Virgen y Niño con Santa Ana de Leonardo da Vinci

Virgen y Niño con Santa Ana de Leonardo da Vinci


El tema de la Virgen y el Niño con Santa Ana fue muy popular en la Florencia del siglo XV.

Se cree que la caricatura fue un trabajo preparatorio para una pintura debido a su tamaño, está dibujada en ocho hojas de papel y tiene más de 140 cm (55 pulgadas) de alto.

Pero el dibujo no ha sido pinchado para transferirlo al lienzo y ninguna pintura de Leonardo da Vinci coincide con la composición. El cuadro de Da Vinci La Virgen y el Niño con Santa Ana, que cuelga en el Louvre, omite a San Juan y tiene una composición más rígida y menos naturalista.

Dibujado a carboncillo y tiza sobre papel tintado, la caricatura es un buen ejemplo de la compleja composición y el realismo de Da Vinci. La mirada sigue la mirada de Santa Ana hacia su hija María, quien a su vez mira con adoración al niño Jesús. Los niños tienen curiosidad, Jesús se aleja de su madre y levanta la mano como para bendecir a su paralizada prima.

La expresión inocente de Cristo refleja la de su madre, mientras que la de John recuerda la mirada más cómplice de su abuela. La mano de Santa Ana apunta hacia el cielo, entre los rostros de los dos jóvenes. Sin embargo, el simbolismo religioso no se entromete en la intimidad de este encantador retrato familiar. Así como Ana y María parecen estar compartiendo un momento privado, también lo hacen Juan y Jesús.

La luz se posa sobre María y Jesús, dejando claro que ellos son el foco. Anne y John están más sombreados. Una vez más, esto llama la atención sobre el vínculo entre María y Jesús, y su inocencia en comparación con la relativa mundanidad de Ana y Juan.

La estructura es una pirámide suelta. Hay una fuerte línea diagonal desde los rostros de las mujeres a los niños, y otra formada por las rodillas de las mujeres y el hombro de San Juan.

La caricatura de Santa Ana, también conocida como la caricatura de Burlington House después de la sede de la Royal Academy of Arts en Londres, ahora se encuentra en la National Gallery de Londres. En 1962 se puso a la venta pero se consideró tan importante que el Fondo Nacional de Colecciones de Arte, junto con las donaciones del público, recaudó suficiente dinero para mantenerlo en el Reino Unido.

En 1987 fue objeto de actos de vandalismo con una escopeta que causó grandes daños, que desde entonces ha sido reparado.

Aunque inacabada, la obra se considera una obra maestra. Los rostros y los torsos están bellamente representados al igual que los pliegues de la ropa. Las poses y expresiones naturales y significativas del grupo son incomparables incluso en las pinturas terminadas de Da Vinci.


De Leonardo& # xa0Virgen y niño con Santa Ana y un cordero.

Leonardo eligió el tema de Santa Ana a su regreso a Florencia desde Milán en 1500. La obra muestra claramente la sfumato estilo pionero del artista y se basa en un dibujo anterior de La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan, que ahora se encuentra en la Galería Nacional de Londres.

La Virgen y el Niño con Santa Ana y un Cordero c. 1508, óleo sobre tabla de madera, 166x112cm, Louvre París. (s)

El tema de María y el Niño Jesús fue un tema popular en muchas pinturas del Renacimiento. En esta obra, Leonardo muestra a María acercándose a su hijo (Jesús), quien a su vez alcanza al cordero.

Mary está sentada en el regazo de su madre (Santa Ana), que cuida a su hija y a su nieto para completar una trinidad de generaciones dentro de la misma familia. La composición está construida sobre una inteligente combinación de triángulos formados por la postura de la Virgen, la posición de la mano en la cadera de Santa Ana y el niño y el cordero entrelazados. magnífico!! & # xa0

Los tres bocetos de niños de arriba son de una sola hoja de dibujos que Leonardo hizo para el Niño Jesús en la pintura de la Virgen y el Niño de enfrente.

Accademia Venice, tiza roja.

La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan. C. 1508 Carboncillo sobre papel marrón, 139x101cm. Galería Nacional, Londres (s)

Una caricatura de Leonardo (del mismo tema) fue tan bien recibida cuando se exhibió en Florencia que llevó al historiador del arte Vasari a escribir:

& # xa0'hombres y mujeres, jóvenes y viejos, continuaron durante dos días apiñándose en la sala donde se mostraba, como si asistieran a un festival solemne '.

Existe cierto debate sobre qué caricatura estaba describiendo Vasari y continúan los argumentos sobre la posibilidad de más de una copia de Leonardo. Independientemente de este debate, tanto el dibujo anterior como la pintura del Louvre siguen siendo buenos ejemplos de la habilidad y la artesanía del artista.


Freud analizó el subconsciente de Da Vinci y # 8217 a través de su pintura "La Virgen y el niño # 038 con Santa Ana"

No es noticia ni misterio que Leonardo da Vinci jugara con mensajes y símbolos ocultos en sus pinturas. Según algunos historiadores del arte y otros especialistas, algunas de las pinturas más famosas de da Vinci, como La última cena y Madonna on the Rocks, revelan los puntos de vista individuales del artista sobre la religión.

Aunque según Martin Lunn (autor de Código Da Vinci decodificado), con la pintura de Mona Lisa, Da Vinci rompió “las convenciones de la época” en cuanto a la ausencia de joyas y la postura relajada de su sujeto, Sigmund Freud, quien observó el trabajo de diferentes artistas para psicoanalizar su subconsciente, afirmó que La Virgen y el Niño con Santa Ana de da Vinci reveló su deseo homosexual reprimido.

Sigmund Freud, el fundador del psicoanálisis.

Freud utilizó el método de examinar las pinturas y encontrar diferentes símbolos que los artistas pintaron, consciente o inconscientemente.

De cualquier manera, luego agregaría significado a esos símbolos basándose en detalles encontrados en varias culturas antiguas, y los analizaría como una expresión del subconsciente del individuo.

Leonardo da Vinci & # 8211 Virgen y Niño con Santa Ana

Da Vinci pintó La Virgen y el Niño con Santa Ana alrededor de 1503, y hoy se puede ver en el museo del Louvre en París.

Representa al niño Jesús custodiado en los brazos de la Virgen María mientras ella está sentada tranquilamente en el regazo de su madre, Santa Ana.

Retrato de Leonardo da Vinci.

La Virgen María alcanza a su hijo, sujetándolo por la cintura, mientras Jesús acaricia un cordero. Para que la teoría de Freud sea más relativa, hay que tener en cuenta que las figuras bíblicas en las pinturas históricas nunca están pintadas al azar.

La Virgen y el Niño con Santa Ana, Louvre, París, Francia. Foto de Sailko
CC BY 3.0

Sus posiciones son siempre alusiones a la vida de los personajes y diversas metáforas cristianas. Por ejemplo, el cordero del cuadro se puede interpretar fácilmente como un símbolo de la inocencia y el sacrificio de Jesús por la humanidad. El cordero en sí es un símbolo del sacrificio y Juan el Bautista se refirió a Jesús como el "Cordero de Dios".

El & # 8220vulture & # 8221 identificado por Freud

Por otro lado, es algo inusual que la Virgen María sea representada en el regazo de Santa Ana. Freud lo vio como bastante interesante para el examen psicoanalítico y lo llamó "Leonardo da Vinci y la memoria de su infancia".

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Según Freud, cuando la pintura se pone de lado, la forma de las prendas de María ilustra un pájaro, probablemente un buitre. Interpreta la imagen de un buitre como símbolo de una madre, enraizando su teoría en el hecho de que el término "madre" en el antiguo Egipto se representaba con el símbolo de un buitre. Por lo tanto, lo analizó como el deseo homosexual reprimido de da Vinci, desencadenado por su débil recuerdo de lactar del pecho de su madre.

Detalle & # 8211 Cristo con el Cordero

Freud también consideró un conjunto de escritos y dibujos de da Vinci conocido como el Codex Atlanticus, donde el artista escribió sobre un recuerdo de la primera infancia de un buitre atacándolo en su cuna. Por lo tanto, Freud considera las ilustraciones de la cola de buitre y la boca de un bebé como una posible lactancia materna forzada después de la edad apropiada.

Reproducción de la famosa pintura de Leonardo da Vinci & # 8216La Virgen y el Niño con Santa Ana & # 8217. Foto del P. Latreille CC BY-SA 3.0

Otra de las observaciones de Freud con respecto a la representación del subconsciente de Da Vinci en La Virgen y el Niño con Santa Ana, es que en la ilustración de dos mujeres (las dos en el papel de madre) Da Vinci representó a sus dos madres. De hecho, el artista fue criado primero por su madre biológica y luego adoptado por la esposa de su padre.

El psicoanalista consideró su ensayo "Leonardo da Vinci y la memoria de su infancia" como una de las mejores obras que jamás haya escrito. Sin embargo, a lo largo de los años, las teorías de Freud han sido puestas en tela de juicio y muchos científicos se han opuesto a ellas por ser extremas. Siempre tendió a ver la sexualidad oculta o reprimida. Y aunque su trabajo es realmente bueno, difícilmente puede tomarse como una prueba de la subconsciencia de Da Vinci.


Perfección inconclusa

¿Podemos llamar a algo a la vez inacabado y perfecto? No es difícil decir que sí si se trata de algo literario ("The Faerie Queene" de Spenser) o incluso musical (la Sinfonía "Unfinished" de Schubert). Con la pintura, la pregunta es más difícil de responder. Permítanme sugerir al menos un candidato para la perfección inconclusa.

Un museo repleto de obras maestras y visitantes asombrados puede desafiar a alguien que quiera mirar fotografías. Pero la paciencia es una virtud. Tome el Louvre. Detrás de un vidrio a prueba de balas y una cuerda larga cuelga la Mona Lisa, imposible de ver bien a través de la multitud de turistas con cámaras, que se apresuran, toman fotos para demostrar que han estado allí y luego se van.

Leonardo da Vinci (1452-1519) fue un famoso pintor lento, y no sobreviven muchas obras terminadas. Pero una vez que sales de la habitación donde está consagrada la Mona Lisa, te encuentras en la Grande Galérie, todavía abarrotada pero menos claustrofóbica, y en presencia de otras cinco imágenes de Leonardo. Los turistas se detienen un momento, pero puedes acercarte a cualquiera de ellos y disfrutar de la (relativa) soledad. El primero es probablemente del taller de Leonardo, no enteramente de la mano del maestro: San Juan Bautista, o tal vez Baco, cuyo dedo levantado es un símbolo cristiano, pero cuyo tirso, hojas de parra y piel de pantera son claramente paganos. La siguiente es la elegante dama "La Belle Ferronière". Luego la famosa "Virgen de las Rocas", con su escenario misterioso y su iluminación de claroscuro. Luego otro San Juan andrógino con el dedo apuntando hacia arriba.

Luego, la obra maestra: "La Virgen y el Niño con Santa Ana", comenzada probablemente en 1500. Leonardo trabajó en ella tanto en Milán como en Florencia, y la guardó con él (como hizo con la Mona Lisa) hasta su muerte. Sin terminar, todavía ofrece una experiencia estética total en términos de diseño, forma, color y dramatismo humano. (Para tomar su medida, puede mirar un estudio preparatorio en la Galería Nacional de Londres, "La Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista").

Clive Bell, el cuñado de Virginia Woolf, acuñó la frase "forma significativa" en 1914 y, junto con Roger Fry, otro habitante de Bloomsbury, popularizó la idea de que la forma en sí misma puede transmitir y producir sentimiento. La imagen de Leonardo, especialmente su geometría humana, ejemplifica sublimemente tal transmisión. Leonardo aprendió de Masaccio (1401-1428) cómo dar masa escultórica a figuras planas a través de los principios de la perspectiva. A la técnica del maestro anterior, sin embargo, agregó un humanismo que nos parece distintivo, realista y moderno.


Tema

Dibujo preparatorio en el Museo Británico de Londres

El tema de la caricatura es una combinación de dos temas populares en la pintura florentina del siglo XV: La Virgen y el Niño con Juan Bautista y La Virgen y el Niño con Santa Ana.

El dibujo es notable por su compleja composición, que demuestra la alternancia en el posicionamiento de las figuras que se manifiesta por primera vez en las pinturas de Leonardo en la Madonna de Benois. Las rodillas de las dos mujeres apuntan en diferentes direcciones, con las rodillas de Mary saliendo del cuadro hacia la izquierda, mientras que su cuerpo gira bruscamente hacia la derecha, creando un movimiento sinuoso. Las rodillas y los pies de las figuras establecen un fuerte ritmo ascendente y descendente en un punto de la composición donde normalmente se encontraría una base firme compuesta por pies firmemente plantados, rodillas ampliamente extendidas y amplia extensión de la prenda envolvente. Mientras las mitades inferiores de sus cuerpos se vuelven hacia atrás, los rostros de las dos mujeres se vuelven hacia la otra, reflejando los rasgos de la otra. La delimitación entre la parte superior del cuerpo ha perdido claridad, lo que sugiere que las cabezas son parte del mismo cuerpo.

El movimiento de torsión de la Virgen se repite en el Niño Jesús, cuyo cuerpo, sostenido casi en horizontal por su madre, gira axialmente, con la parte inferior del cuerpo hacia arriba y la parte superior hacia abajo. Esta postura de giro se indica por primera vez en la pintura de Leonardo en el Adoración de los Magos y se explora en una serie de dibujos, en particular los diversos estudios de la Virgen y el Niño con un gato que se encuentran en el Museo Británico.

La yuxtaposición de dos juegos de cabezas es un elemento compositivo importante. El ángulo, la iluminación y la mirada del Niño Jesús reproduce la de su madre, mientras que Juan Bautista reproduce estos mismos elementos en el rostro de Santa Ana. La iluminación indica que hay dos protagonistas y dos actores secundarios en la escena que está presenciando el espectador. Hay una interacción sutil entre las miradas de las cuatro figuras. Santa Ana sonríe con adoración a su hija María, tal vez indicando no solo el orgullo maternal, sino también la veneración debida a quien "todas las generaciones llamarán. Bendita". [2] Los ojos de María están fijos en el Niño Jesús que levanta la mano en un gesto de bendición sobre el primo que treinta años más tarde llevaría a cabo la tarea asignada de bautizar a Jesús. Aunque es el mayor de los dos hijos, Juan el Bautista acepta humildemente la bendición, como quien más tarde diría de su primo: "No soy digno ni de desatarle las sandalias". [3] La mano de Santa Ana, con el dedo índice apuntando hacia el cielo, se coloca cerca de las cabezas de los niños, quizás para indicar la fuente original de la bendición. Este enigmático gesto se considera esencialmente leonardesco, y se produce en el Última cena y San juan bautista.

Los dibujos animados de este tipo solían transferirse a un tablero para pintar pinchando o incidiendo el contorno. En la Virgen y el Niño con Santa Ana y San Juan Bautista esto no se ha hecho, lo que sugiere que el dibujo se ha mantenido como una obra de arte por derecho propio. [4] Leonardo no parece haber basado una pintura directamente en este dibujo. La composición difiere del único otro tratamiento que sobrevivió Leonardo del tema, La Virgen y el Niño con Santa Ana en el Louvre, en el que no está presente la figura del Bautista. Una pintura basada en la caricatura fue realizada por un alumno de Leonardo, Bernardino Luini, y ahora se encuentra en la Biblioteca Ambrosiana de Milán. [5] La figura de Pomona en el cuadro de Francesco Melzi Pomona y Vertumnus en Berlín se basa en la Virgen de la caricatura.


Santa Ana

Según la tradición cristiana apócrifa, Santa Ana fue madre de María y abuela de Jesús. La madre de María no se menciona en los evangelios.

El nombre de Anne proviene de los apócrifos del Nuevo Testamento, de los cuales el Evangelio de Santiago, escrito quizás alrededor de 150, parece ser la primera mención.

Los apócrifos del Nuevo Testamento son escritos de los primeros cristianos que relatan a Jesús y sus enseñanzas, la naturaleza de Dios o las instrucciones de sus apóstoles y sus vidas.

Algunos de estos escritos habían sido citados como escrituras por los primeros cristianos, pero desde el siglo quinto surgió un consenso que limitaba el Nuevo Testamento a los 27 libros del canon moderno.

Las iglesias católica romana, ortodoxa oriental y protestante generalmente no ven estos apócrifos del Nuevo Testamento como parte de la Biblia.

Anne (árabe: Ḥannah) también es venerada en el Islam, reconocida como una mujer muy espiritual y como la madre de María.


Un análisis de "La Virgen de la pradera" y "La Virgen y el Niño con Santa Ana"

Las imágenes han llegado a ser acogidas por la sociedad desde una perspectiva más amplia. Su uso se ha vuelto más frecuente en los últimos años en comparación con hace algunas décadas. Varias tecnologías que han sido adoptadas por la sociedad han jugado un papel importante en esta realización. Existe la expectativa de que el uso profundo de imágenes seguirá aumentando en alcance en los próximos años.

Las imágenes tienden a desempeñar varios roles y funciones en la sociedad. Algunos roles tienden a ser complejos en comparación con otros. Algunos pueden usarse para representar eventos, transmitir conocimientos o mostrar algún fragmento de la historia, entre otros (Gombrich, 2009). Cuando se trata del aspecto histórico, las imágenes ayudan a preservar los recuerdos de cómo solían verse ciertas cosas. Las personas de la generación actual no existieron durante esos períodos, pero pueden identificarse con ciertas historias. Tienen la capacidad de decir cómo se veían ciertos individuos, estructuras e imperios prominentes debido a las imágenes presentadas sobre estas cosas. Hace que las personas se sientan parte de un linaje, que como resultado trabajarán para preservar. Tener algo en común ayuda a construir lazos positivos que hacen de la sociedad un lugar propicio para estar (Mukundan & amp Ramakrishnan, 1998). En lo que respecta al conocimiento, las imágenes se suelen utilizar como una forma de transmitir información. Al observar una determinada imagen, las personas pueden deducir varias cosas. A veces, a las personas les resulta más fácil comprender ciertas cosas mediante la expresión de imágenes en lugar de palabras. Esto se debe a la representación visual del contenido involucrado.

Los roles y funciones de una imagen en la mayoría de las ocasiones están determinados por el contexto dentro del cual se construyó la imagen. Una imagen desarrollada en el contexto de la historia terminará jugando un papel diferente al desarrollado en un contexto empresarial o científico.

La imagen de arriba representa "Madonna de la pradera" de Raphael. La imagen ha sido discutida y analizada por varios autores. Los autores tienden a tener descripciones similares en algunos aspectos, mientras que en otros tienden a tener puntos de vista diferentes. Entre las descripciones que parecen tener una interpretación similar entre varios autores está la presentación de un triángulo en la imagen que representa a María, Juan y Jesús. Honor y Fleming (2005) afirman que la formación de la pirámide es una representación de algo fuerte. Se asemeja a un vínculo que no es fácil de romper y cuyo propósito debe cumplirse. Brown y Pagden (2006), por otro lado, también describen la disposición triangular como una representación del orden y la estabilidad. Muestra que las personas involucradas están arraigadas y listas para realizar su propósito deseado. Honor & amp Fleming (2005), Brown & amp Pagden (2006) y Mukundan & amp Ramakrishnan (1998) también analizan la presencia de la cruz como una indicación de lo que vendrá. Es una forma de Juan bendiciendo a Jesús y preparándolo para el futuro que le espera. Honor y Fleming (2005) postulan que el aspecto de María descalza es una indicación de que está pisando tierra santa. Continúa afirmando que las tres flores rojas en el lado izquierdo de Mary prevalecen y están conectadas con las personas en la pintura. Afirma que representan la Santísima Trinidad. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998), por otro lado, parece tener algún análisis contrastante. Postula que la imagen de María, Juan y Jesús dentro de la geometría triangular es la representación de la Santísima Trinidad. La ropa de María también actúa como un simbolismo cristiano. El color azul representa el cielo mientras que el rojo representa la muerte de Jesús (Brown & amp Pagden, 2006). Ella envuelve la redención que se va a realizar como resultado del sacrificio que Jesús va a emprender para restaurar el bienestar de los cristianos hasta la eternidad. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998) también describen el trasfondo de la ciudad como una esencia de tensión que recuerda a los espectadores los posibles peligros que aguardan a Jesús y Juan.

Esta imagen fue desarrollada alrededor de 1506. El contexto de la imagen en el período actual no tiene diferencia con cómo se percibía durante su período de producción. Esto se debe a que actuó como un simbolismo cristiano. Fue una forma de mostrar el surgimiento de Jesús en la tierra y su misión de salvar a los cristianos a través de su muerte y resurrección. En la imagen se han representado dos personas que jugaron un papel vital en este hecho. Esta es la misma forma en que los cristianos de todo el mundo ven esta imagen. Sin embargo, existen diferencias en torno al contexto del arte entre estos dos períodos. La imagen fue realizada durante el renacimiento del arte en Europa. La transición que tuvo lugar en ese momento hizo que esta imagen se destacara como única. Tenía una inmensa fascinación en los ojos de las personas que lo veían. Sin embargo, las circunstancias son bastante diferentes en el período actual. La aparición de la tecnología ha dado como resultado que las personas tengan la capacidad de ver otras imágenes impresionantes, lo que hace que esta no parezca muy impresionante. En este contexto, la gente tiende a olvidar el período en el que se desarrolló la imagen para darse cuenta de lo grandiosa que es.

La imagen que se muestra arriba es una representación de "La Virgen y el Niño con Santa Ana" de Leonardo da Vinci. Fue desarrollado durante el período del Renacimiento, por lo que ha atraído opiniones de diferentes personas. Diferentes autores han debatido y analizado la imagen desde distintas perspectivas. Una descripción común entre varios autores es la representación triangular en la imagen. Surhone (2010) afirma que el triángulo que se utiliza representa el vínculo familiar que existe entre los tres personajes involucrados. María es sostenida por su madre, quien tiene como objetivo dominar a su hijo Jesús. Pye (2015) amplía este análisis como una indicación de la santísima trinidad. Esto se debe a que la imagen muestra a tres personajes que están relacionados entre sí y tienen un vínculo (familia) muy fuerte entre ellos. Independientemente de cualquier incidente, seguirían siendo una familia debido a los lazos de sangre. El aspecto familiar de la imagen también se elabora a través de las muestras de afecto y ternura que se retratan en la imagen (Pye, 2015). Santa Ana muestra una actitud más sobria en comparación con María, que está sumida en un arrebato de amor maternal. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998) también describen la imagen como un simbolismo cristiano. Combina dos temas católicos canónicos. Entre ellos se encuentra el encuentro de generaciones demostrado por el niño, la madre y la abuela apareciendo juntas. El otro se manifiesta por la noción de pasión y sacrificio. Estos aspectos se atribuyen a Jesús debido al cordero que sostiene. El cordero representa un aspecto de inocencia. Este aspecto es recordado por Juan el Bautista cuando se refirió a Jesús como el “Cordero de Dios”. Surhone (2010) reitera que la imagen ejemplifica tres técnicas pictóricas. Incluyen perspectiva aérea, claroscuro y sfumato. La perspectiva aérea se demuestra mostrando la distancia por contraste de color y tono. El claroscuro se demuestra mediante el uso de la oscuridad y la luz para crear efectos de modelado y relieve. Sfumato por otro lado, ayuda en la definición de formas usando gradaciones claras y oscuras. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998), Surhone (2010) y Pye (2015) describen el aspecto de Mary sentada en el regazo de Anne de manera similar. Lo ven como un aspecto inusual. No está claro qué quería demostrar Leonardo.

No se puede considerar que el contexto de la imagen sea diferente en el período actual en comparación con cuando se desarrolló. La forma en que las personas interpretaron la imagen durante su período de producción tiende a permanecer constante. Esto se debe a que el objetivo con el que se desarrolló no ha cambiado. Todavía muestra un aspecto similar. Lo que ha cambiado pueden ser las críticas que giran en torno a la imagen. La imagen se desarrolló durante el período renacentista. Este fue el renacimiento del mundo del arte. Lo que esto significaba es que la gente veía las imágenes como espectaculares ya que no habían visto tales aspectos en el pasado. El atributo limita los actos de crítica ya que no existen numerosas imágenes con las que comparar. Este caso es diferente en el período actual. Están surgiendo diferentes tipos de imágenes y tecnologías que se utilizan para desarrollar estas imágenes. Como resultado, existirían muchas críticas hacia esta imagen en el período actual.

Ambas imágenes, “Virgen de la pradera” y “La Virgen y el Niño con Santa Ana” tienen algunos atributos similares. Estos atributos son útiles al discutir las imágenes con respecto a las teorías que abarcan qué es una imagen. Para empezar, se puede hacer referencia a una imagen como una representación externa de una persona (Gombrich, 2009). Este aspecto es evidente en ambas imágenes en las que se representan objetos. Los usuarios de las imágenes tienden a obtener más información sobre las imágenes al observar los objetos que se muestran. También se espera que una imagen actúe como metáfora o símil (Gombrich, 2009). Las imágenes anteriores han actualizado este aspecto actuando como simbolismo cristiano. Diferentes autores han discutido ampliamente este aspecto. Las imágenes también han demostrado el uso de diferentes técnicas. Esto se espera de cualquier imagen para que los usuarios puedan captar lo que el artista involucrado estaba tratando de elaborar. Entre las técnicas que intervienen en las imágenes de arriba se encuentran la perspectiva aérea, el claroscuro y el sfumato. Las técnicas ayudan a demostrar el tono y el color, entre otras cosas.

Mukundan, R. y Ramakrishnan, K., 1998. Funciones de momento en el análisis de imágenes: teoría y aplicaciones. Singapur: World Scientific.

Gombrich, E., 2009. Los usos de las imágenes: Estudios en la función social del arte y la comunicación visual. Londres: Phaidon.

Brown, D. y Pagden, S., 2006. Bellini, Giorgione, Tiziano y el Renacimiento de la pintura veneciana. Washington: Galería Nacional de Arte.

Honor, H. y Fleming, J., 2005. Una historia mundial del arte (7ª ed.). Londres: Laurence King.

Mukundan, R. y Ramakrishnan, K., 1998. Funciones de momento en el análisis de imágenes: teoría y aplicaciones. Singapur: World Scientific.

Pye, C., 2015. La tormenta en el mar: estética política en la época de Shakespeare. Nueva York: 9780823265046.

Surhone, L., 2010. La Virgen y el Niño con Santa Ana (Leonardo da Vinci): Anne Selbdritt, pintura al óleo, Leonardo da Vinci, Santa Ana, María, Niño Jesús, Santissima Annunziata Florencia. Gran Bretagna: publicación de Betascript.


La Virgen y el Niño con Santa Ana

La imagen que se muestra arriba es una representación de "La Virgen y el Niño con Santa Ana" de Leonardo da Vinci. Fue desarrollado durante el período del Renacimiento, por lo que ha atraído opiniones de diferentes personas. Diferentes autores han debatido y analizado la imagen desde distintas perspectivas. Una descripción común entre varios autores es la representación triangular en la imagen. Surhone (2010) afirma que el triángulo que se utiliza representa el vínculo familiar que existe entre los tres personajes involucrados. María es sostenida por su madre, quien tiene como objetivo dominar a su hijo Jesús. Pye (2015) amplía este análisis como una indicación de la santísima trinidad. Esto se debe a que la imagen muestra a tres personajes que están relacionados entre sí y tienen un vínculo (familia) muy fuerte entre ellos. Independientemente de cualquier incidente, seguirían siendo una familia debido a los lazos de sangre. El aspecto familiar de la imagen también se elabora a través de las muestras de afecto y ternura que se retratan en la imagen (Pye, 2015). Santa Ana muestra una actitud más sobria en comparación con María, que está sumida en un arrebato de amor maternal. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998) también describen la imagen como un simbolismo cristiano. Combina dos temas católicos canónicos. Entre ellos se encuentra el encuentro de generaciones demostrado por el niño, la madre y la abuela apareciendo juntas. El otro se manifiesta por la noción de pasión y sacrificio. Estos aspectos se atribuyen a Jesús por el cordero que sostiene. El cordero representa un aspecto de inocencia. Este aspecto es recordado por Juan el Bautista cuando se refirió a Jesús como el “Cordero de Dios”. Surhone (2010) reitera que la imagen ejemplifica tres técnicas pictóricas. Incluyen perspectiva aérea, claroscuro y sfumato. La perspectiva aérea se demuestra mostrando la distancia por contraste de color y tono. El claroscuro se demuestra mediante el uso de la oscuridad y la luz para crear efectos de modelado y relieve. Sfumato por otro lado, ayuda en la definición de formas usando gradaciones claras y oscuras. Mukundan & amp Ramakrishnan (1998), Surhone (2010) y Pye (2015) describen el aspecto de Mary sentada en el regazo de Anne de manera similar. Lo ven como un aspecto inusual. No está claro qué quería demostrar Leonardo.

No se puede considerar que el contexto de la imagen sea diferente en el período actual en comparación con cuando se desarrolló. La forma en que las personas interpretaron la imagen durante su período de producción tiende a permanecer constante. Esto se debe a que el objetivo con el que se desarrolló no ha cambiado. Todavía muestra un aspecto similar. Lo que ha cambiado pueden ser las críticas que giran en torno a la imagen. La imagen se desarrolló durante el período renacentista. Este fue el renacimiento del mundo del arte. Lo que esto significaba es que la gente veía las imágenes como espectaculares ya que no habían visto tales aspectos en el pasado. El atributo limita los actos de crítica ya que no existen numerosas imágenes con las que comparar. Este caso es diferente en el período actual. Están surgiendo diferentes tipos de imágenes y tecnologías que se utilizan para desarrollar estas imágenes. Como resultado, existirían muchas críticas hacia esta imagen en el período actual.

Ambas imágenes, “La Virgen y el Niño con Santa Ana” y “Madonna de la pradera” tienen algunos atributos similares. Estos atributos son útiles al discutir las imágenes con respecto a las teorías que abarcan qué es una imagen. Para empezar, se puede hacer referencia a una imagen como una representación externa de una persona (Gombrich, 2009). Este aspecto es evidente en ambas imágenes en las que se representan objetos. Los usuarios de las imágenes tienden a obtener más información sobre las imágenes al observar los objetos que se muestran. También se espera que una imagen actúe como metáfora o símil (Gombrich, 2009). Las imágenes anteriores han actualizado este aspecto actuando como simbolismo cristiano. Diferentes autores han discutido ampliamente este aspecto. Las imágenes también han demostrado el uso de diferentes técnicas. Esto se espera de cualquier imagen para que los usuarios puedan captar lo que el artista involucrado estaba tratando de elaborar. Entre las técnicas que intervienen en las imágenes de arriba se encuentran la perspectiva aérea, el claroscuro y el sfumato. Las técnicas ayudan a demostrar el tono y el color, entre otras cosas.

Surhone, L., 2010. La Virgen y el Niño con Santa Ana (Leonardo da Vinci): Anne Selbdritt, pintura al óleo, Leonardo da Vinci, Santa Ana, María, Niño Jesús, Santissima Annunziata Florencia. Gran Bretagna: publicación de Betascript.

Pye, C., 2015. La tormenta en el mar: estética política en la época de Shakespeare. Nueva York: 9780823265046.


Versión Louvre

The Virgin of the Rocks which usually hangs in the Louvre is considered by most art historians to be the earlier of the two and date from around 1483-1486. Most authorities agree that the work is entirely by Leonardo. It is about 8 cm (3 in) taller than the London version. The first certain record of this picture is in 1625, when it was in the French royal collection. It is generally accepted that this painting was produced to fulfill a commission of 1483 in Milan. It is hypothesized that this painting was privately sold by Leonardo and that the London version was painted at a later date to fill the commission. There are a number of other theories to explain the existence of two paintings. This painting is regarded as a perfect example of Leonardo's "sfumato" technique.


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BY THE time Leonardo da Vinci died in 1519, he had been working on his painting of St Anne for 20 years and still was not quite finished with it. Nevertheless "The Virgin and Child with Saint Anne" consistently attracted the interest of other artists. The subject of St Anne, the Virgin Mary and the infant Jesus was far from new. But its treatment had been static, like an icon. Leonardo's portrait of grandmother, mother and child was full of movement and emotion. It is now one of the most cherished masterpieces in Western art.

A monumental Anne sits with her adult daughter perched on her lap. Mary reaches out trying to keep a grip on Jesus who is half-straddling a lamb. One can talk about the painting's technical virtuosity, the forcefulness of its triangular composition, the way the dreamy jagged background contrasts with the scrubbland on which the figures rest. These elements all contribute to the work's greatness. But what has made viewers take it to their hearts is Leonardo's evocation of a subject that is at once universal and not of this earthly world—the love and tension between generations and also between humanity and the divine.

Not everyone has been a mother, but each of us was once a child. The viewer, therefore, has an intuitive connection with the people in the painting. We see a benign, even indulgent grandmother giving physical support to her daughter. Emotionally, however, she ignores Mary and gazes at her adorable and adored grandson. Mary has the disturbed expression of a mother worried over her wilful little boy. The infant looks back to his mother, as if to reassure her, but he will not abandon the lamb. It is as if Anne accepts what Mary has not yet been able to, that Jesus is the sacrificial lamb, the Lamb of God.

One need not be Christian to be moved by this work. So many have been unnerved by the Louvre's announcement that “Saint Anne” was going to be cleaned and restored. Would this beloved, magical work be damaged or even destroyed in the name of “improving” it?

The cleaning and restoring of “Saint Anne” got underway in 2010, overseen by an international scientific committee of 20 specialists. It was completed early this year, and the Louvre has duly mounted a celebratory show. The first half of the exhibition features archival material, including Leonardo's notebooks, sketches and preparatory drawings—among them 22 loans from the Royal Collection in Windsor—which convey his thoughts about the composition. Then comes “Saint Anne”, joined by the large and beautiful “Burlington House Cartoon”. For the first time London's National Gallery has lent this 141.4 by 104.6 cm (55”x41.2”) preparatory drawing clearly it would not be Leonardo's last as it has the young John the Baptist in place of the lamb. Three additional paintings by Leonardo are also on view (but the Mona Lisa remains upstairs where as usual she draws crowds to the Italian painting galleries).

The second half of the Louvre show considers the influence Leonardo's “Saint Anne” has had on other artists, from those who worked in his studio to Michelangelo to Odilon Redon. Wonderful as some of these works are, after seeing Leonardo's versions in paint and charcoal, what follows feels like a tailing off.

This is an exciting, illuminating exhibition. It is also one with a rocky history. At the end of last year two highly esteemed members of the scientific committee overseeing the restoration of “St Anne” resigned. Jean-Pierre Cuzin, previously the Louvre's director of paintings, and Ségolène Bergeon Langle, its former director of conservation, did not make public their reasons. However, it is widely believed that they felt the cleaning had gone too far. It would not be the first time. To this viewer “Saint Anne” looks marvellous. The Virgin's voluminous wrap seems spun out of lapis lazuli and summer clouds. Come to your own conclusions. If you cannot see the show, do not fret. After it closes “Saint Anne” will be back on permanent view upstairs.


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