Corona japonesa de bronce dorado

Corona japonesa de bronce dorado


Corona japonesa de bronce dorado - Historia

BUSSHI 仏 師 DE JAPÓN = ESCULTORES DE JAPÓN
¿Quién hizo las estatuas de Buda de Japón y # 8217?
Escultores, escuelas y talleres de amplificación
en Estatuas budistas japonesas
ASUKA ERA, TORI BUSSHI, ESCUELA TORIHA

PALABRAS CLAVE
Kuratsukuri-be 鞍 作 部
Kuratsukuri 鞍 作 止 利
Shiba Tatsuto 司 馬達 等
Tori 止 利
Tori Busshi 止 利 仏 師
Escuela Tori 止 利 派
Escuela Toriha 止 利 派
Tori Shiki 止 利 式
Tori Yoshiki 止 利 様 式

  • Tori Busshi 止 利 仏 師, famoso escultor de bronce de la época. Busshi es el término para escultor budista. Consulte el glosario.
  • Toriha 止 利 派 (Escuela Tori) trabajo atribuido a Tori Busshi o sus discípulos.
  • Kuratsukuri no Tori 鞍 作 止 利. Otro nombre para Tori Busshi, ya que se dice que Tori era el jefe de un grupo de artesanos chinos que vivían en Japón en ese momento llamado Kuratsukuri-be 鞍 作 部. Según la mayoría de los recursos, Tori era nieto de un inmigrante chino llamado Shiba Tatsuto 司 馬達 等 (también lea Shiba Tatto), cuyo clan originalmente fabricaba sillas de montar para caballos, un arte que requiere conocimientos de fundición de metales y otras artesanías. Otras fuentes dicen que Tori es oriunda de Corea.
  • Tori Yoshiki 止 利 様 式 (Yōshiki, Youshiki). También escrito Tori Shiki 止 利 式. El término significa literalmente & # 8220Tori Style & # 8221 Tori Busshi llegó a personificar el arte de Japón & # 8217s al principio del Período Asuka, y las estatuas hechas de su mano o por sus aprendices están etiquetadas como Tori Yoshiki o Tori Shiki. Los estudiosos del arte están de acuerdo en que la escultura de estilo Tori fue influenciada por el arte budista de los reinos Wei del norte y este de China (finales del siglo IV al VI), que fue transmitido a Japón en gran parte por los coreanos que huían de la guerra civil en la península de Corea. Los principales elementos estilísticos de la escultura del período Asuka incluyen una frontalidad marcada (sin preocuparse por los lados o la parte posterior de las imágenes), labios en forma de media luna hacia arriba, ojos almendrados y pliegues dispuestos simétricamente en las túnicas. El estilo Tori fue fuertemente influenciado por estos elementos artísticos, que entraron en Japón junto con los inmigrantes de los reinos Paekche (Jp. = Kudara 百 済) y Silla (Jp. = Shinra o Shiragi 新 羅) de Corea. No obstante, el trabajo de Tori # 8217 comunica suavidad y paz interior a pesar de las poses originales, la rigidez geométrica y los rasgos faciales y corporales algo alargados que caracterizaron este período.
  • Nota sobre la influencia coreana. Un gran número de coreanos huyó a Japón en los siglos VI y VII para escapar de las incesantes guerras entre los tres reinos coreanos de Silla (Jp. = Shiragi 新 羅), Paekje / Paekche (Jp. = Kudara 百 済) y Koguryo / Goguryeo (Jp. = Kōkuri 高句麗). Estos inmigrantes trajeron numerosas imágenes y textos budistas y desempeñaron papeles importantes como académicos, maestros, escultores, artesanos y arquitectos budistas. Muchas de las primeras estructuras de templos de Japón fueron hechas por artesanos coreanos, por ejemplo. Haga clic aquí para obtener más información sobre la influencia coreana.

TRABAJO AMPLIO DE LA ESCUELA TORI

  • Influencia coreana. Excluyendo las imágenes de estilo Tori de la época, otras piezas importantes son el & quot; Bodhisattva sentado medio inclinado en meditación & quot (Bosatsu Hankazō 菩薩 半 跏 像) en el Templo Chūguji 中 宮 寺, que formaba parte del Templo Horyu-ji 法 隆 寺 (Hōryūji) en Nara. Las estatuas de Miroku Bosatsu en particular estuvieron muy extendidas durante el período Asuka, y muchas fueron reproducidas a partir de modelos coreanos. Consulte la página del recorrido fotográfico artístico de la era Asuka para obtener detalles sobre la influencia de Corea y la # 8217.


Miroku Bosatsu - Dos vistas de la misma estatua
Siglo VII d.C., Madera, 87 cm de altura.
Templo Chūgūji 中 宮 寺 (Chuguji) en Nara

    Kudara Kannon 百 済 観 音. La mayoría de los estudiosos creen que esta famosa estatua vino de Corea o fue hecha por artesanos coreanos que viven en Japón. El nombre de la estatua, Kudara Kannon 百 済 観 音, significa literalmente "Paekche Kannon". Paekche (Paekje 百 済) fue uno de los tres reinos de Corea durante este período, y Kannon es una de las deidades budistas más queridas de Asia. La extrema delgadez de la estatua parece al principio extraña, pero la serenidad en el rostro y el hermoso bronce calado en la corona son maravillosos. El jarrón simboliza el & # 8220nectar & # 8221 de Kannon & # 8217s compasión - apacigua la sed de aquellos que rezan a Kannon por ayuda. Hay muchos indicios de que la estatua vino de Corea (o fue hecha por artesanos coreanos en Japón). La mano de obra superior de la pieza, además de muchos de los matices estilísticos (sonrisa débil, rostro delgado, cuerpo delgado, pliegues en la ropa, halo) son todos sellos distintivos de los artesanos Paekche y generalmente se ajustan a las obras de arte del Período de los Tres Reinos de Corea. En el libro Impacto coreano en la cultura japonesa (Corea: Hollym International Corp., 1984), los autores Jon Carter Covell y Alan Covell dicen que la pista principal de la influencia de Paekche es el patrón de loto madreselva de la corona, que también se puede encontrar entre los artefactos descubiertos en la tumba de Paekche. 39s Rey Munyong (reinó + 501-523). El enrollamiento de las enredaderas, dicen, más el número de protuberancias de los pétalos de la corona, son casi idénticas a las piezas coreanas existentes similares.

    Carpinteros en el período Asuka
    Abajo texto cortesía de TIME MAGAZINE, 16 de febrero de 2004
    De los 202 santuarios budistas en el barrio Tennoji de Osaka, hay uno que se destaca: Shitennoji 四 天王寺 (Shitennōji), el primer templo japonés encargado por un rey (el príncipe Shotoku) y uno de los complejos budistas más antiguos de Japón. La construcción comenzó en + 593, solo décadas después de que la religión llegara a las costas del país. Uno de los carpinteros de Shitennoji, Shigemitsu Kongo, viajó a Japón desde el reino coreano de Paekche (Jp. = Kudara 百 済) para el proyecto. Durante un milenio y medio, Shitennoji ha sido derribado por tifones y reducido a cenizas por rayos y una guerra civil, y los descendientes de Shigemitsu han supervisado sus siete reconstrucciones. Hoy, trabajando en oficinas que dan al templo, Kongo Gumi Co. está dirigida por el presidente de 54 años Masakazu Kongo, el 40º Kongo que dirige la compañía en Japón. Se cree que su negocio, iniciado hace más de 1.410 años, es la empresa familiar más antigua del mundo. & ltend cita de la revista Time & gt

  • JAANUS.Arquitectura japonesa y sistema de usuarios de amp Art Net. Base de datos en línea dedicada a la historia del arte japonés. Compilado por el difunto Dr. Mary Neighbor Parent, cubre las deidades budistas y sintoístas con gran detalle y contiene más de 8.000 entradas.
  • Dr. Gabi Greve.Vea su página sobre Busshi japonés. Gabi-san hizo la mayor parte de la investigación y la escritura desde el Período Edo hasta la era Moderna. Ella es un colaborador habitual de sitios y mantiene numerosos sitios web informativos sobre temas desde Haiku hasta Daruma. Muchas gracias Gabi-san.
    Heibonsha, escultura del período Kamakura. Por Hisashi Mori, de Heibonsha Survey of Japanese Art. Publicado conjuntamente por Heibonsha (Tokio) y John Weatherhill Inc. Un libro cercano a mi corazón, esta publicación dedica mucho tiempo a los artistas que crearon los tesoros escultóricos de la era Kamakura, incluidos Unkei, Tankei, Kokei, Kaikei y muchos más. Muy recomendable. Primera edición 1974. ISBN 0-8348-1017-4. Compra en Amazon.

SITIOS WEB JAPONESES

Copyright 1995 - 2012. Mark Schumacher. Marca de correo electrónico.
Todas las historias y fotos, a menos que se especifique lo contrario, por Schumacher.
www.onmarkproductions.com | Haz una donación

¡No copie estas páginas o fotos en Wikipedia o en otro lugar sin la cita adecuada!


Lord Ganesha es Kangiten en Japón

Ganesha o Kangi-ten (歓 喜 天) es un dios en las escuelas Shingon & # 038 Tendai del budismo japonés. Leyendas detrás de Soshin Kangi-ten (masculino y femenino # 038 abrazado), Evil Vinayaka, Saraswati (Benzaiten), Bishamonten (Kubera), etc.
Es la forma budista japonesa de Ganesh y a veces también se identifica con el bodhisattva. Avalokiteshvara (alguien que escucha los gritos de los seres sintientes que necesitan ayuda).
Kangiten también se conoce como Kanki-ten (diez significa Dios o Deva), Shō-ten (聖 天, & # 8216dios sagrado& # 8216 o & # 8216noble dios & # 8217), Daishō-ten (& # 8216gran dios noble& # 8216), Daishō Kangi-ten (大聖 歓 喜 天), Tenson (天尊, & # 8216venerable dios& # 8216), Kangi Jizai-ten (歓 喜 自在 天), Shōden-sama, Vinayaka-ten o Binayaka-ten (毘 那夜 迦 天), Ganapatei (誐 那 缽 底) y Zōbi-ten (象鼻 天) .
Se dice que Ganesha o Vinayaka están siempre en Turiya (तुरीय) Sthiti, que es el cuarto y dichoso estado mental.
Los otros 3 estados son la conciencia de vigilia, el sueño y el sueño sin sueños, que suelen ser estados de conciencia comunes y Turiya trasciende estos tres estados.
Esto coincide con Kangiten siendo Dios de la dicha.
También conocido como Gaṇabachi o Gaṇapati (Ganapati es un epíteto popular de Ganesha) y Gaṇwha (Ganesha). Al igual que Ganesha, Bināyaka elimina los obstáculos, pero cuando se le propicia, otorga fortunas materiales, prosperidad, éxito y salud.

Historia de Kangiten en Japón

Kangiten surgió por primera vez como una deidad menor en el panteón budista japonés en los siglos VIII-IX EC, posiblemente bajo la influencia de Kukai (774-835), el fundador del budismo Shingon. El ícono hindú de Ganesha viajó a China, donde se incorporó al budismo, y luego viajó a Japón.
El papel inicial de Kangiten en Shingon, como la mayoría de las otras deidades hindúes asimiladas en el budismo, es el de un guardián menor de los mandalas gemelos. Más tarde, Kangiten emergió como besson, una deidad independiente. Kangiten aparece en numerosas guías besson japonesas, compiladas en el período Heian (794-1185). Si bien incluye rituales y formas iconográficas como los primeros textos chinos, introduce los mitos del origen de la deidad para justificar la naturaleza budista del Ganesha hindú.
Las primeras imágenes lo muestran como con dos o seis brazos. Las pinturas y las imágenes de bronce dorado del Dual Kangiten con connotaciones sexuales explícitas surgieron a finales del período Heian, bajo la influencia tántrica del budismo tibetano, donde tales imágenes sexuales (Yab-Yum) eran comunes. La rara iconografía sexual japonesa se ocultó a la vista del público, para cumplir con la ética confuciana.
Kangiten ahora se ha convertido en una deidad importante en Shingon.

Soshin Kangi-ten (Dual Kangiten) con formas masculinas y femeninas juntas

El icono de Dual Kangiten llamado Soshin Kangi-ten (& # 8220 dios de la dicha de doble cuerpo & # 8221) es una característica única del budismo Shingon. También es llamado Soshin Binayaka en japonés, Kuan-Shi diez en chino y Nandikeshvara (No Nandi) en sánscrito.
representado como una pareja de macho y hembra con cabeza de elefante, de pie abrazados.
Los géneros de la pareja no son explícitos, pero se insinúan en la iconografía. La hembra lleva una corona, una túnica de monje con parches y una sobrepelliz roja, mientras que el macho lleva una tela negra sobre el hombro. Él tiene un tronco y colmillos largos, mientras que ella tiene unos cortos. Él es de color marrón rojizo y ella es blanca. Por lo general, ella apoya los pies sobre los de él, mientras que él apoya la cabeza en su hombro.
No hay evidencia concreta sobre el inicio de esta forma Kangiten masculina + femenina. Se encuentra por primera vez en los textos chinos, relacionados con el budismo tántrico chino, que se centró en el Buda Vairocana y propagado por los tres grandes maestros Śubhakarasiṃha, Vajrabodhi, y Amoghavajra. los Dharanisamuccya traducido al chino por el monje Atigupta (Atikuta) en 654 EC describe un ritual para adorar al Dual Kangiten, el mismo ritual fue replicado por Amoghavajra (705-774) en su texto ritual Daishoten Kangi Soshin Binayaka ho. Amoghavajra describe a Soshin Kangiten como un deva, que concede los deseos de uno y un trayaka, el protector contra el mal y la calamidad. Detalla los rituales y mantras para ganar el favor del Dual Kangiten, así como del Shoten de seis brazos. En otro texto de Amoghavajra, Soshin Kangiten se llama un bodhisattva.

Los rituales para apaciguar a Kangiten se describen para obtener tres cosas materiales: realeza, prosperidad y suficiente comida y ropa. El texto prescribe especialmente el vino, el & # 8220agua de dicha& # 8221 como ofrenda a Kangiten.
Śubhakarasiṃha (principios del siglo VIII) en el texto, anterior a Amoghavajra pero posterior a la fecha de Atigupta compuesta en c. 723-36, equipara a Kangiten con Shiva y asocia al rey hindú Vinayaka con Avalokiteshvara (Kannon).
El Dual Kangiten también puede haber sido por la representación tántrica hindú de Ganesha con consortes.

Legend of Evil Vinayaka en Japón

Hay muchos cánones budistas japoneses que narran historias sobre la naturaleza malvada de Vināyaka. los Kangisoshinkuyoho así como el texto chino temprano de Śubhakarasiṃha & # 8217, describe que el rey Vinayaka (Binayaka) era el hijo de Uma (hi) (Parvati, madre de Ganesha) y Maheswara (Siva), padre de Ganesha. Uma produce 1500 hijos de ambos lados de su izquierda una hueste de Vinayakas malvados, encabezados por Vinayaka (Binayaka) y de su derecha, huestes virtuosos benevolentes encabezados por la manifestación de Avalokiteshvara - Senanayaka (Señor del ejército [de dioses], identificado con el dios hindú de la guerra Skanda, el hermano de Ganesha), la antítesis de Vinayaka. Senanayaka tomaría muchos nacimientos como hermano mayor (como en la tradición hindú) o esposa de Vinyanaka para derrotarlo. Luego, el texto de Śubhakarasiṃha & # 8217 dice que, como esposa, Senanayaka abraza a Vinayaka y conduce al icono del Dual Kangiten. En el panteón japonés, Kangiten es considerado el hermano de Ida-ten, identificado con Skanda.

Otra leyenda narra que el rey de Marakeira solo comía carne de res y rábanos. Cuando estos se volvieron raros, comenzó a darse un festín con cadáveres humanos y, finalmente, seres vivos, convirtiéndose en el gran rey demonio Vinayaka, que comandaba un ejército de vinayakas. La gente rezó al Avalokiteshvara, quien tomó la forma de una vinayaka femenina y sedujo a Vinayaka, llenándolo de alegría (kangi). Así, él, en unión con ella, se convirtió en el Dual Kangiten.

El Kukozensho cuenta que Zaijizai, la consorte de Maheshvara y # 8217s, tuvo un hijo llamado Shoten, que fue desterrado del cielo debido a su naturaleza malvada y violenta. Una hermosa diosa llamada Gundari (Kundali), tomó la forma de una demonia terrible y se casó con Shoten, lo que lo llevó a buenos caminos. Otro cuento narra que Kangiten era la hija malvada de Mahaeshvara, expulsada del cielo. Se refugió en el monte Binayaka y se casó con un compañero masculino, Binayaka, lo que resultó en el icono de Dual Kangiten.
Las variantes japonesas de la leyenda del Dual Kangiten enfatizan que la unión de Vinayaka (el macho) y Vainayaki (la hembra) transforma a un malvado creador de obstáculos en un individuo reformado.
La idea detrás de esta historia indica la relación de Ganesha con Kundali (Poder Yóguico que reside en nuestro cuerpo).
Este Kundali o Kundalini reside como energía silenciosa en nuestro Chakra Mooladhara (en el extremo inferior de la columna vertebral, debajo del coxis) en forma de elefante que dobla su trompa mientras duerme.
Es por eso que se medita sobre Ganesh, (el Dios simbólico) con su Moola Mantra para despertar Kundalini en Mooladhara.

Adoración de Kangiten junto con otros dioses en Japón

Se considera que Kangiten está dotado de un gran poder. Kangiten es considerado protector de templos y adorado generalmente por jugadores, actores, geishas y personas en el negocio de & # 8220Placer& # 8220. Los mantras se prescriben a menudo en los textos rituales para apaciguar a la deidad e incluso para alejar a este hacedor de obstáculos. Se ofrecen al dios vino de arroz (sake), rábanos y & # 8220bliss-buns & # 8221 (kangi-dan).
Hōzan-ji, en la cima del monte Ikoma, es su templo más importante y activo. Aunque se cree que el templo se fundó en el siglo VI, se convirtió en el centro de atención en el siglo XVII cuando el monje Tankai (1629-1716) hizo el templo & # 8217s Gohonzon, un período Heian, imagen de bronce dorado del Dual Kangiten, el centro de atracción. En la era Genroku (1688-1704), los comerciantes de Osaka, especialmente los vendedores de aceite vegetal, se unieron al culto de Kangiten, atribuyendo su éxito a su adoración.

Daishō-in o Daisyō-in (大聖 院?) Es un histórico complejo de templos japoneses, donde podemos encontrar Benzaiten (Saraswati), Kangiten (Ganapathi) y Bishamonten (毘 沙門 天, Vaiśravaṇa o Kubera) juntos.


Corona japonesa de bronce dorado - Historia

Lorenzo Ghiberti (italiano, 1378 y ndash1455). Panel de Jacob y Esaú, de Puertas de Parardise, 1425 y ndash52. Bronce dorado. Colección del Museo dell’Opera del Duomo. Imagen cortesía de Opificio delle Pietre Dure, Florencia.


INTRODUCCIÓN
Después de más de 25 años, la conservación de Lorenzo Ghiberti Puertas del paraíso está a punto de completarse. La exibición Las & quot; puertas del paraíso & quot: obra maestra del Renacimiento de Lorenzo Ghiberti brinda una oportunidad sin precedentes de ver tres de los famosos relieves narrativos de las puertas de bronce de temas del Antiguo Testamento, así como cuatro secciones adicionales de los marcos de las puertas, antes de que se instalen permanentemente en el Museo dell’Opera del Duomo, Florencia. También revela importantes hallazgos nuevos realizados durante su restauración, que incluyen información sobre el proceso de fabricación y la evolución de las imágenes y técnicas de Ghiberti.

Creado a mediados del siglo XV e instalado en el portal oriental del Baptisterio, el Puertas del paraíso han sido elogiados por generaciones de artistas e historiadores del arte por su convincente descripción de escenas del Antiguo Testamento. Con el tiempo, las puertas de bronce de tres toneladas y cinco metros de altura se convirtieron en un ícono del arte renacentista y una piedra de toque de la vida cívica y religiosa en Florencia. Esta exposición muestra tres paneles de la puerta izquierda del Puertas del paraíso, que representan las historias de Adán y Eva, Jacob y Esaú, y David y Goliat. La exposición también incluye figuras y cabezas de profetas del marco de la puerta, y explora la naturaleza evolutiva del arte en Florencia y Siena durante la carrera de Ghiberti con obras de la colección permanente del Instituto de Arte.


volver arriba


LOS PUERTAS DEL PARAÍSO PANELES: CONTENIDO Y ESTILO
En 1425, Lorenzo Ghiberti recibió el encargo de diseñar un segundo par de puertas de bronce para el baptisterio de Florencia. Trabajó en la tarea durante 27 años, creando una obra maestra que Miguel Ángel llamó "verdaderamente digna de ser las Puertas del Paraíso" por su notable belleza y grandeza. Los paneles ofrecen a los espectadores una visión coherente del genio artístico de Ghiberti y su uso innovador de la perspectiva. Originalmente el Puertas del paraíso iban a tener 28 paneles figurativos, como en los juegos anteriores de puertas del Baptisterio, pero este plan se redujo a 10 paneles, una decisión probablemente influenciada por el juicio estético de Ghiberti.

los Panel de Adán y Eva documenta el trabajo más temprano de Ghiberti en las puertas y presenta una espléndida representación de figuras desnudas en un paisaje decorado por anfitriones angelicales. Ghiberti combinó cuatro episodios principales de la historia de Adán y Eva en este panel armonioso. La creación de Adán, ilustrada en primer plano en el extremo izquierdo, muestra a Adán en un estado de semiconsciencia, levantándose en respuesta al toque vivificante de Dios. En el centro, mientras los ángeles miran, Dios forma a Eva a partir de una de las costillas de Adán. La tentación de Adán y Eva por la serpiente se muestra en el fondo a la izquierda, mientras que el lado derecho del panel representa la expulsión de la pareja del Edén. Los cambios sutiles en la escala de las figuras refuerzan episodios discretos en la historia de la Creación. Ghiberti moduló la escala y el grado de proyección de los ángeles para separar visualmente las cuatro escenas.

En el Panel de Jacob y Esaú, Ghiberti empleó un nuevo sistema de perspectiva lineal para construir la narrativa. Organizó los episodios de la historia en torno a un punto de fuga enmarcado por el arco central de una logia renacentista. Este panel, con sus figuras de primer plano casi tridimensionales, el uso magistral de la perspectiva científica y la arquitectura impresionante, muestra que el artista estaba a la vanguardia del ilusionismo y la narración florentina. En el panel, Jacob obtiene la primogenitura de su hermano mayor, Esaú, y la bendición de su padre, Isaac, convirtiéndose así en el fundador de los israelitas. Se muestra a Rebekah dando a luz a los gemelos debajo de la galería en el extremo izquierdo. En la azotea, en la esquina superior derecha, Ghiberti la describió recibiendo la profecía del futuro conflicto de sus hijos.

Enmarcado dentro del arco central, Esaú vende sus derechos como primogénito a Jacob, quien le ofrece a su hermano hambriento un plato de sopa a cambio. En el centro del frente del panel, Isaac envía a Esaú a cazar, y, en el primer plano de la derecha, Jacob se arrodilla ante el ciego Isaac, quien, sintiendo una piel de cabra peluda en la espalda de Jacob, cree que él es Esaú y por error le da la bendición debido a el hijo mayor.

En el panel de David, Ghiberti ilustró la victoria del joven David sobre el gigante Goliat. David aparece en primer plano cortando la cabeza del gigante después de derribarlo con una piedra. Por encima de este episodio, el rey Saúl, claramente etiquetado y elevado sobre los israelitas y filisteos que luchan, lidera a sus tropas en una derrota del enemigo. Una hendidura en las montañas más allá revela a David y sus seguidores llevando la cabeza de Goliat en triunfo hacia Jerusalén.

LA INFLUENCIA DE GHIBERTI
Ghiberti estableció un nuevo enfoque de la figura y la perspectiva humanas en su segundo juego de puertas del Baptisterio, lo que influyó en gran medida en sus contemporáneos artísticos. Bartolommeo di Giovanni's Escenas de la vida de San Juan Bautista de la colección permanente del Instituto de Arte muestra el impacto persistente del estilo narrativo de Ghiberti, como se ve en la Panel de Jacob y Esaú. La influencia de Ghiberti es evidente en la vista abierta de un espacio interior y las agrupaciones discretas de figuras distribuidas a lo largo de la composición, cada una de las cuales cuenta una parte diferente de la historia.


HACIENDO EL PUERTAS DEL PARAÍSO
Durante el Renacimiento, el bronce era mucho más costoso que el mármol y planteaba importantes dificultades técnicas en una época anterior a la fundición industrial. Ghiberti creó el Puertas del paraíso utilizando una técnica conocida como fundición a la cera perdida. Después de hacer dibujos y modelos de bocetos en arcilla o cera, preparó representaciones de cera detalladas a escala real de cada componente de los relieves. (Algunos científicos y eruditos creen que modeló sus relieves directamente en cera, otros proponen que hizo un modelo inicial en otro material y luego hizo un molde de cera indirecto). Cuando Ghiberti y sus asistentes terminaron un modelo, agregaron varillas de cera en patrones ramificados. a su espalda. Luego, todo el relieve se cubrió con un material resistente al fuego como arcilla y se calentó hasta que la cera se derritió, dejando un molde hueco. Los espacios que habían sido ocupados por las varillas servían como bebederos (canales) a través de los cuales el bronce llegaba a la superficie del relieve. Los bebederos se cortaron de los relieves después del vaciado, pero sus restos aún son visibles en la parte posterior de cada panel.

El trabajo de Ghiberti estaba a medio terminar cuando sacó los bronces de sus moldes. Todavía necesitaba completar el tedioso y tedioso trabajo de perseguir, es decir, martillar, tallar, cortar y pulir los relieves. Utilizando su formación como orfebre, dirigió a sus numerosos asistentes a limpiar y mejorar los detalles de la superficie del metal.

Ghiberti utilizó una aleación de bronce algo más difícil de fundir que otros bronces de la época, pero también muy receptiva al dorado. Mezcló polvo de oro con mercurio y pintó la mezcla en la superficie frontal de cada relieve. Algunas de sus pinceladas aún son visibles, pero, en su mayor parte, logró crear una superficie lisa y luminosa que sugiere aire y atmósfera. Para hacer que el oro se adhiera al bronce, Ghiberti calentó cada relieve para quemar el mercurio, dejando solo el oro en su lugar. Este fue un proceso tóxico y peligroso que ya no se usa.


FIGURAS Y CABEZAS DE PROFETAS
Los paneles narrativos del Puertas del paraíso están enmarcados por una serie de 20 profetas en nichos que se alternan con 24 cabezas salientes. Las figuras de pie, como Figura restaurada de un profeta en nicho representan a los profetas, heroínas y sibilas del Antiguo Testamento, a quienes generalmente se les atribuye el haber predicho el nacimiento de Cristo. Las cabezas también representan profetas, como en Cabeza de profeta restaurada pero también incluyen retratos de Ghiberti y su hijo Vittorio, quien continuó el taller familiar después de la muerte de su padre. Los elementos del marco de la puerta amplifican los temas principales de los paneles narrativos y sirven como otro ejemplo de la inventiva artística de Ghiberti. La exposición muestra dos cabezas y dos profetas sacados del marco de la puerta. Un juego se ha limpiado y el otro no. El contraste entre cada conjunto demuestra mucho mejor que las palabras el impacto de la conservación en la restauración de la claridad y el detalle de la obra maestra de Ghiberti.


CONSERVACIÓN
Antes de la conservación, las superficies doradas del Puertas del paraíso estaban cubiertos de incrustaciones que desfiguraban y dañaban, como se ve en los paneles sin tratar que se exhiben en la exposición. Las grietas y raspaduras en el oro también permitieron que los contaminantes se filtraran entre el dorado y el bronce. La acumulación resultante de humedad y sales detrás del dorado desencadenó una reacción que hizo que burbujeara, comprometiendo la integridad de toda la superficie.

El trabajo de conservación comenzó con seis paneles en relieve arrancados de las puertas cuando el río Arno inundó Florencia el 4 de noviembre de 1966. Estos paneles se sumergieron en una solución de sales de Rochelle y agua destilada, que disolvió todas las incrustaciones de la superficie. Posteriormente, la conservación se amplió a los relieves restantes, aunque se necesitaron cinco años para sacarlos de su marco ornamental. Todo el marco fue finalmente retirado del Baptisterio en 1990, cuando una copia moderna del Puertas del paraíso fue instalado. Desde entonces, la tecnología láser ha permitido a científicos y conservadores desarrollar una nueva y revolucionaria técnica de limpieza para los paneles restantes, un proceso ilustrado en un video que acompaña a la exposición.


Libros de referencia sobre la Corea temprana

Diccionario de arte y arqueología coreanos
Roderick Whitfield (editor en jefe)
Hollym, 2004

352 págs. 110 mm X 182 mm, Tapa blanda.
ISBN: 1-56591-201-2

Esta publicación busca promover una comprensión más amplia de la cultura y las artes coreanas entre los extranjeros interesados ​​en el legado cultural de Corea, y respaldar la investigación académica al proporcionar definiciones en inglés y explicaciones de la terminología utilizada para los artefactos culturales. Las 2.824 entradas de este diccionario se clasifican en cuatro categorías principales: arqueología, arquitectura, historia del arte y folclore. Se enumeran en orden alfabético coreano, sin clasificación de campos.

Proyecto Early Korea, CGIS South Building Room S224, 1730 Cambridge Street, Cambridge, MA 02138.
Teléfono: (617) 496-3403. Fax: (617) 495-9976.


Patrón

  • 1er. Centro Lotus
  • 2do. Patrón de espiral de 6 dragones
  • 3er. Patrón de disco
  • 4rh. Palmetas
  • 5to. Llamas y una torre

Lotus y 6 dragones

Espejo y formato de halo

Palmet

Las artes antiguas japonesas del siglo 7-8 a menudo usan palmets, pero este es un patrón riguroso e inigualable. Aunque los palmets tienen origen helenístico, es posible que hayan viajado directamente desde la península de Corea. Este fresco de las tumbas de Kogryo (Corea del Norte) (ca. 600 d.C.) tiene palmetas más cercanas. Esta es la primera tumba de Nai-li, cerca de Pyongyang. Esto es más similar a muchos palmets chinos de adornos de cuevas de piedra.

Halo similar contemporáneo

Torre y Sutra del loto

En la parte superior de la quinta banda, se graba una torre / pabellón con 3 postes. Hay otros ejemplos que tiene esta extraña torre. La figura de la derecha es una placa de relieves de bronce en el templo de Hase-dera en Nara, Japón. Estaba fechado en el 686 d.C. 91 cm de altura. Es una escena del capítulo 12 del Sutra del loto (Suddharma Pundharika Sutra). Una torre apareció de la tierra y un antiguo buda (que estaba enseñando mucho antes que el buda real) admira al buda moderno desde la torre. Dado que esta escena dramática es muy popular entre los chinos, se hicieron muchas imágenes de torres.

Esta torre también se ve en la sexta cueva de la cueva de Yung Kang (siglo V d.C.). Estos relieves son idénticos a la placa de bronce. En el período Norten Wei, sobrevivieron muchas imágenes pequeñas de bronce dorado, que tienen una torre con imágenes de Buda. En estos ejemplos, creo que la imagen de la torre del halo debería ser una torre en el Sutra del loto.

Llamas en Halo

La quinta banda representa un patrón de llama fuerte y rítmico. Al antiguo halo de bronce dorado le gusta, pero este es más nítido.
Muestro dos ejemplos de patrón de llamas en el siglo 5-6, China. Esta estatua de bronce dorado (Fig.13) Ref. Estuvo en Japón hasta 1987, y tiene 44 cm de altura en el Museo Nacional de Taipei. California. 480-490 d.C. Una de las obras maestras típicas de la estatua de bronce dorado de Nothen Wei. Este patrón de marco es lo suficientemente fuerte como para combinar con el halo de madera, pero su estilo es diferente. Un poco rectangular. Otra pequeña estatua de bronce dorado (Figura 14) se encuentra en el Museo Nacional de Tokio. Se trata de un Avalokitisvara fechado en 542 d. C. Dinastía Wei del Este. A este patrón de llama rizado le gusta la quinta banda. Es la razón por la que el año 542 d.C. está más cerca de principios del siglo VII, cuando se debería haber hecho la estatua de Ho-ryu-ji.

Significado del patrón de llamas Halo en el siglo 5-7.

El patrón de llamas es común en los halos de las imágenes budistas de los siglos V-VIII en China. El halo Horyu-ji triunfa en esa tendencia. Esa imagen de bronce dorado de Northen Wei es un ejemplo típico.

¿Realmente se refieren a la llama de fuego? Es extraño que la imagen sagrada esté en llamas. De hecho, las deidades que representan la rabia y el poder han tenido un halo de llama de fuego después del siglo VIII, es considerable, pero las imágenes tranquilas y meditativas también están en el fuego.

Quiero establecer una hipótesis. Supongo que esto podría ser una emanutio / explosión de energía que los antiguos chinos llamaron "Ki" y representaron como patrones de nubes. Antes del 3 d.C. --- El siglo IV a.C., las deidades antiguas chinas a menudo acompañan a esta nube de energía. Como ejemplo, esta pintura en la parte posterior de la tapa de una vasija de vino de bronce. Muestra un pájaro sagrado en una nube energética. Este concepto hizo que los chinos del siglo 5-8 sintieran natural que las imágenes de los santos emitieran llamaradas de energía.

Una escultura de Gandahra en el Musee Guimet, París, lanza llamas hacia arriba y agua hacia abajo. Tal icono podría haber sido un desencadenante para dibujar un patrón de marco en halo, pero no es la razón por la que se hizo muy popular en los chinos del siglo 5-8. Además, las imágenes de llamas en halo son raras en la India.


EN FOTOS: Miss Universo corona a través de los años

El lunes 30 de enero, en el Mall of Asia Arena de Manila, una mujer muy afortunada será coronada como la 65 ° Miss Universo. Ella asumirá el cargo que Miss Universo 2015, Pia Wurtzbach, cumplió con confianza el año pasado. Una de las ventajas es el privilegio de llevar la prestigiosa corona de Miss Universo.

La corona nupcial imperial Romanov

Desde el inicio del certamen en 1952, ha habido 9 coronas diferentes usadas por la realeza de la reina de belleza. La primera corona de Miss Universo que se utilizó fue en realidad de la realeza. La corona nupcial de Romanov Imperial que anteriormente era propiedad de un zar ruso se usó cuando ganó Armi Kuusela de Finlandia. Se cree que está hecho con aproximadamente 1.535 diamantes impecables. Irónicamente, se utilizó una corona nupcial para honrar a una "señorita".

PRIMER MISS UNIVERSE. Finlandia y # x27s Armi Kuusela fue Miss Universo 1952

Foto de la Organización Miss Universo

La corona de bronce metálico

MISS UNIVERSE 1953. France & # x27s Christiane Martel posa con el juez Jeff Chandler.

Foto de la Organización Miss Universo

Al año siguiente, la corona de Miss Universo fue reemplazada por una de bronce metálico. La francesa Christiane Martel se convirtió en Miss Universo 1953 y fue la única ganadora en haber usado este diseño. It is probably the most unusual of all the crowns because it featured a very solid design and did not feature crystals or rhinestones unlike the other crowns.

Star of the Universe

Miriam Stevenson, Miss USA 1954, from South Carolina, was the first Miss USA to become Miss Universe. She was also the first titleholder to obtain a college degree while holding the title.

Photo from Miss Universe Organization

From 1954 to 1960, the design known as the Star of the Universe became the Miss Universe crown. It "consisted of approximately 1,000 Oriental cultured and black pearls set in solid gold and platinum," with a weight of 1.25 pounds. It is said to be valued at $500,000.

The rhinestone crown

MISS UNIVERSE 1961. Marlene Schmidt, the first Miss Universe from Germany, won her title in Miami Beach, Florida

Photo from Miss Universe Organization

MISS UNIVERSE 1962. Argentina's Norma Nolan poses for an official photo. Each Miss Universe will be featured in thousands of photos during her reign and will sign just as many autographs.

Photo from Miss Universe Organization

In 1961, the Miss Universe Organization wanted to have a special crown to commemorate its 10th anniversary. It was the first time that a rhinestone crown was introduced and Marlene Schmidt of Germany won. Marlene and her successor, Argentina's Norma Nolan, became the only two winners with the distinction of wearing the rhinestone crown.

The Sarah Coventry crown

MISS UNIVERSE 1963. Brazil's Ieda Maria Vargas takes her walk after winning the title.

Photo from Miss Universe Organization

The year 1963 ushered in the pageant's most famous crown – the one designed by renowned jewelry maker Sarah Coventry. Ieda Maria Vargas of Brazil, Miss Universe 1963, had the privilege of being the first winner to use this crown. The Philippines' Gloria Diaz, Miss Universe 1969, also wore this during her reign. The last winner to wear the Sarah Coventry crown was Miss Universe 2001, Denise Quiñones of Puerto Rico.

Many pageant fans were very upset upon finding out that the much-loved crown would be replaced. It ended the era of tradition and ushered in the crown sponsorship years and more frequent crown changes.

MUCH-LOVED CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones wearing the Sarah Coventry crown.

Photo from Miss Universe Organization

The Mikimoto Crown

Below is a photo of Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowning Miss Universe 2002 Oxana Federova. This picture clearly shows the two different crowns. It would be very rare to see this in future pageants because the outgoing queen no longer wears her crown during the crowning moment.

NEW CROWN. Miss Universe 2001 Denise Quiñones crowns 24-year-old Oxana Fedorova, of Russia, as Miss Universe 2002.

Photo from Miss Universe Organization

"The Miss Universe crown used from 2002–2007 was designed by Mikimoto, the official jewelry sponsor of the Miss Universe Organization, and depicted the phoenix rising, signifying status, power, and beauty. The crown has 500 diamonds of almost 30 carats (6.0 g), 120 South Sea and Akoya pearls, ranging in size from 3 to 18 mm diameter and is valued at $250,000. The Crown was designed specifically for the pageant on Mikimoto Pearl Island in Japan with the Mikimoto crown and tiara being first used for Miss Universe 2002. The crown has an accompaniment of a tiara which will be given to the winner after her reign."

Although the crown was very beautifully designed, some pageant fans were quick to speculate that switching to it brought bad luck. Several months after being crowned with the new Mikimoto crown, Federova became the first Miss Universe titleholder to be dethroned.


A brief guide to buttons

We often dismiss buttons as a clothing sideshow – the work horses of the accessories world. But early buttons were in fact more akin to jewellery than the modern-day fastenings we’re familiar with.

At 5,000 years old, an ornamental button made from shell, and found in Pakistan is currently considered to be the oldest button in existence. Other early buttons were made out of materials including bone, horn, bronze and wood.

Later, buttons took on more practical duties. In ancient Rome buttons were used to secure clothes, some having to support reams of fabric at a single point. But they were still a far cry from the slim, functional buttons you’re familiar with on your shirts and suits.

The Middle Ages: the invention of buttonholes

Image source: Shutterstock
Buttonholes didn’t make their first appearance until the 13th century

Buttons being used as clothing fasteners continued for centuries. But it wasn’t until the 13th century that proper buttonholes were being sewn into clothes, and with them, new possibilities for clothing arose.

Buttons with actual buttonholes rather than looser toggles meant that clothes could have a much more form-fitting shape.

For all their prominence, buttons were still largely the privilege of the wealthy during this period. In the medieval era, buttons meant serious wealth – for both the wearer and the maker.

Many buttons were made with precious metals and costly fabrics, and as Slate points out, this era was

a time when you could pay off a debt by plucking a precious button from your suit.”

Towards the Renaissance, some larger buttons took on additional functions they were used to hide keepsakes and stolen booty in small hidden chambers.

Revolución industrial

Image source: Hugh McCormick Smith / Public domain
The inside of a busy button factory around the turn of the 19th century.

Of course, the less wealthy had buttons, too. These tended to be crudely made at home, until the Industrial Revolution, which ushered in the democratisation of buttons.

Around this time, the flat, four-holed button that we’re all familiar with emerged. Although the materials used have developed and the process refined since then it is still essentially the same button. This period also saw a rise in popularity for brass buttons on both military and civilian clothing.

The most popular buttons of the later half of the 19th century were made of black glass an imitation of Queen Victoria’s habit of wearing black buttons following the death of Prince Albert. With her loyal subjects adopting her style, black glass fasteners became the most widespread variety of the 19th century.

Modern Buttons

Image source: Grey Fox
Leather buttons – sometimes called “football buttons” after old-school leather footballs.

20th century designers and fashionistas flipped the original decorative use of buttons on its head: they became working accessories. Mass-production and materials like plastic made them prevalent, despite the invention of zipper.

That doesn’t mean modern buttons can’t still pack a decorative punch. Advances in technology mean that teddy bear-shaped buttons for children’s clothes can be as easily made as more conservative, stylish buttons for a suit.

Today, buttons are, once again, a good indicator of quality clothing. With more choice on the market, traditional buttons are making a resurgence. As Permanent Style notes:

“English tailors prefer matte, horn buttons… The natural materials are, of course, also associated with better suits.”

Another button-based sign of distinction is a jacket sleeve with working cuff buttons, as seen on our own classic tweed jacket.

There are even rules about buttons there’s a rule relating to the correct way to button a suit jacket, for example. Edward VII was a portly king who couldn’t close his jacket all the way and Real Men Real Style explains:

“…as a result always left the bottom button undone. His subjects (either out of respect or fear), followed suit. The trend of leaving the bottom button undone caught on.”

Buttons as symbols

While ornate buttons aren’t the sole preserve of kings and aristocrats any more, they still serve as symbols of rank on military dress. Military expert, Kelly Badge, points out:

“buttons are as varied as cap badges. Each unit has its own unique regimental button, often with a crest and sometimes a crown,”

Such buttons can have meaning well beyond power and status. During World War II, a British soldier encountered a 12-year-old Jewish boy and his family fleeing from the Nazis. He pulled a button off his greatcoat to give the boy and advised them to go south through France, rather than towards Dunkirk.

The family eventually made their way to America where the button now sits in the collection of the United States Holocaust Memorial Museum.

Buttons have proven to be firmly fastened to the fabric of human society – at least the past five thousand years of it. Even with the development of zippers, poppers and velcro, buttons are still the fastening of choice for people the world over.

If you’ve still got burning button questions, check out our buttons infographic!

So are you a button man, or do you prefer the simplicity of the zip? Do you have any old buttons knocking around – perhaps some historical military ones? Share them with us on our Facebook page.


The 6,000-year-old Crown found in Dead Sea Cave

The oldest known crown in the world, which was famously discovered in 1961 as part of the Nahal Mishmar Hoard, along with numerous other treasured artifacts, was recently revealed in New York University's Institute for the Study of the Ancient World as part of the 'Masters of Fire: Copper Age Art from Israel' exhibit.

The ancient crown dates back to the Copper Age between 4000–3500 BC, and is just one out of more than 400 artifacts that were recovered in a cave in the Judean Desert near the Dead Sea more than half a century ago. The crown is shaped like a thick ring and features vultures and doors protruding from the top. It is believed that it played a part in burial ceremonies for people of importance at the time.

New York University wrote: “An object of enormous power and prestige, the blackened, raggedly cast copper crown from the Nahal Mishmar Hoard greets the visitor to Masters of Fire. The enigmatic protuberances along its rim of vultures and building façades with squarish apertures, and its cylindrical shape, suggest links to the burial practices of the time.”

The Nahal Mishmar Hoard was found by archaeologist Pessah Bar-Adon hidden in a natural crevice and wrapped in a straw mat in a cave on the northern side of Nahal Mishmar, which became known as the ‘Cave of Treasures’. The 442 prized artifacts made from copper, bronze, ivory, and stone, include 240 mace heads, 100 sceptres, 5 crowns, powder horns, tools and weapons.

Some of the items from the Nahal Mishmar Hoard. Credit: John Bedell.

Carbon-14 dating of the reed mat in which the objects were wrapped suggests that it dates to at least 3500 B.C. It was in this period that the use of copper became widespread throughout the Levant, attesting to considerable technological developments that parallel major social advances in the region.

Some of these objects are like nothing ever seen anywhere else. The round knobs are usually said to be mace heads, but there is no evidence that any of them were ever used in combat. The remaining objects are even more unusual and unique in style, such as the bronze sceptre depicted below.

Bronze sceptre from the Nahal Mishmar Hoard. Displayed at the Hecht Museum in Haifa. Credit: John Bedell.

The objects in the Nahal Mishmar hoard appear to have been hurriedly collected, leading to the suggestions that the artifacts were the sacred treasures belonging to the abandoned Chalcolithic Temple of Ein Gedi, some twelve kilometres away, which may have been hidden in the cave during a time of emergency.

Chalcolithic Temple above modern Kibbutz Ein Gedi. Crédito de la foto: Wikipedia

Daniel Master, Professor of Archaeology at Wheaton College and a member of the curatorial team, said: “The fascinating thing about this period is that a burst of innovation defined the technologies of the ancient world for thousands of years.”

Jennifer Chi, ISAW Exhibitions Director and Chief Curator, added: “To the modern eye, it's stunning to see how these groups of people, already mastering so many new social systems and technologies, still had the ability to create objects of enduring artistic interest.”

The purpose and origin of the hoard remains a mystery.

Featured image: The oldest crown in the world, found in the Nahal Mishmar Hoard. ( Wikimedia).


How to Tell Fake Bronze in Sculptures

Ancient bronze sculptures and statuary are often worth large sums of money -- and wherever there's money, there's crime. An industry of forgery has sprung up to take advantage of the profits that can be reaped from selling fake bronze statues. Often made of resin or less valuable metals, fake bronzes will usually be given an artificial patina, imitating the genuine effect of aging on the surface of the metal. If you know what to look for, however, you can usually tell a fake from the real deal simply by using your powers of observation.

Check the price tag. If the statue looks like a steal, it probably is -- but you're the victim. Suspiciously low prices are often an indicator of shifty business.

Examine the craftsmanship. Many imitation bronzes feature shoddy detail work and generally appear to be of secondary quality when looked at closely. If the artwork is subpar, the chances of the sculpture being a fake are significantly higher, not to mention the fact that you're probably being charged more than the item is worth.

Look at the patina on the surface of the statue. Bronze develops an uneven brown and greenish hue over time that is most noticeable on ancient works that have been excavated. Forgeries often try to mimic this, but usually the results are less than convincing. Many fakes give the skin of the subject a uniform brown coloring, with the clothing taking on a more green hue. No genuine bronze will look like that.

Tap the sculpture to see whether it is made of genuine metal. A resin imitation sounds noticeably different from a real bronze statue. If you're still unsure, hold a lit match to the surface of the statue for several seconds. A bronze will show no visible changes, but a resin will immediately begin to bubble, giving itself away.


Ver el vídeo: WW2 From Indias Perspective. Animated History