have been listed as World Heritage Sites by UNESCO lie within the Arquetu. Among them is the world-famous Altamira Cave which, in 1880, became the first discovery of Prehistoric art, and has been nicknamed ‘the Sistine Chapel of Paleolithic Art’ for the quality and the degree of preservation of its paintings. Surrounding Arquetu are 13 other UNESCO-listed caves, plus other sites, such as El Sidrón, in Asturias, where exceptionally well-preserved Neanderthal remains have been discovered.

Moreover, part of the concession overlaps territories occupied by brown bears. These are the last 130 brown bears genetically “Spanish” (the ones in the Pyrenees have been introduced from Slovenia). They co-exist with the last remaining 500 Cantabrian grouse, a subspecies of the Western Capercaillie that the U.S. Fish & Wildlife Service classifies as endangered.

Could development activity in Arquetu damage all of these natural and cultural assets? Could the fracking provoke small earthquakes that could damage the caves, as has happened in the United Kingdom and, more recently, in the United States? Could the roads and wells disturb the bears and the grouses, or the fluids and gases poison some of the last rivers in Spain that still have significant populations of Atlantic salmon?

In June, when I visited BNK’s operations in Carter County, the company’s representatives told me that they are ready to change their procedures to enhance safety in their Cantabrian operation. However, environmental groups have petitioned the regional government to halt the operations, and nine Cantabrian municipalities have asked the same — not only because of the potential environmental risk, but also because they were not informed about the concession until it was reported in the media. The government has not responded to the petitions, and in December two environmental groups challenged the decision in court. Sources from the oil industry admit that the countless interconnected caves and subterranean sources of water pose a significant challenge for fracking in some parts of Northern Spain.

On the other hand, it is equally true that Spain is going through a tremendous economic crisis, and that any source of jobs and economic growth is welcome, no matter the environmental or archeological uncertainties. So far, the Spanish government has granted Trofagas 1.2 million hectares (296,000 acres) to frack in Spain.

The Arquetu is far from the only shale gas potential being explored in Spain, as seen from this map. Not far to the east of Arqetu in the Gran Enara area, two American companies—True Oil in Wyoming, and HEYCO, from New Mexico—are partnering with the Basque government to explore 13 areas that officials say contain enough unconventional natural gas to supply Spain for five years.

Some accuse the opposition to fracking of being inadvertently manipulated by the influential lobby of conventional natural gas importers, who import gas for Spanish consumption from Algeria and sense the business threat of this new exploration.

In the end, the travels of this 21st century Arquetu bring to the countryside not the simple reflections of a pilgrimage, but instead, complex questions on international forces in an energy-thirsty world.


Sistine Chapel ceiling on view in the U.S. in new exhibition

Visitors can now enjoy the stunning sights of the Sistine Chapel, all from an Illinois mall. A new exhibition is taking reproductions of masterpieces like "The Creation of Adam" to art lovers in cities across the U.S.

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Sistine Chapel Ceiling Layout

The overall structure of the ceiling paintings was designed by Michelangelo himself, via Wiki Commons

Michelangelo’s original commission was simply to paint the twelve apostles on the pendentives in the corners of the chapel. Unhappy first with being sidetracked from his preferred project, and now with having his work prescribed to him, the artist demanded complete artistic control. He designed a series of paintings that went far beyond his initial brief.

Running along the centre of the ceiling would be nine paintings showing stories from Genesis: the creation of the world the creation of mankind man’s fall from grace and subsequent suffering. The pendentives would show not the twelve apostles, but twelve prophetic figures, each of whom had foretold the arrival of the saviour. They were to be accompanied by four important biblical scenes featuring Moses, Esther , David and Judith .

The Last Judgement , Michelangelo, 1536-154, painted fresco, via Vatican Museums


Michelangelo also decorated much of the wall space, often depicting human figures who were not sufficiently holy to warrant a spot on the ceiling itself, but who still played a crucial role in the religious narrative he wanted to tell. Among these are the ancestors of Christ and the past popes. Most famous of all is his epic The Last Judgement , a later addition to the Sistine Chapel which stands behind the altar to remind (or warn) worshippers of what awaits. All in all, within the confines of a single room, Michelangelo painted a staggering 5000 square feet of frescoes .


Here's a first look at Michelangelo's Sistine Chapel: The Exhibition in San Antonio

When I entered the historic Lambermont mansion, I truly felt I was escaping the city life and entering another world filled with breathtaking, floor-to-ceiling art reproduced photographically from Michelangelo's renowned frescoes inside the Vatican's Sistine Chapel.

Martin Biallis, CEO of Los Angeles-based Special Entertainment Events, brought Michelangelo's Sistine Chapel: The Exhibition to San Antonio for the first time to give everyone that exact feeling: to leave your problems behind and go back in time. The exhibit has toured venues all around the world for the last six years. It will be at the Lambermont Events building, at 950 E Grayson Street, from Friday, June 11 to Thursday, September 30.

"This is one of the most iconic artworks that has been done in history," Biallis told MySA at a media event on Thursday, June 10. "Even if you're not Catholic or religious, it's more about the art and the story he was trying to tell . You get to step out of reality for an hour or two and experience beautiful pieces of art up close. The Pope could not even do that in the Sistine Chapel."

The unique exhibition showcases 34 reproductions on 16-foot panels spread out in nine rooms of the 3-floor building. The perspective is displayed in their original size, except for "The Last Judgement" (my favorite of the bunch), as it is a smaller size than its original 45-foot by 40-foot display at the Sistine Chapel.

At the chapel, Michelangelo began painting in 1508 and he continued until 1512, painting scenes from, among things, the "Book of Genesis." It was painted at the commission of Pope Julius II. The complex design includes several sets of individual figures, both clothed and nude.

Scroll below to know more about the exhibit:

On the first floor, you'll find three rooms, including one that is handicap accessible (there isn't an elevator in the building). The room has a slideshow of all the frescoes on the top two floors, along with two large artworks. In another room, you'll find the "Sacrifice of Noah" and the "Drunkenness of Noah."

In the Last Judgement room, there are four stunning frescoes. It instantly became my favorite as I grew up in an unorthodox, cult-like church that drilled into my head the "Book of Revelations" and what's to come when God's judgment comes. It spoke to me.

Also, if you look closely, Michelangelo painted himself in "The Last Judgement" artwork that has more than 300 figures in it. He displays himself as a melting individual who thought he was going to hell, but was ultimately saved and entered heaven. Try to find it. It's symbolic and truly takes your breath away.

David And Goliath on the second floor hallway of the Michelangelo's Sistine Chapel: The Exhibition at the Lambermont.

After going up a stairwell, you'll find the second floor that has a gift shop with snacks and drinks and four rooms filled with art. The first room you're most likely to encounter is on the left, and features "The Great Flood" artwork, which is another one of my favorites.

In the hallway, you'll see the famous "David and Goliath" piece (who doesn't love an underdog story?). You'll also find comfortable chairs and couches in all rooms, but I sat and stared at the"David and Goliath" one for a while. It's a symbol of never giving up, which, of course, I love.

In a separate room on the second floor, you'll find the "Prophet Jonah," but the coolest part of it all is that it leads to a long balcony with views of the green landscape typically meant for weddings.

Note: I couldn't post anything when I was there so be prepared to save videos and photos. My poor AT&T service wasn't working maybe you'll have better luck. Also, the farthest room on this floor (towards the back) is extremely cold. Bring a light cardigan if you can.

The Creation of the Sun, Moon and Earth is on the third floor of Michelangelo's Sistine Chapel: The Exhibition at the Lambermont.

There are two rooms on the third floor, with the "Creation of the Sun, Moon and Earth" being my star of the floor as the pastel pink colors pop out more than others did. The room with that painting is probably the most colorful and bright.

As you enter the floor, the first room to the left has four of the artwork with a nice and comfy black couch for others to enjoy. You'll find "The Prophet Ezekiel" in this one, as well as "The Delphic Sibyl."

The vibe up here is a bit attic-like as you'll hear every squeaky noise on the wood floors. It's quite warm so prepare to take off that light cardigan.

The Lambermont is located at 950 E Grayson Street.

Starting Friday, June 11, the exhibit will be open to the public. However, tickets for tomorrow's event are sold out. You can visit the place from 10 a.m. to 6 p.m. Thursday through Sunday. The visit will take around 60 to 90 minutes.

Tickets are $17,50 for adults and $12.70 for children ages four to 12. Seniors 65 and older, students and military members can enter for $14.40. To book a day, visit sistinechapelexhibit.com.

Starting next Thursday, June 17, you can grab a bite to eat at the cafe in the backyard of the mansion. You can buy wine, salads, sandwiches and fruit cups. Visitors will be required to wear face masks.

You can take as many pictures as you want but don't touch the artwork.

Other than that, enjoy the mansion and all its glory. It's quite a sight to see and experience.


Sistine Chapel

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Sistine Chapel, papal chapel in the Vatican Palace that was erected in 1473–81 by the architect Giovanni dei Dolci for Pope Sixtus IV (hence its name). It is famous for its Renaissance frescoes by Michelangelo.

The Sistine Chapel is a rectangular brick building with six arched windows on each of the two main (or side) walls and a barrel-vaulted ceiling. The chapel’s exterior is drab and unadorned, but its interior walls and ceiling are decorated with frescoes by many Florentine Renaissance masters. The frescoes on the side walls of the chapel were painted from 1481 to 1483. On the north wall are six frescoes depicting events from the life of Christ as painted by Perugino, Pinturicchio, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio, and Cosimo Rosselli. On the south wall are six other frescoes depicting events from the life of Moses by Perugino, Pinturicchio, Botticelli, Domenico and Benedetto Ghirlandaio, Rosselli, Luca Signorelli, and Bartolomeo della Gatta. Above these works, smaller frescoes between the windows depict various popes. For great ceremonial occasions the lowest portions of the side walls were covered with a series of tapestries depicting events from the Gospels and the Acts of the Apostles. These were designed by Raphael and woven in 1515–19 at Brussels.

The most important artworks in the chapel are the frescoes by Michelangelo on the ceiling and on the west wall behind the altar. The frescoes on the ceiling, collectively known as the Sistine Ceiling, were commissioned by Pope Julius II in 1508 and were painted by Michelangelo in the years from 1508 to 1512. They depict incidents and personages from the Old Testament. los Last Judgment fresco on the west wall was painted by Michelangelo for Pope Paul III in the period from 1534 to 1541. These two gigantic frescoes are among the greatest achievements of Western painting. A 10-year-long cleaning and restoration of the Sistine Ceiling completed in 1989 removed several centuries’ accumulation of dirt, smoke, and varnish. Cleaning and restoration of the Last Judgment was completed in 1994.

As the pope’s own chapel, the Sistine Chapel is the site of the principal papal ceremonies and is used by the Sacred College of Cardinals for their election of a new pope when there is a vacancy.


'Prehistoric Sistine Chapel' gets world heritage status

The 1,000 drawings carved in the walls of the Decorated Cave of Pont dɺrc, or Grotte Chauvet, are 36,000 years old and include mammoths and hand prints.

Cave experts only discovered it in 1994 as the entrance had been concealed by a rockfall 23,000 years earlier.

It was one of several cultural and natural wonders granted the status by a committee of delegates in Doha, Qatar.

UN cultural agency Unesco said the cave, located in the Ardeche region of France featured "the earliest and best-preserved expressions of artistic creation of the Aurignacian people", who were believed to be the first modern human culture in Europe.

"The large number of over 1,000 drawings covering over 8,500 square metres (90,000 square feet), as well as their high artistic and aesthetic quality, make Grotte Chauvet an exceptional testimony of prehistoric cave art," said Unesco.

"Its state of preservation and authenticity is exceptional as a result of its concealment over 23 millennia."


 The Sistine Chapel. The Home of Iconic Renaissance Art masterpieces.

The Sistine Chapel plays an important role in Italian Renaissance art history and it houses some of the most iconic images of the era. The chapel, located within the Vatican City, is named after Sixtus IV della Rovere and is built on the site of a Medieval hall the "Cappella Magna". It was used for assemblies by the Papal Court.

The building work started in 1475 ended in 1483, and the chapel was inaugurated by the Pope who dedicated it to Our Lady of the Assumption. The chapel is used by the College of Cardinals for the election of a new pope (who is considered to be the successor of St Peter).

The chapel's dimensions (40.23 meters in length, 13.40 meters in width and 20.70 meters in height) are reputed to be copied from Solomon’s temple in Jerusalem which was destroyed in 70 A.D.

When the structure was complete the side walls of the chapel were decorated in 1481 with frescoes by the greatest Italian Renaissance artists. From Florence, Botticelli, Rosselli, Ghirlandaio and Signorelli and Umbrian artists such as Perugino and Pinturicchio.

 Painted imitation curtains with the pope’s coat of arms were frescoed on the lower walls above these hung tapestries by Raphael and his followers.

Initially, the ceiling was decorated with gold stars on a blue background by the artist Umbrian artist, Pier Matteo d’ Amelia.

The Chapel's decoration was completed by Michelangelo and was Commissioned by Pope Julius II. Michelangelo was reluctant to accept the work (he always considered himself to be a sculptor rather than a painter) but he eventually agreed to fresco the vault and the painting took four years to complete 1508-1512.

 His famous ceiling frescoes replaced the earlier work by Pier Matteo d’ Amelia.

It is impossible to fully appreciate the grandeur of this building without visiting it for yourself. With its arched windows and barrel vault ceiling, you are surrounded by some of the greatest artwork ever produced.

If you love art this place will make your head spin, it is a feast for the senses and, even if you are just a curious tourist, you will be blown away.

You have got to see this great bit of technology which gives you private access to the Chapel. It's great because in reality you would never be alone in the room, which is always very crowded, and of course, in person, you can't see Michelangelo's spectacular artwork close up as you can here.

This virtual tour was prepared by Villanova University at the request of the Vatican.

Just click and drag your arrow in the direction you wish to see.  In the lower left, click on the plus (+) to move closer,  or on the minus (-) to move away.

The two images above are from the series of paintings on the Sistine Chapel walls. Perugino's Moses picture is on the left wall and Rosselli's Sermon on the Mount is on the right wall. Also see Botticelli's paintings in the Sistine Chapel.

The Sistine Chapel Ceiling.

The Ignudi support the corners of the smaller scenes on the chapel ceiling. These four examples highlight Michelangelo's understanding of the human form. (s)

The Altar wall - The Last Judgement.

Twenty years after finishing the frescoes for the vault Michelangelo painted his "Last Judgement" on the far wall of the chapel.

Restoration and Preservation.

The restoration of the Sistine Chapel was done between 1980 and 1992 and the work on the Last Judgement lasted for four years ending in 1994. The restoration consisted of washing the frescoes with distilled water and a mild solvent removing the layers of dirt that had built up over the years.

All of the candle smoke produced in the chapel had dulled the colours in the frescoes to such an extent that it was thought that Michelangelo was more interested in his bulky figures than any rendition of colour.

The cleaning process has revealed the vivid, bright colours that had been skilfully blended by the artist reducing the flattening effect of the figures.      

The result is a re-discovery of Michelangelo's works which can now be seen as vividly as the day the artist originally painted them.

The chapel is now climate controlled, with filters and air conditioning to deal with modern pollution levels.